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artes y espectáculos

CARACAS

LA RAZÓN BLINDADA

Escrita por Arístides Vargas, llevada a la escena capitalina bajo la producción general de: “Con los Pies en las tablas”, dirigida por el actor y director Luis Bernal. Este hecho teatral una historia que se basa en el Don Quijote de Cervantes, la verdadera historia de Sancho Panza de Franz Kafka y en las narraciones que hiciese Chucho Vargas y otros presos políticos, de la dictadura argentina de los años 70, en las cercanías en la cárcel de Rawson.

Luis Bernal como director se esfuerza por mostrar un discurso escénico, en el que se transmite el mensaje más allá de lo implícito. Lo que sentimos como sociedad y pensamos no solo del país. Invitando al espectador a hacerse preguntas, a partir de esta pieza que se ha definido como un poema escénico, que pretende exaltar el poder liberador de la imaginación y a la vez una forma de resistencia a la represión.

Dos presos políticos, acribillados por las circunstancias emocionales y físicas,cada domingo se unen a ese espacio de la cárcel, para vivir a través de la historia de Don Quijote y Sancho Panza, la posibilidad de recrear por medio de la herramienta del teatro dentro del teatro, un esbozo reflexivo o un diálogo para el público. En el que además de mostrar sus limitaciones existenciales más externas, alcanzan la esperanza y de alguna interpretan a favor de la libertad, en ese ejercicio vital que les permite a estos dos personajes, que se salven semana tras semana.

Esta catarsis de ambos presos, es a su vez una razón para unir el hecho teatral a la realidad existencial que nos oprime como sociedad en el mundo. Haciendo que la historia representada nos lleve a reflexionar acerca de nuestra propia realidad y hasta qué punto nuestra libertad fuera de la cárcel es real.

La historia imaginaria de estos personajes que se desnudan entre frustraciones, anhelos, valores, y presiones individuales. Se asienta en ese diálogo representado entre “Panza y de la Mancha” descubriendo ante el espectador la realidad más extrema. El dolor, el hambre y las frustraciones, pueden ser mitigados por el acto de imaginar otra realidad más placentera, a modo de escape existencial.

El hidalgo que suele confundir a los molinos de viento con gigantes, mujeres grises con doncellas, cárceles con paraísos, y que a su vez es un exiliado inmerso en ese sentido de la sinrazón y del absurdo.

Este desorden emocional del personaje cervantino, crece como recurso para recordar que cuando cervantes escribió a “Don Quijote de la Mancha”, lo hizo desde la cárcel. Por lo cual la presencia del encierro y de las privaciones, la libertad castrada, el asedio constante de la razón perdida o por momentos extraviada, es un signo de inefable comparación en nuestros días y de la sociedad que nos acoge.

Por otro lado, Sancho Panza en la obra de Kafka, representa a ese personaje con un continuo deseo de fugarse. Pero fugarse a través de sus fantasías, adentrarse en su mundo onírico, en el que los sueños se convierten en realidades representadas: Don Quijote cabalga libre más allá de la razón visible y en su recorrido choca con la utopía, refugiándose semana a semana en ese espacio de su pretendida libertad.

Análisis del hecho teatral

Ambos actores nos muestran un espacio interpretativo genuino con ciertos niveles valorativos, trayendo a la escena lo vivido por los presos políticos de la dictadura argentina en los encuentros culturales internos. Estos privados de libertad, buscaban a través de esta práctica la respuesta en la que se intenta explorar la imitación como universo artístico, los gestos como mercado de la palabra y la expresividad como herramienta narrativa, para un “Don Quijote” contemporáneo.

Pudimos constatar en el montaje de Luis Bernal y Salomón Adames, que hallaron esa formula representativa, inspirados en el ejercicio de lograr diferentes lecturas para su trabajo: en lo gestual, lo dramatúrgico y lo espacial. Aludiendo a esa intervención constante o fragmentación que impone el control que se ejerce en esa periferia opresiva.

Esa vigilancia que no se ve, pero que se hace constante como alerta. La misma que pretende domar en ese paraje imaginario semanal, lo que suele ser representativo para el ser o la sociedad. Sin embargo a través del mismo, les permite drenar sus existencias en la ansiada búsqueda por alcanzar la libertad.

Esto conecta al espectador con ese vacío existencial, mediatizado o ayudado por la luz como propuesta escénica.

Si profundizamos en otro sentido, el trabajo de Luis Bernal en su personaje de Panza, destaca en un primer análisis por ese personaje gélido, tímido, naturalista. Surgiendo una propuesta en la que asumimos un cierto desnivel en la escena, sobre todo, cuando nos acercamos a su proyección de voz, dicción o impacto comunicacional en la escena.

Aunque por otro lado, Bernal nos muestra un abanico de caracterizaciones y transiciones de amplio contenido dramático. A pesar que en momentos trascendentes en las escenas, el parlamento no le queda muy claro o entendido al espectador.

A través de ello, sin embargo, somos testigos de cómo el teatro tiene el poder de transportarnos a la imaginación más desconcertada y muchas veces más desencarnada. Sobre todo si comprendemos que en esta obra, el autor Arístides Vargas, desarrolló este texto a partir de un pedido que le hiciese CELCIT España, el cual le solicitó una mirada sobre el Quijote de Cervantes, para el Festival de Teatro Clásico de Almagro.

Esto coincidió con un viaje a la Patagonia que realizaría Vargas, para profundizar en una investigación sobre como realizaban teatro los presos políticos. Ya que en la Patagonia existía una cárcel que en los años 70, la cual era destinada a este tipo de presos. Es aquí cuando a Vargas se le ocurre abordar la mirada de Quijote, a partir de la visión de los presos.

Trazando un discurso escénico en el que la forma de decir las palabras aluden a esa atmósfera alienante que los rodea. Dándonos la impresión de que el texto fue desarrollado a partir del espectáculo o de la puesta en escena del mismo.

Este texto es a su vez una catapulta para un efecto de total teatralidad,o y lo reflexivo,en el que convergen a primera vista lo mordaz y lo cómico, lo poético unido a la razón traída a la escena con un enfoque desde afuera.

Apreciamos en la escena de ambos intérpretes, esa energía en la que sus personalidades se diluyen en un espacio escénico que alcanza su trascendencia cuando unas rejas o estructuras de hierro, se convierten junto a una tela, una flor de plástico y una bacenilla, en los elementos semióticos cargados de fuerza, poesía y encantamiento.

Logrando a través de su manipulación enérgica en cada escena, que dichos elementos adquieran el rol de actantes. Tomando partida de lo textual y gestual, para recrear un espectáculo pleno de códigos e interpretaciones, más allá de los componentes humanos caracterizados.

En la propuesta inicial de Vargas, el espacio escénico estaba concebido para una disposición desde arriba, desde lo alto, en la que el espectador pudiese apreciar todos los movimientos que se suceden en la escena.

En cambio en la de Bernal la sala no ayuda para que se cumpla esta premisa, y vemos que un escenario frontal, imposibilitado en gran medida para que se produzca el alejamiento necesario entre el escenario y el público, obtengamos un resultado y una muestra más íntima. Alejada quizás de la concepción de su autor, imposibilitando en gran medida identificar con claridad, ese diseño escénico, visto desde la perspectiva en que lo ve un guardia.

Por otro lado, el texto alude a los mestizajes culturales, un espacio de diferencias, un cruce de culturas. Planteado a través del acercamiento que en la diferencia tienen unos y otros.

Esto es interpretado por Luis Bernal como un paralelismo hacia Venezuela y su circunstancia actual, en la que cada actor trabaja a partir de sus influencias culturales y capacidad interpretativa. Con aciertos y aproximaciones inconclusas, observando diferentes técnicas de interpretación.

Caracterizadas por ser catapulta en el que las emociones nos conducen a lo genuino, a lo riguroso con respecto al texto y a lo trascendente en lo reflexivo. Surgiendo a la vez un divertimento escénico que dispara voces esenciales, políticas y el poder como hipérbole.

En otro sentido, se refleja el recurso de la memoria y la necesidad de reconstruirla. Lo que sentimos como sociedad y pensamos no solo del país, invitando al espectador a hacerse preguntas. En la creación de un mundo en paralelo, a ese infierno diario, haciendo posible la salvación que roza la libertad.

Lo destacable

El trabajo de Salomón Adames se acerca a la excelencia interpretativa: el paladín del idealismo más desesperado, el que se desvive en la sinrazón. De la Mancha nos propone un personaje cuyas transiciones, el manejo y proyección de su voz, los recursos inagotables de sus máscaras, la teatralidad de su ejercicio es tan visible, que atrapa al espectador sin condiciones.

Por su parte Luis Bernal director y actor encarna a Panza, mostrando como he dicho aspectos revisables en lo referente a su dicción y proyección vocal. Sin embargo esto en nada desmerita la sobriedad y esfuerzo de su trabajo. Bernal se asoma a la dualidad en esa revisión del personaje literario y el intérprete escénico, cautivando al espectador en imborrables 80 minutos.

Ficha Técnica:
Director Luis Bernal/ Panza
Salomón Adames/ De la Mancha
Dennis Gutiérrez/ Asistencia de Dirección
Solimar Raga/ Asistencia de Producción
Víctor Villavicencio/ Iluminación
Armando Zullo/ Escenografía
Producción General/ “Con los pies en las Tablas”

LUGAR: Centro Cultural Chacao.

CENSURA: B.

FECHA: Sábados y domingos, 18 de agosto al 26 de agosto.

HORA: 04:00 p.m.

Bs.545.440,00

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