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Orianna Montenegro
manifiesta su protesta a través del arte plástico

La artista inaugurará
la exposición "SOS Venezuela" en Miami
en solidaridad
con Venezuela

Prensa Cresta Metalica

La artista plástico venezolana Orianna Montenegro, luego de tres exitosas muestras en distintas ciudad de EEUU (dos de ellas premiadas) presenta ahora al público la serie "SOS Venezuela", en la que se solidariza con las protestas pacíficas que se han venido llevando a cabo en el país en contra de las violaciones a la Constitución y a los derechos humanos. La exposición donde se podrá apreciara el trabajo de esta joven de apenas 23 años de edad se titula Wynwood Juried show (Edición Primavera), será inaugurada el 26 de mayo y clausurada el 31 del mismo mes. El lugar dónde serán expuestas las obras es el Curator's Voice Art Projects de Miami con la curaduría de Milagros Bello.

La exposición forma parte de un concurso internacional, en el cual compiten artistas de diferentes disciplinas. La curadora eligió a Montenegro para la categoría de arte digital. Los ganadores serán anunciados en la semana de la exposición. Para que toda Venezuela y el mundo puedan apreciar las nueve piezas que conforman "SOS Venezuela", la artista quiso mostrarlas en forma gratuita en su página web www.oriannation.com

"Hay tantas razones que me motivaron a crear estas obras, pero lo resumo en todas las injusticias que hoy en día viven millones de venezolanos y que han conmovido al mundo. Todos estos lamentables hechos de violencia me motivaron a crear esta nueva serie llamada SOS Venezuela", explicó Montenegro sobre su trabajo digital conformado por nueve piezas impresas en papel sobre tablas de madera.

"Tomé la decisión de hacer esta muestra justo cuando empezaron las protestas por todas las violaciones a la Constitución y de los fuertes hechos de represión que se realizaron hacia los venezolanos que salen a las calles a marchar, al igual que por todas las violaciones a los derechos humanos que ha cometido el gobierno. Yo dejé mi país hace seis años, pero como venezolana que soy lo llevo siempre en el corazón y estos últimos días mi cabeza ha estado en Venezuela. No puedo ser indiferente ante la situación y esta es mi manera de ayudar, brindando una protesta a través del arte y el parte es un puente para el entendimiento", agregó la joven que reside actualmente en Miami, EEUU.

En relación al criterio para seleccionar las imágenes Montenegro asegura que fue un proceso bastante duro y doloroso, seleccionando las que más le impactaron entre todas las que se han generado durante las protestas. "Por ejemplo la ilustración de la Sra. María José enfrente de la tanqueta, ha recorrido el mundo y se ha vuelto un icono de protesta pacífica. Con esto quisiera agradecer a todos esos valientes fotógrafos y periodistas que están en las calles documentando los acontecimientos. Sin ellos no hubiese podido lograr esta serie de ilustraciones", explicó.

"Yo veo esta exposición como una protesta pacífica. A través de estas ilustraciones quiero romper patrones y brindar luz en los momentos oscuros. Cada una denuncia miles de problemas y lo que más quisiera es que todo el mundo se entere de lo que está pasando en Venezuela, tiene que haber justicia y con esta protesta a través del arte quiero lograr la atención internacional para así ayudar a conseguir apoyo de otros países", agregó.

El 2017 comenzó con buenas perspectivas para esta talentosa joven. En febrero expuso exitosamente dos piezas en la misma Curator's Voice Art Projects de Miami y durante el pasado mes de marzo fue premiada con otra exposición obteniendo la "Mención Honorable". En diciembre de 2016, mostró otra de sus creaciones conformada por seis pinturas grandes y 52 tablas de madera pequeñas, teniendo como escenario a la casa de estudios donde obtuvo su título universitario: la Lindenwood University de Missouri, EEUU.

Sigue a Orianna Montenegro en sus redes sociales:
Twitter e Instagram: @oriannation
Visita su página web:
www.oriannation.com


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LA SALA TAC SE VISTE DE ARTE BARROCO



Desde el próximo sábado 1° de abril se dictarán cinco conferencias sobre el Barroco, las cuales forman parte del Ciclo de Charlas Historia del Arte organizadas por la Sala TAC y estarán a cargo del docente universitario, Mauro Parra

Luego de haber explorado en profundidad el Renacimiento, los amantes del arte y su historia tendrán ahora la oportunidad de hacer un recorrido por el arte Barroco, en un conjunto de charlas que se realizarán los sábados 1º, 8, 22, 29 de abril, y el primer sábado del mes de mayo, a las 11:00 am, en la Sala TAC del Trasnocho Cultural.

El responsable de guiar y pasear a los asistentes por los tiempos del arte Barroco, es el profesor Mauro Parra, crítico de arte y docente de las escuelas de Psicología y Arte de la Universidad Central de Venezuela. Con él, el público conocerá sobre el papel prioritario de esta manifestación artística, la cual surgió en Italia a partir del siglo XVII, en oposición al arte renacentista.

Las características más resaltantes del Barroco, tales como la preponderancia de los colores ricos e intensos, y el uso de luces fuertes y sombras, serán algunos de los aspectos que se estudiarán, así como los principales exponentes de este movimiento: Rembrandt, Rubens, Hals, Vermeer, Velázquez y Poussin.

El próximo sábado 1º de abril se analizará el arte Barroco Español y los principales focos productores de pintura en las ciudades de Sevilla y Madrid. El sábado siguiente, el 8 abril, el profesor Parra expondrá sobre el Barroco en los Países Bajos: Peter Paul Rubens y Johannes Vermeer. Rubens, fue un afamado pintor de obra muy abundante, cuyos lienzos mostraron gran versatilidad temática; por su parte, Vermeer, fue un pintor holandés muy audaz también en la escogencia de los temas, la fuerza de la composición y la economía en los colores.

La programación continúa el sábado 22 Abril con Barroco en los Países Bajos: Rembrandt Harmenszoon Van Rijn. En efecto, solo un nombre será el centro de análisis y estudio en esta charla, y es porque fue una figura importante del Barroco. A Rembrandt se le recuerda por sus magistrales retratos, su maestría compositiva, y la perfecta caracterización de los personajes. Gran dibujante y grabador, dejó para el mundo cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados, todos, fieles ejemplos del Barroco.

El profesor Parra dará luego un salto geográfico para hablar sobre el Barroco en Inglaterra: Peter Lely, Cromwell, Anton Van Dyck. La cita, que es el sábado 29 de abril (luego de la pausa de Semana Santa), se detiene en Sir Peter Lely, pintor alemán que destaca por la serie de cuadros “Bellas de Windsor”, pintada a lo largo de la década de 1660, y por la serie denominada “Almirantes”. Tal y como lo indica el nombre de la conferencia, la obra de Anton Van Dyck, será objeto de análisis. Para muchos expertos es el pintor más importante después de Rubens. Llegó a ejercer el cargo de pintor de Carlos I, y de esa época dan cuenta más de cuatrocientos retratos de la monarquía y la aristocracia londinense.

Para cerrar este ciclo de charlas, el sábado 6 de mayo, el profesor Parra pone el foco en Francia para hablar de Nicolás Poussin, fundador y destacado representante de la pintura clásica francesa del siglo XVII, fuente de inspiración para artistas como Jacques Louis David y Paul Cezanne.

Este ciclo de conferencias, que forma parte de la labor educativa que lleva adelante la Sala TAC del Trasnocho Cultural en el campo de las artes plásticas, tendrá un costo de Bs.3.000 por charla y todas se efectuarán a las 11:00 am. Las personas interesadas en participar deberán acudir directamente a la Sala TAC el propio día de la charla para cancelar el importe. También pueden solicitar información a través del teléfono 0212-993.29.57, la cuenta @salatac1 en Twitter e Instagram o el portal www.trasnochocultural.com.

Fundada en el año 2003 y ubicada en el nivel Trasnocho del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, la Sala Trasnocho Arte Contacto (Sala TAC) es un espacio dedicado a la promoción de las artes plásticas y visuales, a través de exposiciones de artistas consagrados y emergentes, principalmente venezolanos. Su programación se complementa con actividades divulgativas y educativas con talleres, foros y conferencias.

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LAS ESCULTURAS DE GERARDO FERNÁNDEZ ACOMPAÑAN LA OBRA DE SECUNDINO RIVERA


El escultor venezolano Gerardo Fernández inaugurará una exposición titulada “Dos recorridos en el universo del arte venezolano”, el sábado 29 de abril a las 11:00 a.m, en su galería-taller ubicada en el Hatillo, donde exhibirá su trabajo junto a una selección de obras del artista español-venezolano Secundino Rivera (1932-2013), con quien sostuvo una relación de amistad y simbiosis en la búsqueda plástica de su propuesta creativa.

Conformada por un conjunto de piezas bidimensionales y tridimensionales de diferentes formatos, esta muestra permanecerá hasta el 27 de mayo, como un homenaje a esa amistad de más de treinta años que se prolongó hasta la muerte de Secundino, según afirma el propio Gerardo Fernández.
Con una fundición ejemplar y una amplia producción de piezas en bronce y aluminio, Fernández ha desarrollado una obra de corte minimalista y lúdica, con escaladores y niños en distintos juegos, desafiando la gravedad para ascender”, tal y como lo señala la curadora Fina Weitz en el texto que acompaña la exposición.

“Picaportes, frutas, insectos, caballos, acróbatas y figuras humanas de distintas dimensiones y en distintas técnicas, representan la búsqueda de una identidad propia, en el perfeccionamiento de la forma, el color y la técnica”.

Nacido en Caracas en 1966, Gerardo Fernández incursionó en el arte de la fundición en los años 80 y un tiempo después instaló su taller en La Unión. Tomó cursos de fundición en San Juan de Los Morros, Caracas y Madrid (España), además de estudiar escultura en el Grupo TAO y en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas. Su obra ha sido exhibida en el espacio museístico de la Galería de Arte Nacional, GAN, y en las principales galerías de Caracas, así como en la Galería Orinoco de Costa Rica.

Por su parte Secundino Rivera se destacó como un maestro del dibujo, la pintura y la escultura, centrando su obra en torno a la tauromaquia, el Quijote, el erotismo femenino, la maternidad y los paisajes venezolanos, destacándose su aporte especial a la geografía de El Ávila.
Desarrolló una vasta obra a lo largo de cinco décadas y vivió su trabajo a través de la indagación permanente, del humor y la ironía -según palabras de Fina Weitz-dejando como herencia una estela de conocimientos a las nuevas generaciones, en el trazo, uso y manejo del color, el claroscuro, el volumen en el espacio y las texturas.

Secundino Rivera nació en España en 1932, a sus 23 años emigra a Venezuela, e inicia su formación en las artes visuales en 1959. Mas tarde se traslada a París para asistir a las Escuelas de Beaux Arts y de La Ville. Así mismo realiza una importante actividad en el Museo del Louvre, analizando y realizando copias de obras maestras del Renacimiento y del período Barroco. En 1972 regresa a Caracas, instala su taller y se vincula a la actividad plástica del país.

Entre 2003 y 2010 residió en el municipio español Olmeda de Las Fuentes, en el cual una de sus calles recibió en su honor el nombre “Pintor Secundino Rivera. Sus últimos años los pasó entre Venezuela y España, donde falleció en 2013.

El público podrá apreciar la obra de estos dos artistas, a través la exposición “Dos recorridos en el universo del arte venezolano”, que se estará presentando del 29 de abril al 27 de mayo en la galería-.taller Gerardo Fernández, ubicada en la carretera la unión, sector el manguito calle el otro lado, taller de esculturas Gerardo Fernández, Municipio El Hatillo, en horario de lunes a jueves de 8:00 am a 5:00 pm, viernes y sábado de 9:00 am a 3:00 pm . La entrada es libre.

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D'Museo
Del 2 de abril al 28 de mayo

Diario de pinturas de Juan Henríquez se exhibe
en la Galería D'Museo

Un libro con obras en papel separadas y exhibidas en la misma secuencia en la que fueron creadas, junto a un conjunto de obras en gran formato, integran la exposición "Gozo Solo" del artista venezolano Juan Henríquez, que será inaugurada el domingo 2 de abril a las 11 a.m., en la Galería D'Museo del Centro de Arte Los Galpones, bajo la curaduría de Jimmy Yanez.

La muestra, que viene de ser exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL, aproxima al espectador al más reciente trabajo de Juan Henríquez, concebido a partir de un libro de pinturas que el artista fue llenando durante semanas como una suerte de diario, el cual dio como resultado "un cuerpo de obras creadas como respuesta al otro cuerpo que ha fijado la rutina de la experiencia laboral cotidiana. La obra forma una escritura plástica y terapéutica de mi liberación", según palabras del propio artista.

Juan Henríquez trabaja con imágenes figurativas como objetos o personajes, que le permiten jugar entre la forma reconocible y su entorno abstracto, tal y como él mismo afirma en el texto de presentación de la muestra. "Escenifico esta forma de cosa o persona, dentro del contexto abstracto de colores, grafías, y ella se convierte en la piel de la forma o cosa, también en su caja contenedora".

De igual forma, el artista destaca el uso de diferentes materiales y técnicas como spray, creyón, acrílico, collage y stencil para explorar más la riqueza del accidente, según explica. "Cuando aglomero los pigmentos, estos me dan un pie de inicio que llega después de la paciente observación del primer gesto en la pintura, aquel que me señala la ruta, aquel que invita o rechaza la suma de otras manchas o elementos en la obra".

A juicio del curador Jimmy Yanez, la exposición "Gozo Solo" posee latidos de un mismo cuerpo ritmado entre dos tiempos: uno de los goces de la creación y el otro, de las faenas del trabajo, de manera que un ritmo de tiempos cortos toma el espacio pequeño e íntimo del libro, cuaderno o cartulario, como si el artista tratara de contar en cada página las mil y una noches por medio de textos pictóricos; mientras que las obras a gran formato ocupan otro espacio con otro ritmo.

"Si el diario visual del artista es un acomodo a todos los espacios, como las pequeñas libretas que llevan ciertos escritores en los bolsillos para escribir frases instantáneas o momentos irrepetibles, los grandes formatos se corresponden a los tiempos de aislamiento y cierre en espacio del estudio o taller, para cumplir, día tras días, a la cita con la obra que se va gestando en él y en la tela", concluye Yanez.

Nacido en Maracaibo en 1980, Juan Henríquez ha expuesto su obra en salones de arte, muestras individuales y colectivas en Venezuela, Bélgica, Rumania, Argentina, el Caribe Holandés y Estados Unidos. Igualmente trabajó como colaborador en Sao Paulo (Brasil) con la artista Maria Bonomi en algunos proyectos de arte público a gran escala, en 2002 recibió el premio joven artista en el 27 Salón Nacional de Arte de Aragua, Maracay, Venezuela. Desde el año 2006 reside en Miami-Florida (Estados Unidos) donde estableció su estudio de trabajo junto a la artista y diseñadora de moda Lisu Vega.

El público podrá apreciar la obra de este artista a través de la exposición "Gozo Solo" que se estará presentando del 2 de abril al 28 de mayo, en la Galería D'Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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Gabriela Benatar muestra sus ilustraciones
en la Galería 39



La ilustradora venezolana Gabriela Benatar mostrará su trabajo en una exposición titulada “Desde tan lejos”, que será inaugurada el sábado 1° de abril a las 11 a.m., en la Galería 39 de El Hatillo, donde podrá ser visitada hasta el 6 de mayo.

Amante de la naturaleza y de los deportes extremos –en especial del surf, su principal fuente de inspiración– Gabriela Benatar presentará en esta muestra un conjunto de piezas donde recrea playas paradisíacas y coloridas, “los lugares que quiere ser y los colores que quiere ver”, según sus propias palabras. Define el arte como meditación y utiliza diferentes técnicas y materiales como acrílico, marcadores y acuarelas.

Entre los artistas que la inspiran se incluyen su madre, Nadia Benatar, así como también Erik Abel, Alex Krastev, Morgan Maassen, Carlos Cruz-Diez, Pájaro, Juan Manuel Hernández, entre otros.

Nacida en Caracas, Gaby comenzó a pintar a los 14 años de edad, y desde entonces ha desarrollado su carrera en torno a la ilustración. Estudió en el Instituto de Diseño de Caracas en Venezuela y continuó trabajando en algunas de sus técnicas en la Boca Art School de Florida, en Estados Unidos, donde tomó cursos de escultura, acrílico y mandalas.

Ha plasmado su arte en cascos de motocicleta, monopatines, aletas de tablas de surf, un avión, un collage de acrílico al que llamó "Perfect Imperfections", y en dos murales de mandala en Wynwood, Miami (Estados Unidos), estos dos últimos trabajos en colaboración con el artista venezolano Flix.

La obra de esta joven artista podrá ser apreciada del 1° de abril al 6 de mayo en la Galería 39, ubicada en la calle Bolívar con calle Instrucción, Quinta La Casona, N° 37, urbanización El Hatillo, Caracas. El horario es de miércoles a viernes de 1:00 p.m. a 5:30 p.m., sábados y domingos de 12 p.m. a 4 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información puede ser solicitada a través de las cuentas de Instagram @benatart / @39galeria Twitter @39galeria

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Obras de Daniel Suárez toman los espacios
de la UCAB
con una muestra antológica de 50 años
de creación



Una exposición antológica que condensa 50 años de creación del artista plástico venezolano Daniel Suárez, será inaugurada el sábado 1° de abril a las 11 a.m. en la Sala Magis de Arte Contemporáneo del Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza s.j., de la Universidad Católica Andrés Bello, donde permanecerá durante cinco meses bajo el título “La Persistencia del Origen”.

Con la curaduría de Humberto Valdivieso, la muestra está integrada por una selección de obras de variadas técnicas, formatos y dimensiones, exhibidas tanto en el Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza s.j., como los espacios abiertos del rectorado, biblioteca, jardines y caminerías del campus de la UCAB, donde pinturas, relieves y esculturas de dimensiones monumentales, permiten al espectador admirar el proceso evolutivo del lenguaje de la abstracción de Daniel Suárez.

“Dibujante-escultor y un pintor que ha esculpido los lienzos. En cada obra el dibujo piensa la materia, la escultura imagina el espacio y el arte medita la vida”, afirma Humberto Valdivieso en el texto de presentación de la muestra.

En palabras del curador, “La Persistencia del Origen” es el testimonio de la firme relación de este maestro con la materia de la vida: música, espiritualidad, familia, paisaje, conocimientos, pasiones, formas y texturas de la naturaleza.

“En su idea de belleza, no separa la abstracción de la compleja estructura de la realidad: no encuentra fronteras entre la geometría y lo orgánico, la matemática y la pasión, lo expresivo y lo sintético. Integra todo en un gran diálogo entre formas y conceptos. Por eso, las curvas justifican los ángulos, lo cóncavo a lo convexo y lo racional a lo pasional, tal como los espacios vacíos lo hacen con los volúmenes sólidos”.

Las esculturas de Suárez intercambian esferas, cubos y filamentos, mientras que sus pinturas integran volúmenes, tejidos y ciertas texturas geológicas producto de los experimentos del artista con el informalismo, según escribe Valdivieso. “En sus obras el dibujo no llena el espacio, es el espacio quien llena el dibujo y lo abre al universo (…) el suyo es un lenguaje plástico escrito para ser leído por todas las culturas. Está hecho de múltiples modos de hablar que convocan diálogos de miradas, palabras, formas y materiales”.

Oriundo de San Cristóbal, estado Táchira, Daniel Suárez ha desarrollado una amplia y fructífera trayectoria artística de cinco décadas dedicadas a la investigación y experimentación de materiales y técnicas diversas para lograr un dominio en su lenguaje abstracto. Sus trabajos se han exhibido en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, muestras colectivas y ferias de arte; y sus esculturas monumentales forman parte de espacios públicos, centros comerciales, universidades e importantes colecciones privadas. Actualmente preside el Centro de Arte que lleva su nombre y que se destaca en el mercado del arte nacional como la única galería-taller dedicada a la realización, promoción, restauración y comercialización del arte geométrico venezolano.

El público podrá apreciar la obra de este destacado artista a través de la exposición “La Persistencia del Origen”, que se estará exhibiendo durante cinco meses a partir del 1° de abril en la Sala Magis de Arte Contemporáneo del Centro Cultural Padre Carlos Guillermo Plaza s.j., en la Universidad Católica Andrés Bello, ubicada en la avenida Teherán, Montalbán, Caracas. El horario de exposición en la sala es de lunes a viernes de 8:00 a.m. a 6:00 p.m. La entrada es libre.

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Obras de Consuelo Méndez y Luis Noguera
dialogan sobre el agua
en la Galería Espacios
de El Rosal



Una exposición en diálogo entre los artistas Consuelo Méndez y Luis Noguera, inaugurará la Galería Espacios con el título “Ojos de agua”, el sábado 25 de marzo a las 11 a.m. en su sede ubicada en The Hotel en El Rosal, donde podrá ser visitada hasta el 6 de mayo.

Más de 80 obras que evocan el agua y la naturaleza, en pequeño y mediano formato, integran esta muestra en la que se exhibe el trabajo de dos artistas que vienen de un origen común, como es el mundo del grabado y del dibujo. “De la línea, del gesto pero del arrebato. De la mancha de color, de la aguada. Y de las rasgaduras”, como escribe en el texto de presentación la curadora e investigadora de artes visuales, Marianella Guevara.

Consuelo Méndez presenta en esta ocasión un conjunto de pinturas dibujos, libros-objeto realizados con ceras, acuarelas, acrílicos y tintas sobre papel y tela, además de esmaltes sobre madera, donde el color aflora en capas y en muchos casos la superposición de planos de colores hace emerger la explosión cromática que algunas obras manifiestan, según explica la curadora. La artista “echa mano de la figuración, la mancha, el dibujo, el gesto, la línea gráfica, el arrebato clarividente, el collage; pero muy especialmente de la poesía. La relación con la palabra es siempre inspiradora. Se funde y confunde con la mancha cromática y con la línea. Se integra y se consolida”.

De igual forma, Guevara se refiere a “Las aguas de mis ancestros” como piezas claves para entender ese camino acuoso por el que ha transitado Consuelo Méndez. “Azules gestuales, formas sinuosas y abstractas. Con el dibujo siempre presente de por medio, permitiendo que los blancos del soporte de papel también se manifiesten. De ahí el agua se metamorfosea en materia flotante y onírica, en algunos dibujos de pequeños formatos, de alegorías y de ensoñación. Donde algunos animales fantásticos afloran en la escena como una suerte de figuras legendarias de otros tiempos y espacios”.

Luis Noguera, por su parte, exhibe una selección de piezas realizadas en tempera y acuarela sobre papel fotográfico y tela, que se fundamentan en una correspondencia coherente con su obra previa. “Paisajes, autorretratos vegetales, visiones interiores que van mutándose en formas que se inspiran en la naturaleza: en la corteza de un árbol o en la sinuosa forma de una roca. Raíces convertidas en cuerpos, en anatomías ambiguas, en medio de la flora y la fauna”.

A juicio de la curadora, el color aparece con los rojos como fondos y los azules evocando las ondas y el paso del agua; “además del dibujo y sus trazos ya conocidos; resemantizándose en la tela, en los fragmentos de papel y sobre la pared para ensamblarse, en algunos casos, como un gran mosaico que ha salido de una ardua revisión de su portafolio”.

Al igual que Consuelo Méndez, Noguera echa mano del dibujo, pero en su caso, articula una trama “tejiendo el papel, entre líneas apretadas y densas, gesto que remite al grabado, despojándose de lo que le resulta ‘oneroso’ en la tela o sobre el papel. Muchos de sus soportes en papel son fibra fotográfica, cuya sensibilidad hará seguramente de la obra una pieza activa y mutante”.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de estos dos artistas a través de la exposición “Ojos de agua”, que se estará exhibiendo del 25 de marzo al 6 de mayo en la Galería Espacios, ubicada en The Hotel, en la calle Mohedano de El Rosal, en horario de 10 a.m. a 1 p.m. y de 2 a 7 p.m., sábados de 9 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.
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CONSUELO MÉNDEZ (1952)

Grabadora y dibujante. Realizó estudios universitarios en el Instituto de Arte de San Francisco (California, Estados Unidos, 1973) y maestría en artes plásticas, mención artes gráficas en la Universidad de California (Estados Unidos, 1976), con una tesis de grado con fotoserigrafías. En 1977 regresa a Venezuela y, entre 1979 y 1981, estudia en el Centro de Enseñanza de Artes Gráficas (CEGRA), especializándose en litografía. Ejerció la Jefatura de la cátedra de grabado del CEGRA (1989-1991).

Desde 1973 ha participado en exposiciones colectivas y salones, entre ellos el San Francisco Anual Art (California, Estados Unidos, 1973), el I Salón Anual de Grabado (Maracaibo, 1977), la I Muestra de Miniaturas Gráficas (1980), la I Bienal de Dibujo y Grabado (GAN, 1982) y la I Bienal de La Habana (1982). En 1981 recibió el Premio Fundación Neumann de Grabado en el XXXIX Salón Arturo Michelena y, en 1984, el Premio Municipal de Artes Plásticas con Despedimos a la luna con los ojos. La Galería de Arte Nacional dispone en su colección de dibujos y grabados (aguafuertes, litografías y serigrafías), entre ellas Yo, kariña, ojos sin máscara, sólo eso es tu rostro (aguafuerte y aguatinta, 1985).

Méndez ha ejercido su labor docente en el antiguo Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas “Armando Reverón” (IUESPAR), en lo que es hoy la Universidad Experimental de las Artes (UNEARTES). Pertenece al Grupo Pielforma, laboratorio de investigación cuerpo-plástica. En 2009 fue la artista invitada en “Jóvenes con FIA”, presentado en el Centro Cultural BOD (Caracas). En 2014, presentó sus performances, en Backroom Caracas.

LUIS NOGUERA (1961)

Nacido en San Felipe (Edo. Yaracuy), sus primeros acercamientos al arte se los debe a su formación inicial en la Escuela de Artes Plásticas “Carmelo Fernández”, bajo la tutela de Wladimir Zabaleta y de Edgar Jiménez Peraza, quienes lo incentivan y estimulan, uno a la pintura y el otro al dibujo gestual. Posteriormente, a mediados de los años ochenta, realiza estudios en el Centro de Enseñanza de Artes Gráficas (CEGRA), en Caracas, y a mediados de los noventa, entre 1995 y 1999, reside en Nueva York (USA) donde estudia en “The Student League of New York”.

Entre 1987 y 1991 participa en el Salón Arturo Michelena (ediciones XLV, XLVI, XLVII y XLVIII) y en Salón de Arte Aragua (XIV y XV), donde fue galardonado en algunas oportunidades: en 1988, con el Premio Harys Liepins; en 1991 obtuvo el primer premio de pintura en el XVI Salón de Arte Aragua y ese mismo año le otorgan el Premio Juan Lovera, en el XLIX Salón “Arturo Michelena”. Obtiene en 1998 “The Ted and Carol Shen Drawing Award, XLIX Annual Art of Northeast Exhibition, Silvermine Guild Arts Center, New Caan, Connectitut (USA)/Merit Scholarship Award for Non-Objective Art, Art Students League, New York. En 1999 se gana una Bolsa de trabajo, Westfalia Investment, New York (USA). En la actualidad imparte clases en la Universidad Experimental de Las Artes (UNEARTES).

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Nueve monumentos públicos bajo la lente
de Daniel Benaim
protagonizan exposición en GBG Arts



El registro fotográfico de nueve monumentos públicos incorporados por el actual gobierno al paisaje urbano, es el punto de partida de la nueva propuesta del artista visual Daniel Benaim, la cual será exhibida en una exposición titulada “Monumento Nacional”, a ser inaugurada el próximo domingo 2 de abril a las 11:30 a.m., en la Galería GBG Arts.

En este planteamiento, el lenguaje configurado y el sentido metafórico e irónico de la imagen ofrecen nuevas posibilidades de lectura al espectador, según afirma la investigadora y curadora de arte contemporáneo, Ruth Auerbach, en el texto que acompaña la muestra.

Benaim, que desde los inicios de su práctica artística ha ensayado un lenguaje plástico vinculado a la reflexión crítica sobre el comportamiento de las ciudades a partir de las inestables paradojas que revela el espacio público, retoma con la serie Monumento Nacional su interés en la fotografía directa, deslastrada de todo proceso de postproducción, tal y como explica la curadora.

Aquí, la documentación y el registro del “patrimonio de bienes culturales” de una ciudad como Caracas no requiere de construcciones ni artificios figurados pues sus fundamentos de entidades alegóricas derivan en una mitología urbana. “Cada imagen revela el registro documental de un producto cultural, –personajes, acontecimientos históricos, héroes, imágenes mitológicas, alegorías o formas arquitectónicas– ubicados en coordenadas específicas del territorio y que deben apreciarse como un conjunto indivisible y no como el recurso de imágenes aisladas”.

La muestra se complementa con una instalación que reproduce en impresión tridimensional los nueve monumentos registrados fotográficamente por Benaim, donde estos modelos interpretan el origen de una idea contraria al monumento público, transfigurándose en objeto de culto -talismanes y fetiches- que operan en una relación estética del hombre con los objetos culturales que le rodean democratizando, no obstante, su uso.

“Así, la imagen fotográfica deviene en la ‘postal’ distintiva y simbólica que representa a la metrópoli; y, el objeto trasciende en ‘souvenir’ que comunica un mensaje, transmutado en el sentido de la ‘commodity culture’ suscrita por una identidad nacional”, acota Auerbach.

Daniel Benaim ha desarrollado una importante trayectoria artística durante la cual ha participado en exposiciones colectivas e individuales, ferias de arte, salones y subastas, en Venezuela y otros países como Perú, Corea, Estados Unidos, Argentina, Uruguay, Aruba, y España. Asimismo, paralelamente a su trabajo creativo, ha trabajado en el área de gestión cultural (fue cofundador de la Asociación Cultural TUPAC en Lima-Perú).


La más reciente propuesta creativa de este destacado artista podrá ser apreciada a través de la muestra “Monumento Nacional” que se estará presentando del 2 de abril al 7 de mayo, en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS

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Obras de Roberto Borberg se exhiben en Graphicart
con la muestra ‘Prisma’



Con una propuesta que se deriva de la investigación de los principios de las artes pláticas y la arquitectura, inaugurará Roberto Borberg su exposición individual "PRISMA la sección como método de diseño", este domingo 19 de marzo a las 11 a.m., en la Galería Graphicart de Las Mercedes, donde permanecerá hasta el 30 de abril.

Arquitecto egresado de la Universidad Central de Venezuela, Roberto Borberg ingresa en el campo de la creación artística con una obra cuyo ordenamiento se concentra en la solidez de los principios geométricos, en el equilibrio de las proporciones y en el ritmo entre las horizontales y verticales, según afirma la curadora e investigadora de artes visuales, María Luz Cárdenas, en el texto de presentación de la muestra.

A su juicio, el legado del suprematismo, el neoplasticismo y la Bauhaus lo lleva a alcanzar múltiples transposiciones del espacio y sus estructuras fundamentales, para crear piezas donde resaltan la forma y el color en sus más puras revelaciones, como son las líneas elementales, los colores primarios, el punto, los planos, los cubos, la geometría esencial, a partir de una reflexión que intenta superar los límites que imponen las reglas de la arquitectura.

Borberg elabora su propio sistema de reglas jugando con los aspectos plásticos. “Escapa de las restricciones, encuentra un recurso que le permite alcanzar un concepto ampliado de espacio: un espacio móvil formado por una serie de capas superpuestas que han sido excavadas en la materia y construyen espacios que se cruzan entre sí y permiten al espectador mover la mirada en varios lugares a la vez. Son espacios complejos, sistemas de relaciones de límites variables, cruces de fuerzas y elementos con una poderosa narrativa estructural”, señala la curadora.

También destaca en su cuerpo de trabajo el uso de los materiales limpios, utilizados en las construcciones arquitectónicas –dibond, PVC y papel de lija para pisos– que enriquecen la nitidez discursiva; y el empleo de colores primarios, a los cuales añade blanco, negro y matices de grises para generar volúmenes entre los cuales se producen diálogos. En palabras de la investigadora, surge así una especie de mapa de metáforas, que definen las relaciones de las escalas en edificios imposibles, ciudades aéreas, cartografías alternativas para ser habitadas y transitadas.

“Lo interesante de este trabajo es cómo el espacio deja de ser forma y pasa a ser un sistema compuesto de relaciones determinadas por las sucesivas capas, las dimensiones, los materiales y las escalas. El espacio ya no es un contexto cerrado sino un conjunto de múltiples espacios, ciudades, edificaciones o alfabetos ocultos dentro del espacio”, concluye María Luz Cárdenas.

La obra de Roberto Borberg podrá ser apreciada del 19 de marzo al 30 de abril, en la Galería Graphicart, ubicada en la Avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario de exposición es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

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Los árboles de Alejandro Amos protagonizan exposición en la Galería de Arte Florida



Un conjunto de obras del artista venezolano Alejandro Amos conforman exposición “Transfiguraciones”, que inaugurará la Galería de Arte Florida el próximo domingo 19 de marzo a las 11 a.m., bajo la curaduría de Francisco Da Antonio, y que podrá ser visitada hasta el 22 de abril.

En esta su primera individual, Alejandro Amos refleja su relación con la naturaleza a través de los árboles, esos grandes maestros que, en palabras del propio artista, le susurraron las lecciones que quiere compartir con esta muestra.

“Entendí el respeto observando que entre un árbol y otro existe una distancia necesaria para vivir en armonía, sin importar su especie, tamaño o majestuosidad. Entendí la humildad al darme cuenta de lo diminuto que soy dentro de este gran ecosistema, ya que estos seres son los que humildemente, sin pedirme nada a cambio, me regalan el aire que respiro”, afirma el artista.

Fundamentado en su condición de dibujante del cómic japonés y muralista de privilegiado imaginario figural –según escribe el curador Francisco Da Antonio en el texto de presentación de la muestra– Alejandro Amos asume la pintura “como punto de partida de un quehacer que el decurso del tiempo ha venido decantando y transfigurando en una suerte de insólita proposición plástica cuyo destino deviene impredecible”.

Luego de seguir el trabajo de Amos durante los últimos seis años, Da Antonio destaca “su peculiar sentido de la composición sobre el plano, su comprensión del espacio pictórico y de los materiales extra-plásticos (alambre, guijarros, plumas, pabilo, bisutería metálica…), pero también su pasión por el color y la riqueza de su imaginario hasta el momento ajeno a las tecnologías mecánicas, a la electrónica y a la profusa monumentalidad constructiva y objetual internacionalmente privilegiadas a nivel de las más radicales y atrevidas proposiciones del siglo”.

La exposición “Transfiguraciones” se estará presentando del 19 de marzo al 22 de abril en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.

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EL “REGISTRO INAGOTABLE”
DEL FOTÓGRAFO TITO CAULA SE VERÁ
EN LA SALA TAC
DE TRASNOCHO

A partir del 19 de marzo, la Sala Trasnocho Arte Contacto del centro cultural de Paseo Las Mercedes albergará una muestra de más de 70 fotografías realizadas por el destacado artista argentino del lente, quien vivió en Caracas hasta su muerte en 1978. La exhibición ofrecerá un paseo nostálgico en imágenes por la Venezuela de los años sesenta y setenta, sus urbes y sus personajes más famosos.

De las misses a los mítines de AD. De los avisos publicitarios a las grandes estructuras de concreto de Caracas. El domingo 19 de marzo a las 11 am la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC) del Trasnocho Cultural presentará la exposición fotográfica “Tito Caula. El registro inagotable”, muestra que, bajo el auspicio del Archivo Fotografía Urbana y con el apoyo de la Embajada de la República Argentina, reúne una selección de más de 70 fotografías realizadas durante las décadas del sesenta y setenta por Tito Caula, artista nacido en Azul, Argentina, en 1926, y residenciado en Venezuela desde 1960 hasta su fallecimiento en 1978.

En su trabajo convergen “la fotografía por encargo y la desarrollada por la propia intención”, dos territorios unidos por el mismo rigor ante la imagen, según apuntan los curadores de la exposición, Lorena González Inneco y Vasco Szinetar, en el libro “Tito Caula” publicado en España por la editorial La Fábrica. Su actividad fotográfica combina la habilidad técnica y la agudeza perceptiva, logrando captar aspectos significativos y a veces irónicos de los personajes, acontecimientos y lugares a los cuales dispensó su atención.

El conjunto de imágenes que se verá en la exposición pertenece al Archivo Fotografía Urbana -institución que resguarda la obra fotográfica del autor- y en él prevalecen los registros urbanos (avenidas, túneles, edificios, urbanizaciones), los retratos de personalidades de la época (políticos, escritores, actores y celebridades), las concentraciones multitudinarias, las escenas festivas y las imágenes publicitarias.

En el marco de la exhibición se presentará el libro “Tito Caula”, publicado por la editorial La Fábrica en alianza con el Archivo Fotografía Urbana en 2015. Igualmente se llevarán a cabo visitas guiadas con los curadores de la muestra, así como varios foros para reflexionar sobre la trayectoria y vigencia del autor con la participación de fotógrafos, investigadores y conocedores de su trabajo.

La exposición “Tito Caula. El registro inagotable” cuenta con la museografía de Pedro Quintero, y estará abierta al público en la Sala TAC hasta el 14 de mayo. La entrada es completamente gratuita.

La Sala TAC está ubicada en el Trasnocho Cultural, en el sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes. Su horario es de miércoles a sábado de 10:00 a.m. a 9:00 p.m. y los domingos, martes y feriados de 1:00 p.m. a 9:00 pm. Puede obtener más información a través del teléfono 0212-993.2957, las cuentas @salatac1 y @trasnochocult (Twitter e Instagram) y la página www.trasnochocultural.com.

Coordenadas Exposición “Tito Caula. El registro inagotable”
Inauguración: Domingo 19 de marzo de 2017 -11:00 am
Clausura: 14 de mayo de 2017.
Lugar: Sala TAC.
Trasnocho Cultural
Centro Comercial Paseo Las Mercedes
Fotografías: Cortesía Archivo Fotografía Urbana.

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Sobre el artista.
Tito [Francisco José] Caula (Azul, Argentina, 28 de abril de 1926-Caracas, 31 de octubre de 1978). Entre los años 40 y 50 trabajó como foto fija en el mítico estudio cinematográfico Lumitón, una de las productoras de la era dorada del cine argentino. Allí retrató a figuras como Eva Duarte (quien después se convertiría en Eva Perón) en sus años de actriz. En 1960 emigra a Venezuela con su esposa e hija. A partir de 1971 asume la dirección del estudio del fotógrafo colombiano Leo Matiz, entonces establecido en Caracas, y comienza a colaborar con la revista “Élite”. En 1967 abre su propio estudio fotográfico en Caracas, llamado Artypho, dedicado fundamentalmente a la publicidad y el reportaje empresarial. Visita Argentina en 1970 y en 1977. Al regreso de su segundo viaje se acoge a la ciudadanía venezolana. En 1995 la Galería de Arte Nacional realiza la exposición póstuma “La mirada múltiple de Tito Caula” en la que se exhibieron retratos, fotografía publicitaria, de comisión y crónica política. Fue reconocido con el Premio United Press International en 1961.

Sobre el Archivo Fotografía Urbana

El Archivo Fotografía Urbana es una institución dedicada a la conservación, investigación y difusión de los distintos tiempos de la memoria visual venezolana a través de la fotografía y otros soportes afines. Entre sus líneas de investigación destacan los procesos de formación y experimentación a través de la imagen en torno a las resonancias históricas y contemporáneas entre sujeto, cultura y sociedad. Posee una colección que abarca casi dos siglos de actividad visual, desde 1850 hasta nuestros días, incluyendo técnicas tan variadas como el daguerrotipo, la polaroid, el negativo, la diapositiva, la imagen digital, el fotolibro, la tarjeta postal, el libro de artista y el video, entre otros. Su estructura contempla un Fondo Visual, la Sala de exposiciones "William Niño Araque" y la Sala de lectura "Alfredo Cortina". Más información en http://archivofotografiaurbana.org/

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El sábado 11 de marzo
Galería Metanoia abre
sus puertas en Valencia
con el arte geométrico
de seis artistas venezolanos



Este sábado 11 de marzo a las 4:00 p.m. abrirá sus puertas en Valencia la Galería Metanoia, nueva vitrina para las artes plásticas que será inaugurada con una exposición titulada “Geometrías Variables”, conformada por una selección de obras de seis importantes representantes del arte geométrico venezolano contemporáneo, las cuales permanecerán en exhibición hasta el 27 de mayo.

Piezas de Juvenal Ravelo, Julio Pacheco Rivas, Nidia Delmoral, Fabiola Sequera, Daniel Suárez y Ángel Hernández, conviven en esta muestra que, con la curaduría compartida entre las investigadoras, crítica de arte Susana Benko y docente Jasmine Prince, ofrece un panorama del trabajo que vienen realizando estos creadores a partir del uso de la geometría.

”Sus obras están aquí reunidas por este motivo formal pero también porque sus procesos creativos están en consonancia con una interesante exploración con la materia y por el soporte conceptual en que los sustenta”, afirma Susana Benko.

Julio Pacheco Rivas presenta un conjunto de piezas cuyas estructuras fueron concebidas en plexiglás mediante una rigurosa geometría, y propician una lectura reversible y ambigua de la imagen, entre la figuración y la abstracción, que define el actual proceso creativo del artista, según explica la curadora en el texto que acompaña la muestra.

Nidia Delmoral exhibe una serie denominada Umbrales, resultado de un proceso gradual de depuración de las formas que esta escultora ha ido realizando en los últimos años, y donde las piezas modulares bidimensionales crean una relación espacial con las tridimensionales; mientras que Fabiola Sequera expone para esta ocasión unas obras realizadas en los años noventa, que tienen la particularidad de presentar en su condición abstracta significaciones alegóricas.

Por su parte Daniel Suárez crea formas abstractas con el apoyo de nuevas tecnologías, que a juicio de Susana Benko pueden oscilar entre lo geométrico y lo orgánico, “piezas que pueden perfectamente tratar asuntos propios de la abstracción (composiciones con planos asimétricos, esferas, filamentos, etc.) y a la vez, sugerir por medio de formas reducidas a lo esencial, temas trascendentes como la religión, la música, la naturaleza o la familia”.

Ángel Hernández exhibe una obra vibrante basada en una geometría dinámica, de formas cromáticamente contrastadas y composiciones sorprendentemente inusitadas; y Juvenal Ravelo utiliza dos elementos expresivos en diálogo constante sobre una superficie bidimensional: el color y la luz. Según explica Benko, Ravelo produce en sus obras un efecto de inestabilidad óptica o vibración visual mediante la yuxtaposición sistemática de pequeñas formas planas de color, e incorpora pequeños espejos y piezas metálicas que permiten la fragmentación de la luz por su condición reflectante, que animan la obra y la convierten en un fenómeno mutable, cinético.

Con la exposición inaugural de la Galería Metanoia, Geometrías Variables, “no sólo se alude a la heterogeneidad de las obras expuestas, sino también a la relevancia y posibilidades ilimitadas de creación que tiene el geometrismo en el arte actual venezolano”, concluye Susana Benko.

El público podrá asistir a la inauguración de la Galería Metanoia, el sábado 11 de marzo a las 11 a.m., y apreciar la muestra Geometrías Variables que se estará exhibiendo hasta el 27 de mayo en este nuevo espacio ubicado en la Urb. El Viñedo. Calle 139-A, Nro. 105-30, manzana 5, casa nro. 16, en la ciudad de Valencia. Edo. Carabobo. El horario de exposición es de martes a sábado, de 9:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.

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El vidrio, como protagonista, se exhibe en Objetos DAC
Alicia Feaugas: Vitrofusión de "Estructuras Geométricas"

Trabajar las artes del fuego, lo considera un reto. Es la constante investigación sobre la técnica. La expectativa ante la sorpresa del resultado de cada quema, en donde aunque se domine la técnica, el fuego define el resultado y tiene la última palabra. !Es a veces, ensayo y error!

Caraqueña, arquitecta, residenciada en Barquisimeto, Alicia Feaugas, a través de la Vitrofusión, trabaja el vidrio, elemento milenario, noble, que responde al fuego bajo diferentes técnicas, ya sea el laminado, templado o soplado. Su exhibición de quince piezas, denominada “Estructuras Geométricas”, será expuesta desde el sábado 18 de marzo, en Objetos DAC y hasta el mes de mayo.

El vidrio, elemento universal que ha acompañado a la humanidad a lo largo de toda nuestra existencia, con objetos utilitarios o piezas de alto arte, de alto brillo y luz. En “Estructuras geométricas” está presente la tendencia del abstraccionismo geométrico a través de elementos simples, geométricos, planos superpuestos, encontrados, desplazados y el uso intenso del color, siempre dentro de una armonía.

Desde 1988, Alicia Feaugas, trabaja la técnica de Vitrofusión, caída libre y ensamblaje. Ésta consiste en trabajar el vidrio laminado, pintarlo con esmaltes u óxidos y luego llevarlo al horno bajo temperatura de 750 grados. En la Vitrofusion se pueden realizar piezas decorativas o utilitarias, utilizando moldes para los postformados del vidrio. La caída libre es llevar al horno piezas ya fusionadas, anteriormente, y colocadas sobre un objeto que sirve de soporte para la caída, mediante la quema en el horno.

--Mi obra está claramente marcada por mi formación académica, como arquitecto. El elemento lineal, la geometría, la forma y el color, como expresión artística es determinante, todos van de la mano disciplinadamente, estableciendo una armonía que sólo se da con el uso equilibrado de éstos mismos —dice la artista.

“Estructuras Geométricas” puede recordar a planos, retículas de ciudades o simplemente, un juego de figuras geométricas entramadas o encontradas bajo la razón y la subjetividad, sobre un concepto experimental, más que conceptual. En ésta muestra, el color es parte de la vinculación de los elementos: la artista destaca y juega con los tonos intensos derivados del azul, evocando a los colores de nuestras costas, generando contrastes. La transparencia también es destacable, como elemento de equilibrio permanente ante el color en sus piezas.

--En mi taller Vitreus, realizo piezas utilitarias, cajas, vajillas, bandejas, ceniceros, porta velas, además de la línea decorativa como la que presento en ésta exposición: cuadros, centros de mesa, y piezas contemplativas que pueden integrarse a la arquitectura y diseño interior. Una pieza utilitaria demora 4 días entre el diseño, pintura y cocción. Una pieza decorativa puede llegar a demorar 8 días, entre proceso y ensamblaje.

En “Estructuras Geométricas” hay varias series que se presentarán en objetos DAC en el C.C. Paseo las Mercedes. Piezas previamente fundidas y luego ensambladas bajo un criterio y piezas unitarias diseñadas previamente antes de ser llevadas al fuego y resultados de varias fundidas. Una muestra, donde el vidrio es protagonista y verla es obligatorio.

Instagram: Taller @vitreusglass¸@aliciafeugas_glassart

Twitter: @ObjetosDAC

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Con la galería Parenthesis de Caracas
Artista venezolano Gustavo Blanco Uribe
muestra su obra en la feria JustMAD de Madrid



El artista venezolano Gustavo Blanco Uribe exhibirá su más reciente propuesta artística en España, a través de la exposición individual “Espacio Adquirido”, que presentará con la galería caraqueña Parenthesis durante la octava edición de la feria de arte contemporáneo JustMAD a celebrarse del 21 al 26 de febrero en Madrid, con la participación de galerías y artistas de 14 países, entre los que se cuentan Alemania, Bélgica, Brasil, China, Colombia, Cuba, Eslovaquia, Estados Unidos, España, Italia, Polonia, Portugal, Rusia y Venezuela.

Continuación de su exposición homónima presentada en Caracas en 2016, “Espacio Adquirido” muestra un conjunto de obras de una serie de collages fotográficos sobre espejos y cortes de papel, en mediano formato, en la que los paisajes urbanos son intervenidos en un espacio alterno, incógnito, para crear un diálogo entre las formas geométricas y las imágenes.

Según explica el artista, su propuesta presenta al espectador incógnitas del espacio que nos rodea a través del estimulo visual. A su juicio, la posibilidad de crear un espacio alterno de un instante de lo cotidiano, y contemplarlo sin emitir ningún tipo de juicio, puede crear un diálogo entre la imagen y la forma, adquiriendo entre ellas un espacio único a observar y meditar.

“La geometría está presente en todo, en las manifestaciones de la naturaleza y en nosotros mismos. Aprovechando esta ley de la naturaleza propongo un doble juego en un sentido lúdico de lo que es real y lo que no es, lo imaginativo y la realidad. Aspiro crear una interacción que haga meditar y ejercitar la imaginación visual del espectador”, afirma Blanco Uribe.

En tal sentido, considera que “la única herramienta eficaz que tenemos es la Geometría, que organiza el espacio de una manera sensata y por ende, una intervención geométrica sensible. De manera tal que lo que se busca es una conversación a través de las ideas geométricas y el pensamiento lógico. Una interacción que haga meditar y ejercitar la imaginación visual del espectador”.

Gustavo Blanco Uribe, quien se encuentra actualmente residenciado en España, ha transitado por las artes plásticas, la decoración, el diseño, y la moda a lo largo de más de una década de trayectoria. Comenzó su carrera en Nueva York pintando y decorando vitrinas para firmas como: Bergdorf Goodman, Harry Winston, Ralph Lauren, Fred Leighton, Van Cleef & Arpels, Bardin Palomo; y como diseñador, para eventos de gran escala como “The Young Lions” New York Public Library, entre otros. Su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, China, Estados Unidos y España.

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Ana Margarita muestra sus collages de tejidos pictóricos en la Galería GSiete de Los Galpones



Una selección de obras trabajadas con la técnica del collage, conforman la exposición individual “Registros”, de la artista venezolana Ana Margarita Ramírez, que será inaugurada el domingo 19 de febrero a las 11 a.m. en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, y permanecerá abierta al público hasta el 16 de abril.

Con la curaduría de Alberto Asprino, Ana Margarita Ramírez presenta un registro del trabajo que viene realizando desde hace más de una década de trayectoria, años de tejer y de hacer collage, como ella misma dice.

“Yo tejo con las líneas y el color. Todo depende lo que hable cada fragmento del color. Es como un hilo que vas uniendo. Todas tienen relación todo es reciclable no boto ni desaprovecho nada. Voy labrando, jugando con los colores, con las líneas, y éstas van agarrando su propia vida, su propio movimiento y su propia expresión”, afirma la artista.

A juicio del curador Alberto Asprino, Ana Margarita Ramí?rez asume con rigurosa dedicación, entrega y compromiso, el reto de la pintura en el contexto del arte emergente del país,? configurando nuevas lecturas y planteamientos tanto de orden estético como? conceptual.

“Su obra reciente busca entrelazar la pintura y el dibujo como alianza oportuna, buscando fusionar a manera de collage? todo aquello que la mueve emocionalmente, suerte de autorretrato existencial que la identifica y moviliza a nivel creativo”, escribe Asprino en el texto que acompaña la muestra.

A partir de trazos pictóricos, que la artista convierte en retazos y líneas, se van configurando espacios y refugios de un gesto expresivo, por demás intenso y apasionado, según explica el curador.

“Recortes-pieles que se sobreponen una y otra vez hasta conformar un cuerpo matérico que logra fusionarse en un todo, destacando múltiples acentos, que a manera de escritura silente, se tornan a su vez en costuras y pliegues, cual registros de sus propias historias personales. Obra que como proceso y búsqueda va reinventando, reciclando la memoria de su diario vivir, que hoy la mueve, la interroga, la moviliza a seguir indagando, explorando, buscando desde el crear su propia identidad y existir”.

Con estudios en la Escuela de Artes Visuales “Cristóbal Rojas”, además de diferentes cursos de joyería y escultura en la Escuela “Cándido Millán” y “Escuela Armando Reverón”, Ana Margarita Ramírez ha participado en numerosas exposiciones en Venezuela y otros países como Colombia, Panamá, Suiza, Canadá y Estados Unidos, a lo largo de más de una década de trayectoria artística. Su trabajo está centrado en el collage y dripping (chorreado), y se caracteriza por la incorporación de elementos como el plástico, el tirro, o las tapas de los galones de pintura, entre otros aspectos.

La obra de Ana Margarita Ramírez podrá ser apreciada a través de la exposición “Registros”, que se estará presentando del 19 de febrero al 16 de abril, en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, ubicada en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

Cabe destacar que el 19 de febrero también será inaugurado un mural en los espacios de abiertos del Centro de Arte Los Galpones, elaborado por la artista Ana Margarita Ramírez, con todas las tapas de sus potes de pintura que lleva recolectando por 8 años: "tienen su REGISTRO cada una tiene una huella de mi trabajo por todos esos años. Con mi técnica Dripping (chorreado) todo va ganando vida propia", expresa la artista.

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Auyantepuy Infinito

Auyantepuy Infinito es un amplio y revelador registro fotográfico realizado por Henry González a lo largo de sus 18 expediciones a las regiones mas remotas de la Guayana venezolana.

En estos recorridos a pie, el artista ha viajado con un grupo de amigos expedicionarios que haciendo referencia a la geografía se han denominado tepuyeros.

Además de los ”doradistas”, eternos buscadores del codiciado mito, fueron los misioneros, visitantes portadores de la fe y de los primeros asentamientos, quienes se aventuraron a estas tierras. A partir del siglo XIX serán los pintores viajeros y científicos expedicionarios, los que se adentrarán en la región seducidos por el paisaje, la flora, la fauna y sus moradores.

La fascinación por la monumentalidad y el misterio del paisaje también cautiva a Henry González.

El Auyantepuy es un universo en sí mismo, su extensión de más de 700 Km2 está configurada por bosques impenetrables, profundos cañones de arenisca y caídas de agua, que incluyen el Kerepakupay Vená, conocido como Salto Ángel, cuyo nombre en lengua pemón significa, el lugar más profundo.

Henry González y su grupo de tepuyeros han recorrido tres rutas del Auyantepuy. Todas parten de Kavac o de Uruyen y se bifurcan, la primera hasta el Salto Ángel, la segunda hacia el río Churun, la tercera va hacia la sima Aonda, recorriendo el Tepuy de sur a norte. El último itinerario sólo ha sido realizado por ellos.

Auyantepuy infinito da cuenta de una región prodigiosa, distante y cercana, que hoy se nos presenta como símbolo del orígen del mundo. Las fotografías de Henry González son una ventana hacia la luz del horizonte sin fin y la espesura de las profundidades más lejanas.


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Bandera Lejana –
Víctor Julio González

Un total de 56 piezas conforman Bandera Lejana, la muestra del artista valenciano –Gran Premio del XXIII Salón Nacional de Arte Aragua 1998- que abre sus puertas en la Sala 2 del Centro Cultural B.O.D., bajo la curaduría de Ernesto Guevara. La obra juega con el concepto de ilusión y refleja temas como el sacrificio y la violencia en medio de la belleza del paisaje venezolano, del cual el pintor es un permanente visitante

Junio, 2016. Víctor Julio González (Valencia, 1961), descubrió su gusto por la pintura a los 15 años de edad. Un interés que, académicamente, se tradujo en su formación en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena y, posteriormente, en la Escuela Cristóbal Rojas, donde se especializó en fundición en bronce. Amante del paisaje venezolano, este artista plástico basa gran parte de su obra en la fotografía que registra en sus periplos por el mundo. Nueva York, Chile, Puerto Rico y Colombia han sido algunos de los países en los que su trabajo ha sido reconocido. En Venezuela, cuando sale de su taller en Valencia, le gusta capturar el horror y la belleza del camino y luego plasmarlo en sus lienzos.

Muestra de este proceso creativo es Bandera Lejana, la exposición que abre sus puertas en la Sala 2 del Centro Cultural B.O.D., en la temporada junio-agosto de este espacio, bajo la curaduría de Ernesto Guevara y en alianza con Artepunto, la tienda del Centro Cultural B.O.D. “El título de este trabajo surge a partir de un video que grabé hace unos 20 años en el que lo que parecía ser una bandera, que no lograba enfocar, terminó siendo, de cerca, un montón de trapos inconexos. Aquel registro audiovisual me llevó a pensar en el concepto de ilusión, de lo que parece ser y, finalmente, no es. Y eso tratándose de una bandera tiene muchas interpreraciones”, comenta el artista.

Cuatro series conforman Bandera Lejana. La primera es la que, justamente, lleva el título de la muestra, que en palabras del autor, plantea el “espejismo” asociado al concepto de la bandera como símbolo. “Quizá cuando intentamos aferrarnos a ella nos damos cuenta de que es un montón de girones de trapo inconexos”. Un total de 11 piezas componen esta serie, que incluye una videoinstalación en la que aprovecha la herramienta tecnológica para darle forma a la misma idea, con una propuesta que define como clásica en tonos ocres y grises.

El recorrido continúa con la serie Horizonte, con 21 piezas que reflejan lo variopinto del paisaje venezolano. “Estos paisajes pueden ubicarse en Los Llanos, la Gran Sabana, Ciudad Bolívar o la isla de Anacoco, en el estado Bolívar”, comenta el autor.

La serie Carne está inspirada en la obra de Rembrandt y los temas que aborda son la violencia, el sacrificio y la muerte, según explica González. “Así como la bandera está desgarrada, acá se trata de un desgarre visceral. La alusión a la obra de Rembrandt, en este caso, tiene que ver con la manera en la que la carne de una res me sirve para enfocar imágenes referenciales de la crucifixión y el dolor humano”.

Completa la muestra la serie Quema, que, comenta el autor, refleja la destrucción. “Cuando estuve en Ciudad Bolívar, presencié el proceso que se lleva a cabo para encontrar el oro, algo que plásticamente puede tener como resultado la belleza, pero que en realidad proviene de un daño terrible al medio ambiente. Me remite también a mi infancia en Acarigua, en esas tardes en las que, en la carpintería de mis abuelos, se quemaban montones de serrín a cielo abierto. A mí me gustaba presenciar aquella pequeña devastación y parte de ese gusto fue lo que quise plasmar en las 11 piezas de esta serie”.

La muestra Bandera Lejana, de Víctor Julio González, estará en la temporada junio-agosto de la Sala 2 del Centro Cultural B.O.D., que celebra su 25 aniversario con una variada programación teatral, musical y plástica.

HORARIO: MARTES A DOMINGO 11:00AM A 5:00PM

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En el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca LPG
Obras de Isabel Cisneros
recrean personajes femeninos de Shakespeare y Cervantes

Continúa en exhibición la muestra “Coloraturas. Ambientación textil”, de la artista venezolana Isabel Cisneros, que presenta Cultura Chacao en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, como parte de las actividades realizadas con motivo de la conmemoración del cuarto centenario de la muerte de los dos escritores más universales de todos los tiempos, Miguel de Cervantes y William Shakespeare.

Con la curaduría de Lorena González y museografía de Matilde Sánchez, la muestra está integrada por un conjunto de obras tridimensionales elaboradas en tela, en las que Isabel Cisneros interpreta ocho personajes femeninos, cuatro de Shakespeare y cuatro de Cervantes, “desde su propia puesta en escena de la ficción inspirada en estos grandes referentes”, según palabras de la curadora en el texto de presentación.

“En el caso de Shakespeare fue la locura, el odio, el terror, la sensatez y el delirio del poder los focos de atención extraídos de los personajes Ofelia (Hamlet), Margarita (Ricardo III), Cordelia (El rey Lear) y Lady Macbeth (Macbeth). De la cadena infinita de la obra El ingenioso hidalgo Don Quijote de La Mancha de Miguel de Cervantes, nos encontraremos con la visión y la ilusión, el disfraz, el humor, la independencia y las autonomías de figuras femeninas como Dulcinea, Maritornes, la Condesa Trifaldi y la increíble Dorotea (Micomicona)”, explica Lorena González.

A partir de una constante revisión de las tramas, los elementos decorativos y las meticulosas técnicas de manufactura textil, Cisneros concibe sus obras como objetos abstractos que evocan a seres vivos en reposo, según afirma la propia artista.

“A través de la flexibilidad de mis obras quiero expresar la vida, las interconexiones de los seres y la adaptación al medio ambiente. Para ello empleo técnicas de cosido, bordado, tejido, ensartado y anudado. Es un tributo y reconocimiento al aporte cultural y estético femenino”, puntualiza Isabel Cisneros.

En “Coloraturas. Ambientación textil”, tal y como expresa Lorena González, Isabel Cisneros “se abre a la facultad instalativa, generando una ambientación en el espacio museográfico donde colores, texturas, formas, tramas, palabras y disposiciones especiales, dibujan los eslabones de un diálogo particular con estas mujeres tan actuales como ancestrales”.

Isabel Cisneros ha desarrollado una importante trayectoria artística, durante la cual ha mostrado su obra de manera individual y colectiva en Venezuela, Perú, Australia, Puerto Rico, México, Corea y Colombia; además ha recibido diversos reconocimientos, como: Award of Encouragement XI Cloisonnée Jewelry Contest (1998), Premio Andrés Pérez Mujica del LX Salón Arturo Michelena (2002), y Premio Nacional de Escultura en la X Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez (2009), entre otros.

El público podrá apreciar la obra de esta artista en la exposición “Coloraturas. Ambientación textil”, que se estará exhibiendo hasta el 22 de abril en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, ubicada en la tercera avenida de Los Palos Grandes, entre 2da y 3era transversal. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 3:30 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada por el correo agendaculturalchacao@gmail.com, la página web cultura.chacao.gob.ve, o a través de las cuentas de Twitter @culturachacao y @BibiotlecaLPG Facebook culturachacao.org e Instagram culturachacao


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RESUMEN EXPOSICIÓN "MARÍA PONT. DESPLAZAMIENTOS"



La exposición Desplazamientos de la destacada ceramista venezolana María Pont, a presentarse en la Tienda de la Sala TAC a partir del domingo 20 de noviembre, reúne un conjunto heterogéneo de piezas, entre las que se encuentran platos, boles, floreros, tazas, ollas, vaporeras, teteras, vasos, siendo de especial interés los trabajos con volúmenes descentrados que tanto caracterizan a la artista. Las obras, datadas en 2016, fueron realizadas en gres con esmalte y óxidos.

Sobre la artista

María Pont (Caracas, 1952) realizó estudios de Arte Puro, mención cerámica, bajo la orientación de Reina Herrera en la Escuela Cristóbal Rojas de Caracas de 1973 a 1976. A partir de la década de 1980 comienza a desarrollar su serie de desplazamientos, donde plantea una ruptura con plantea una ruptura con la simetría tradicional, basada en el descentramiento de los ejes. Sus obras, generalmente torneadas y procesadas a alta temperatura, se caracterizan por su austeridad volumétrica y depuración estética.

Su labor de más de cuatro décadas en el ámbito cerámico le ha valido los más altos reconocimientos de esta disciplina como el Premio Guayana y el Premio Nacional de Artes del Fuego en el XI y XII Salón Nacional de Artes del Fuego (1984 y 1985).

Inauguración: Domingo 20 de noviembre de 2016
Hora: 11 am
Lugar: Tienda Sala TAC. Trasnocho Cultural. Sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes.
Entrada libre.


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Con el apoyo de la Embajada de Italia
y el Instituto Italiano de Cultura
IMÁGENES
DE LA NATIVIDAD CRISTIANA PODRÁN CONTEMPLARSE EN TRASNOCHO

Desde el 20 de noviembre la Sala TAC del centro cultural caraqueño albergará la exposición "A dos mil años de luz. Dos caras de una pasión. Colecciones Antigüedades Casa Piu - Ruth y Robert Bottome", muestra de una selección de piezas escultóricas elaboradas en los últimos tres siglos e inspiradas en el nacimiento de Jesucristo.

La Sala TAC de Trasnocho Cultural cierra el año 2016 ofreciendo a sus visitantes una mirada artística a la celebración más importante para la feligresía cristiana.

A partir del domingo 20 de noviembre a las 11 am, el recinto dedicado a las artes plásticas abrirá las puertas a la exhibición "A dos mil años de luz. Dos caras de una pasión. Colecciones Antigüedades Casa Piu - Ruth y Robert Bottome", selección de más de 60 piezas escultóricas relacionadas con el nacimiento de Jesús, elaboradas desde el siglo XVIII a la actualidad por artistas y artesanos de Europa, Latinoamérica y Venezuela.

Bajo la curaduría de Carmen Sofía Leoni y con el apoyo del Instituto Italiano de Cultura y la Embajada de Italia en Venezuela, la muestra reúne distintas representaciones de la Natividad, entre las que destacan Nacimientos -entendidos como el conjunto de José, María, el niño Jesús, la mula, el buey y tres reyes magos-; Sagradas familias -compuestas por José, María y el niño Jesús-; piezas del Niño Jesús solo, advocaciones del Niño Jesús, Ofrendas e Imágenes de La huida a Egipto.

Aunque las dos colecciones de la exposición varían por su estilo, técnica y antigüedad, la curadora Carmen Sofía Leoni hace especial énfasis en el valor estético de las piezas seleccionadas: "el refinamiento de la colección 'Antigüedades Casa Piu' y la sencillez de las piezas de la colección 'Ruth y Robert Bottome' conllevan el mismo espíritu amoroso que artesanos de hoy y de ayer, de aquí y de allá, han puesto en la elaboración de tan diversas aproximaciones iconográficas al nacimiento de Jesús o a su infancia".

"Las piezas de la colección 'Antigüedades Casa Piu' (en su mayoría de los siglos XVIII y XIX, originarias de Italia, España y, mayormente, de Latinoamérica) son de líneas sinuosas y suaves colores. Por su parte, las obras de la colección 'Ruth y Robert Bottome' (principalmente arraigadas en la tradición del arte popular venezolano) poseen líneas más simples y tonalidades llamativas, utilizando la madera -policromada o natural-, barro cocido, la piedra, textiles y anime", comenta Leoni.

El profesor Gabino Matos, autor de uno de los textos del catálogo, resumió la exposición como "un diálogo abierto y plural entre procesos escultóricos que alternan el tallado básico con el modelado refinado, el cromatismo intenso con armónicos tonos pasteles, las proporciones estudiadas con el juego espontáneo de distorsiones formales, la individualidad de unas piezas con conjuntos integrados y la libre interacción entre lo académico y lo popular".

La muestra "A dos mil años de luz. Dos caras de una pasión. Colecciones Antigüedades Casa Piu - Ruth y Robert Bottome" estará abierta al público en la Sala Trasnocho Arte Contacto hasta el 22 de enero de 2017. En el marco de la exhibición se llevarán a cabo charlas y visitas guiadas. La entrada es gratuita.

La Sala TAC está ubicada en el Trasnocho Cultural, en el sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes. Puede obtener más información sobre sus horarios y actividades a través del teléfono 0212-993.2957, las cuentas @salatac1 y @trasnochocult (Twitter e Instagram) y la página www.trasnochocultural.com.

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Artistas y artesanos participantes:
Aidée Sánchez, Anselmo y Hugo Vivas, Aura Ferrer, Carmen de González, Edilio Navarro, Eladio La Cruz, Edicta y Elda La Cruz, Eloísa Torres, Eduardo Rojas Ovalles, Fidel Villegas, Francisca Hernández, Francisca Molina de Torres, Gonzalo Eraso, Jesús Para García, Hipólito Romero, José de los Santos Moreno, José Arcángel Rodríguez, Lorenza Bastidas, María Yolanda Medina, Olinto Moreno, Orlando y Gonzalo Eraso, Palmira Bonilla, Ramón Antonio Moreno, Señora Ibarra, Tadeo Rangel, Viviano Vargas, Caspicara (Quito, Ecuador) y una selección de autores anónimos de Europa, Latinoamérica y Venezuela de los siglos XVIII y XIX.

**Crédito de las fotografías: Carlos Germán Rojas

Horarios de la Sala TAC

Miércoles a sábado: 10:00 a.m. a 9:00 p.m.

Domingo, martes y feriados: 1:00 p.m. a 9:00 p.m.

C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho, Las Mercedes, Caracas


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Bajo la curaduría
de María Luz Cárdenas
La Galería Freites celebra las obras singulares de los maestros contemporáneos

Una exposición que resume los aportes esenciales en la consolidación del arte de finales del siglo XX y en el desarrollo de sus representantes, será inaugurada el domingo 13 de noviembre a las 11:00 am en la Galería Freites, bajo el título Obras singulares de maestros contemporáneos.

La muestra reúne a dos generaciones de maestros, los consagrados y premios nacionales junto con un grupo de artistas de importante presencia, que trazan un abanico de diversas propuestas del más alto nivel de calidad técnica y expresiva. La lista de obras destaca por su singularidad, piezas poco conocidas y fundamentales en la trayectoria de los creadores.

Para esta exposición fueron convocados los maestros Carlos Cruz Diez, Jacobo Borges, Edgar Sánchez, Pedro Fermín, Jorge Stever, Abigaíl Valera, Ángel Hurtado, Carlos Hernández "Indio" Guerra, Corina Briceño, Noemí Márquez, Ana María Mazzei, Gabriela Morawetz, Pancho Quilici, Jorge Pizzani, Alirio Rodríguez, Sigfredo Chacón, José Campos Biscardi, Gaudí Esté, Julio Pacheco Rivas, Francisco Bugallo, Ramón Vásquez Brito. Sus piezas se verán en las salas de la Galería Freites junto con varias obras de Omar Carreño, Jesús Soto, Virgilio Trompiz, Héctor Poleo, Alirio Palacios, Luis Guevara Moreno y Marisol.

La muestra Obras singulares de maestros contemporáneos refuerza el propósito de la Galería Freites de contribuir a la cohesión y unidad social, de la mano de la creación artística. María Luz Cárdenas, curadora de la exposición, estableció una línea discursiva que atraviesa por tres ejes principales determinantes en el desarrollo creativo de estas propuestas: la naturaleza y el paisaje; la figuración y la conceptualización del espacio. "Un conjunto de obras que resumen aportes esenciales, tanto en la consolidación del arte del siglo XX, como en el desarrollo de cada uno de los artistas que participan", señala Cárdenas.

La muestra podrá ser visitada desde el domingo 13 de noviembre a las 11:00 am en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes. El horario es de lunes a viernes de 9:00 am a 1:00 pm y de 2:00 a 5:30 pm, sábados de 10:00 am a 2:00 pm, y domingos de 11:00 am a 2:00 pm. La entrada es libre. Mayor información por la página web galeriafreites.com o a través de las cuentas de Twitter: @galeríafreites Instagram: galería_freites y Facebook: Galería Freites.


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Jason Galarraga muestra su alfabeto gráfico
en la Galería GSiete
de Los Galpones

El artista visual Jason Galarraga presentará su más reciente propuesta artística en una exposición titulada "Poética Tipográfica", que será inaugurada este domingo 6 de noviembre a las 11 a.m., en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, con entrada libre.

Bajo la curaduría de Lorena González Inneco, esta muestra -que permanecerá en exhibición hasta el 25 de enero de 2017- reúne un conjunto de obras entre pinturas, ensamblajes y esculturas, donde el artista plasma sus nuevas creaciones a partir del elemento tipográfico, el cual ha sido una constante en toda su obra.

Para ésta su nueva propuesta, Galarraga "ha dejado de lado las variables del entorno, las gráficas urbanas o las marcas tipográficas reflejadas en el afuera, para abstraerse hacia la creación de un manuscrito especial donde la propia grafía dictamina el camino orgánico de encuentros y distancias, plenitudes y vacíos, cromatismos y lenguajes plásticos con los cuales Galarraga comienza a trazar un inquietante alfabeto visual", tal y como afirma la curadora en el texto que acompaña la muestra.

Según explica Lorena González Inneco, el artista ha seleccionado algunas de las fuentes de las familias tipográficas más utilizadas -Sans Serif, Bodoni, Garamond, Helvética, Times- para deconstruirlas y reensamblarlas en cada una de las piezas exhibidas, siendo parte de las estrategias utilizadas "Cortes inéditos, trozos de letras pintados a mano, pedazos sinuosos de curvas, superposiciones policromadas, números ocultos, relieves inéditos y crónicas fragmentadas".

A juicio de la curadora, Galarraga hace alusión a esa totalidad visual desde un imaginario desestructurado, "donde la plenitud del cuadro está conformada por las pequeñas llamadas de sonidos tipográficos desprendidos de las formas generales de estructuración del lenguaje que ahora se han convertido en lúdicas sombras donde el creador se sumerge (…) En esta otra forma de escribir aparece un códice oculto donde la obra se ha vuelto silencio fonético, estallido cromático cuyo mensaje ultimará en la memoria personal de cada espectador".

Nacido en Caracas en 1950, Jason Galarraga posee una amplia trayectoria artística de más de 30 años, durante la cual ha transitado por el diseño gráfico, la fotografía, el cine y la pintura. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Francia, Italia, Colombia, Chile, Panamá, México, Estados Unidos y República Dominicana, y entre los reconocimientos que ha recibido figuran, Primer Premio 1er Salón Tito Salas Cámara de Comercio de Maracay (1977); 3er Premio Palette d?Or, XXIII Festival Internacional de la Peinture, Cagnes Sur Mer, Francia (1991); y Premio "Antonio Edmundo Monsanto" LXV Salón Arturo Michelena (2010); entre otros.

El público podrá apreciar el trabajo de este artista a través de la exposición "Poética Tipográfica", que se estará exhibiendo desde el 6 de noviembre hasta el 25 de enero de 2017, en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, ubicada en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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Galería de Arte Florida rinde homenaje a Félix Perdomo con una exposición antológica
y la edición de un libro



Un homenaje póstumo al artista venezolano Félix Perdomo, realizará la Galería de Arte Florida el domingo 23 de octubre a las 11:00 a.m., con la inauguración de una exposición antológica titulada “Félix Perdomo. Manifiesto”, y la presentación del libro Félix Perdomo contra los prejuicios de la contaminación, con textos de Oscar Marcano y Félix Suazo.

Integrada por más de treinta piezas, entre pinturas, dibujos, propuestas tridimensionales y fotografías, “Manifiesto” resume las distintas etapas de creación de Félix Perdomo, pintor, dibujante y escultor nacido en Santa Teresa del Tuy en 1956, quien desarrolló una importante obra que a lo largo de tres décadas exhibió en galerías y museos de Venezuela, Colombia, Estados Unidos, Puerto Rico, entre otros países, y que le hizo merecedor de varios reconocimientos nacionales e internacionales.

Obras que van desde sus tempranas pinturas basadas en la caligrafía infantil y el graffiti, hasta las del último lustro de su trayectoria, forman parte de esta muestra que hace un recorrido por diferentes momentos de su trayectoria, desarrollada a partir de una intensa labor de exploración en torno a los procedimientos pictóricos, sus medios y soportes, según afirma el curador, crítico de arte e investigador Félix Suazo, en el texto que acompaña la exposición.

Con el circo, la calle, el taller y la naturaleza, como temas principales de su producción, el universo de Perdomo está conformado por desnudos femeninos, equilibristas, siluetas, carros, toros, barcos, nubes, alfombras y, sobre todo, entidades domésticas y herramientas del oficio, de acuerdo a las palabras de Suazo. “La estrategia se dirige exactamente hacia lo contrario de la levedad, se inclina hacia la corporización y la autonomía física de algunas de sus indagaciones en los objetos ?utensilios, recipientes, mobiliario? y esculturas en metal, que son en realidad extensiones o prolongaciones espaciales de sus pinturas y dibujos”.

Otra de las características del trabajo de Félix Perdomo que se puede apreciar en esta exposición es la presencia recurrente de algunos elementos discursivos, materiales y motivos, como han sido los tobos, las tazas, las sillas y las figuras que “aparecen a lo largo de su itinerario creativo en series distintas, unas veces dibujados o pintados y otras como entes autónomos, que pueden convivir en el paisaje, en ambientes interiores o en naturalezas muertas”, tal y como explica el curador.

La muestra “Félix Perdomo. Manifiesto” permanecerá en exhibición del 23 de octubre hasta el mes de marzo de 2017, en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre

Cabe destacar, que durante la permanencia de la muestra se realizarán diversas actividades como visitas guiadas, conferencias y conversatorios, con la participación de críticos y artistas, bajo la coordinación de Félix Suazo.

Félix Perdomo contra los prejuicios de la contaminación

Publicado por la Galería de Arte Florida a partir de la investigación realizada por el curador, crítico de arte e investigador Félix Suazo, bajo la dirección editorial de Marisa Mena y Ginett Alarcón de Editemos, el libro Félix Perdomo contra los prejuicios de la contaminación comenzó a gestarse en 2014 a través de un profundo trabajo de investigación, recopilación y conversaciones con el artista, que se traduce en un amplio registro documental de su obra y los criterios que orientaron la misma.

En una edición bilingüe (español-inglés) de alta factura, que incluye una introducción del escritor Oscar Marcano, este libro hace énfasis en los procesos y principios que definieron la relación de Félix Perdomo con el arte y la cotidianeidad, a partir de ideas pensadas y articuladas desde sus propias vivencias, según afirma su autor Félix Suazo.

“Fueron diálogos serenos, en la atmósfera singular de su taller de la Torre Este de Parque Central, durante los cuales comentó al detalle distintos aspectos de su vida, los orígenes de su trayectoria y los criterios que orientaron su trabajo en cada etapa. Con la jovialidad y elocuencia expresiva que le eran características, fue delineando con palabras llanas y sin rebuscamientos lo que ha constituido siempre su credo artístico”.

Con el diseño gráfico de Guillermo Salas, la publicación incluye más de un centenar de fotografías a todo color, de Luis Becerra, Renato Donzelli, Archivo Félix Perdomo, Archivo Cinap, Archivo Sala Alternativa Elvira Neri, Ricardo Armas, Archivo Mac y Sabina Caula.

El libro Félix Perdomo contra los prejuicios de la contaminación surge con el propósito de registrar una antología del trabajo de este importante creador, así como de brindar un justo reconocimiento a uno de los más depurados representantes del arte en nuestro país, según expresa el director de la Galería de Arte Florida, Pedro Loguercio, en el texto de presentación de la publicación.

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Del 16 de octubre al 18 de diciembre en Dimaca
Obras de Oscar Molinari recrean legado
de Theodor de Bry

"América 1600" es el título de la nueva exposición individual del artista Oscar Molinari, la cual será inaugurada este domingo 16 de octubre a las 11 a.m. en la Galería Dimaca, con más de una decena de obras que recrean la historia del continente americano, a partir de su interpretación uno de los trabajos realizados por el orfebre y grabador alemán Theodor de Bry (1528-1598).

Considerado pionero en la introducción de los nuevos medios en las artes plásticas y en el videoarte, Molinari es conocido por emplear en sus obras recursos electrónicos, digitales y cibernéticos alternados con la fotografía, el cine o el video, e intervenirlos con la pintura, el dibujo, el grabado y el collage.

La curadora e investigadora de artes visuales, María Luz Cárdenas, piensa en él como un redentor de la imagen, según escribe en el texto de presentación de la muestra, "la persigue, se la apropia, la interroga, la interviene, la recorta, la desarticula y la descontextualiza para reconstruirla en una figura nueva que, despojada de su relato originario, alcanza nuevos estados de significación".

En esta ocasión -según explica la curadora- el artista parte de una profunda investigación acerca del repertorio que Theodor de Bry dejó como legado para la fundación imaginaria del Continente Americano y que históricamente constituyó la primera recreación visual de América bajo la influencia de las leyendas, las noticias y las crónicas de viaje que intentaban adaptar sus conceptos a un territorio imposible de ser sometido al canon occidental.

"Molinari renueva ese imaginario. Toma fragmentos de las fuentes originales, los descompone, los interviene con capas de acetato, incisiones y dibujos que alteran inesperadamente la composición. Su perspectiva nos conduce a leer diferente, a entender que la memoria y el imaginario son procesos jamás cerrados, siempre a punto de recomenzar, siempre infinitos", afirma Cárdenas.

Fotógrafo, cineasta y artista plástico, Oscar Molinari ha desarrollado una importante carrera artística entre París, Nueva York, México y Caracas, obteniendo significativos logros a lo largo de su trayectoria, entre los que destacan: Premio Oso de Oro en el Festival de Berlín (1970) con la producción del film El tiempo de morir; y premio al mejor cortometraje en el Festival de Cádiz (España, 1972) y en el New York Film Festival (Nueva York, 1972), y mención especial en el Festival de Videos de Caracas (1972), por Ojo de agua. Su obra plástica ha sido exhibida en museos y galerías de Caracas, y forma parte de importantes colecciones públicas y privadas.

El público podrá apreciar la más reciente propuesta de este artista a través de la exposición "América 1600" que se estará presentando en la Galería Dimaca del 16 de octubre al 18 de diciembre, en la Galería Dimaca, ubicada en la Avenida Andrés Bello de Los Palos Grandes con la 2º Transversal. El horario es de lunes a viernes de 9 a.m. a 5 p.m., y los sábados de 9 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.


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EL ARTE DEL BARROCO SE ESTUDIARÁ
EN TRASNOCHO

Desde este sábado 15 de octubre y hasta mediados de diciembre, la Sala TAC del centro cultural caraqueño ofrecerá ocho charlas educativas sobre este importante período de la historia del arte universal. Las clases serán dictadas por el profesor de la UCV, Mauro Parra, y el psicoanalista y escritor, Johnny Gavlovski.

Como parte de sus actividades de formación al público, desde este 15 de octubre la Sala TAC del Trasnocho Cultural invita a los amantes de las artes plásticas a participar en el ciclo de charlas que serán dictadas en este reconocido espacio expositivo sobre el Barroco, uno de los períodos más ricos e interesantes de la historia de la cultura occidental y en el que se produjeron importantes obras en el campo de la literatura, la música y, sobre todo, la pintura.

Las conferencias serán conducidas por el reconocido especialista Mauro Parra, profesor de las escuelas de Psicología y Arte de la Universidad Central de Venezuela, y por el escritor, psicoanalista y profesor de la Universidad Metropolitana, Johnny Gavlovski, quienes acercarán a los participantes a la temática, técnica, características, simbología, psicología e historia de algunas de las obras y autores más significativos de la pintura desde la Edad Media hasta el Renacimiento europeo.

El ciclo completo consta de ocho charlas de dos horas de duración, que se realizarán a las 11:00 am y finalizarán el 17 de diciembre. Cada sesión tendrá un costo de Bs. 1500 por participante. Éste será el menú temático y el cronograma de las clases magistrales:

CHARLA 1: “Siglos IV al siglo XI ¿Qué es la Edad Media? Las tres edades medievales”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 15 de octubre.

CHARLA 2: “Siglo XI - siglo XIV: Las órdenes religiosas. Creación de la Universidad”.
onferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 29 de octubre

CHARLA 3: “La pintura al óleo. Los artistas: Hieronimus Bosch (El Bosco), Roger van der Wayden. Van Eyck. La alquimia como fuente de inspiración. La piedra filosofal. Phillip van Sit”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 5 de noviembre.

CHARLA 4: “La simbología en la obra de Hieronimus Bosch (El Bosco), con alusiones a Pieter Bruegel (El Viejo) y Lucas Cranach el Viejo”.
Conferencista: Johnny Gavlovski. Escritor, psicoanalista y profesor de la Escuela de Psicología y Humanidades y Educación de la Universidad Metropolitana (UNIMET)
Fecha: 12 de noviembre.

CHARLA 5: “Renacimiento: Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Boticelli, Miguel Ángel”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 26 de noviembre.

CHARLA 6. “Renacimiento en Francia, Holanda e Italia”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 3 de diciembre.


CHARLA 7. “El Barroco italiano: Michelangelo Merisi da Caravaggio”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 10 de diciembre.

CHARLA 8. “Barroco internacional: España, Bélgica, Holanda, Francia y Alemania”.
Conferencista: Mauro Parra, profesor de las escuelas de psicología y arte de la Universidad Central de Venezuela. (UCV)
Fecha: 17 de diciembre.

Los interesados en participar en las charlas sobre Barroco en la Sala TAC de Trasnocho Cultural pueden solicitar información para inscribirse a través del correo electrónico salatac@trasnochocultural.com, el número telefónico 0212-9932957 o la cuenta @Salatac1 en Twitter e Instagram.

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Artistas venezolanos
Toña Vegas y Tony Vázquez-Figueroa
exponen en Nueva York

Los artistas venezolanos Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa se encuentran exhibiendo actualmente en la ciudad de Nueva York (USA), un trabajo en conjunto que bajo el título “Inventory /Takes” ocupa los espacios del centro cultural The Clemente, con sendas propuestas artísticas en torno al concepto de “Inventario”, cada una desde una perspectiva diferente.

En esta muestra, de acuerdo a la curadora Lorena González, los artistas han unido sus investigaciones y “han construido a lo largo de sus procesos creativos una obra comprometida con el establecimiento de diálogos y relecturas que surgen como contrapunto visual frente a las problemáticas de la efervescente materia cotidiana que nos rodea”.

Toña Vegas presenta, según ella misma explica, una propuesta conformada por dos series –Transmigración, obras en mixed media impresas sobre papel, y Ser dignos del olor del pan, obras en óleo y cera sobre tela.

Para Vegas, cada uno de los seres humanos crea un tejido propio, orgánico y sutil, que a su vez se relaciona con el tejido de los otros. “Podría decir que mi propuesta es una de esas formas de ‘precipitación’ de tejido sutil en obra. Considero mi trabajo como una obra poética que conjuga forma y contenido. Es contundente visualmente y a la vez está formado por capas de contenidos (tejidos) que se entrelazan entre espacios móviles generados por la magia del color”.

En la serie Transmigración, construye espacios a través del color y la asociación sensible de las imágenes fotográficas, que provienen de su observación, del contacto con obras de otros artistas, siempre en forma oblicua, y de la mirada atenta de lo que le rodea; mientras que en la serie de óleos Ser dignos del olor del pan, expone su vivencia de la situación actual venezolana en relación a la gran escasez, “no sólo desde el punto de vista de la alimentación física, sino de la dignidad humana esencial que significa la acción de percibir el olor del pan (hecho cultural y espiritual fundacional de lo humano)”, expresa la artista.

“Visualmente, la serie de los óleos se desprende de la serie Transmigración: así como las imágenes fotográficas en esa serie han sido tomadas en forma oblicua, las imágenes de esta serie de óleos son extractos frontales de las anteriores, logrando un macro de zonas significativas, pero siempre interceptadas por una especie de veladura que contiene símbolos del paquete de harina PAN, nuestro pan”.

Por su parte, Tony Vázquez–Figueroa presenta, según explica la curadora Lorena González, una serie titulada Des-abasto, conformada por más de cien objetos hechos de resinas que representan los alimentos y medicinas que escasean en Venezuela, pequeñas esculturas de la memoria selladas por la impronta química, que desaparecerán con la acción del tiempo dentro del espacio expositivo.

Asimismo, exhibe en paralelo un conjunto de doce fotografías que registran la acción performática de los componentes como metáfora viva de lo real. A juicio de la curadora, “en sus otras series la apuesta se extiende hacia la permanencia de estos mismos objetos, encapsulándolos en museográficas cajas de acrílico o consolidándolos a través del trabajo en concreto, gesto escultórico donde ese archivo vital salta de su categoría de deseado objeto de uso a petrificado objeto museable”.

En “Inventory/Takes” Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa “transitan al borde de paradojas que se acentúan gracias a la oscura veta de los últimos acontecimientos vividos en la insondable crisis política, económica, social y humana de la Venezuela reciente. Es así como desde la pintura, la fotografía, la instalación y la escultura, sus líneas de trabajo se engranan en el espacio expositivo, levantando ante al espectador un inventario de cercanías y distancias, tachaduras y reveses, encuentros y desencuentros, olvidos y apariciones de un paradigma social que aún no ha podido encontrar respuestas frente a los vibrantes vacíos de este contradictorio nuevo siglo”, afirma Lorena González.

Esta exposición en la ciudad de Nueva York, que por la calidad y por el número de obras es una individual en tándem, constituye la primera de una serie de exposiciones que paralelamente estará realizando Toña Vegas por las ciudades de Miami y Los Ángeles durante el 2016 y el 2017.

tonyavegasofficial.com
T +1 929208 8844

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GBG Arts cierra calendario
de exposiciones del año
con una colectiva
de artistas visuales contemporáneos



El próximo domingo 9 de octubre a las 11 a.m. será inaugurada en la galería GBG Arts, la muestra colectiva Interludio «OBRA RECIENTE», con una selección de obras que reúne el trabajo más actual de ocho importantes representantes de las artes visuales contemporáneas, bajo la curaduría de Gabriela Benaim.

Obras de los artistas Vicente Antonorsi, Ricardo Benaim, Miguel Braceli, Jorge Cabieses, Paulo Castro, Jonidel Mendoza, Luis Millé y Julio Pacheco Rivas, integran esta muestra con la que GBG Arts concluye su jornada de exhibiciones del presente año

Con la convivencia y diálogo de las diversas propuestas entre sí como eje central, la exposición ofrece un recorrido en el que se podrán apreciar piezas como las de Pachecho Rivas y Benaim, dialogando a través del lenguaje de la impronta: Julio Pacheco Rivas a través de una marca sólida, –los Neoglifos (2012-2016)– formas emblemáticas e incluso hasta alfabéticas horadadas en metal, que no promocionan ningún producto sino la forma en sí misma, mientras que Ricardo Benaim con una mancha profunda y acuosa (De la serie Atalayas Australes, 2015) que se diluye sobre un gran formato para mostrarnos nuevamente las bondades y ventajas del –más que nunca vigente– género de la pintura.

Jonidel Mendoza dialoga en la misma sala consigo mismo o con su sombra a través de dibujos realizados con cables de electricidad (Ecos del Reflejo, 2016), continuando con su investigación de "materiales pesados que levitan" y se proyectan en el espacio multiplicando la figura como si se tratase de una multitud que nos mira desde la vitrina.

Sin aparente conexión o tema en común Vicente Antonorsi y Jorge Cabieses se asientan en una misma esquina: Vicente Antonorsi propone una esfera (De la serie Esferas de Perú, 2016) de casi un metro de circunferencia que cae directamente al piso tanto por su peso físico como por su gran calidad autoral, realizada con un impecable multilaminado de madera (contrachapada) que nos hace casi sentir como giran las fibras del material hasta quedar entrecruzadas. Al subir la mirada, Jorge Cabieses (de origen peruano) nos hipnotiza a través de su serie de collages titulados Mirabilia (2015-2016), con la misma ilusión óptica de una forma que gira y se retuerce para llevarnos a otro espacio/tiempo pero con ayuda de elementos gráficos bidimensionales e ilustraciones antiguas que nos hacen cuestionar los significados de las formas del pasado, del presente y del futuro.

Al entrar a una segunda instancia de la exhibición inmediatamente nos alojarán las obras del arquitecto Miguel Braceli y del escultor Luis Millé. La proyección en dos monitores de gran formato de la CasaCuerpo (2016) de Miguel Braceli nos muestra una investigación definida por el propio autor como: "la amplificación de la caja del cuerpo desplazando sus límites para habitar en él. Se plantea como un modelo mecánico donde toda construcción nace del cuerpo transformado en espacio. Así, el cuerpo como espacio aumentando convierte al individuo en usuario y contexto a la vez". Esta fastuosa obra escultórica/performática dirigida por el arquitecto y realizada con estudiantes de arquitectura como parte del Taller X, nos ayuda a introducirnos a la gran instalación del escultor Luis Millé, quien se empeña a través de sus Flexometrías en hacernos vivir la obra y no tan sólo contemplarla, al dejarnos entrar en ella tal y como los pioneros maestros modernos nos enseñaron (remitiendo a la Reticulárea de GeGo y los penetrables de Jesús Soto) a vivir y a convivir en el arte, sin pasividad alguna.

Para cerrar el recorrido, Paulo Castro vuelve a su serie Bubble Gum (2016) de lasTensopinturas reverberando toda la galería con intensas combinaciones de color en dos formatos de plástica seductora.

El público podrá visitar la muestra Interludio «OBRA RECIENTE», que inaugura este domingo 9 de octubre a las 11: 00 a.m. y permanecerá abierta hasta el 26 de febrero de 2017, en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre.
Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram@GBGARTS

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