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Charla sobre la exposición
Souvenirs de Caracas: Cartografía en proceso

- La fotógrafa Sara Maneiro, la curadora Lorena González y el museógrafo de la exposición conversarán sobre la muestra este jueves 17 de agosto, a las 4pm en la Galería de Arte El Hatillo.
- La exposición estará abierta hasta el 03 de septiembre.

La exposición organizada por Vive El Hatillo en alianza con el Archivo Fotografía Urbana y la Fundación Fenice Larralde en el contexto de la celebración de los 450 años de Caracas, reúne 22 fotografías tomadas por la artista Sara Maneiro captadas a lo largo de la última década. Las imágenes son presentadas por primera vez en su totalidad, mediante dípticos que confrontan las contradicciones de la vida y la dinámica de la ciudad.

El próximo jueves 17 de agosto a las 4pm en la Galería de Arte de El Hatillo, los interesados podrán asistir a una charla en la que participará la artista Sara Maneiro, la curadora Lorena González y el museógrafo/ diseñador de la muestra Pedro Quintero.

A propósito de las obras que se estarán exhibiendo hasta el próximo 3 de septiembre, Sara Maneiro señala "Estos dípticos concentran muchos temas y como duplas hablan también de los opuestos. Analizándolo ahora con la distancia de los años, lo veo como premonitorio. Creo que los signos allí presentes plantean tensiones, contradicciones, y a veces comunión, pero en menor escala. Su título hace además alusión a los recuerdos, a la memoria, a lo que atesoramos de un lugar. Como en los Souvenirs que compramos al viajar, los míos son, irónicamente, los recuerdos que no estarían plasmados en una postal de viaje, las no postales de Caracas".

Una interesante exhibición que propone el engranaje entre palabra e imagen dentro del espacio museográfico, creando entre ambas un levantamiento visual y literario de Caracas.

Galería del Centro de Arte El Hatillo (hasta el 03 de septiembre) de martes a viernes entre 9am y 4pm, fines de semana de 11am a 3pm.

Facebook,Twitter e Instagram: @ViveElHatillo / www.alcaldiaelhatillo.gov.ve
Instagram: @archivofotografiaurbana - Facebook: Archivo Fotografía Urbana
Twitter: @foto_urbana / www.archivofotorafiaurbana.org

Para mayor información usted puede contactar a Gabriela Lepage gabriela.lepage2@gmail.com
@gabrielalepage

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El movimiento virtual
en la obra de Corina Höher
protagoniza muestra
en el MACZUL



Con el título “Cuantificable”, será inaugurada una exposición individual de la artista venezolana Corina Höher, el sábado 19 de agosto a las 11:00 a.m. en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, la cual podrá ser visitada por el público hasta el 22 de octubre, con la curaduría y museografía de Cerquone Projects.

Residenciada en Miami (Estados Unidos), Corina Höher presenta por primera vez un proyecto expositivo en nuestro país, con un conjunto de obras de reciente creación, donde investiga el color como fenómeno científico a través de una intensa repetición de arreglos geométricos, con exploraciones que surgen de las teorías del color del artista Carlos Cruz-Diez.

Según el texto de presentación de la artista, “Sus piezas activadas por el espectador resaltan las interacciones entre colores y formas en frecuencias precisas, generando así el movimiento necesario para crear una serie de ondas y transmitir la relación entre el color y su respectiva intensidad, es decir, el color como energía”.

Para Höher, su objetivo es generar eventos inesperados que modifiquen la percepción del espacio-tiempo del espectador. En sus propias palabras, “el planteamiento creativo deviene en una investigación sobre la manifestación del movimiento virtual a través de la forma y el espacio en el tiempo, con la intención de forjar un evento en constante mutación que propicie una concordancia en el diálogo para la concepción del espacio, la forma y las tecnologías que utilizamos para crear experiencias dinámicas”.

Nacida en Caracas en 1987, Corina Höher comenzó sus estudios de diseño gráfico en su ciudad natal, y se graduó con honores de la Universidad de Miami Internacional de Arte y Diseño, con una Licenciatura en Artes Visuales. Desde entonces ha desarrollado una importante trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en diversos espacios de Estados Unidos, España, Francia y México.

En Venezuela el público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de Corina Höher a través de la exposición “Cuantificable”, que se estará presentando del 19 de agosto al 22 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. El horario es de martes a domingo de 10 a.m. a 5 p.m. La entrada es libre.

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Del 8 de julio al 19 de agosto en la Biblioteca LPG
Exposición interactiva infantil de Vanessa Balleza promueve valores y el gusto por la lectura



Un conjunto de pinturas, esculturas e ilustraciones de Vanessa Balleza, conforman la exposición itinerante infantil "Canito ¡Hasta mañana!", que inaugurará Cultura Chacao el sábado 8 de julio a las 11 a.m. en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, donde permanecerá hasta el 19 de agosto con una programación complementaria de talleres, actividades especiales y visitas guiadas.

Enmarcada dentro de la línea de gestión "Chacao, municipio lector" y los ejes #EspaciosDePaz y #CulturaEsDemocracia, la muestra gira en torno a un personaje creado por Vanessa Balleza, llamado Canito, y tiene como temas centrales los valores de respeto, solidaridad, amabilidad, bondad, responsabilidad, gratitud, amistad, tolerancia, y otros como paz, libertad, bien común, ciudadanía, y diversidad.

Con la curaduría de Zulay Mendoza de la agrupación Artistas En Conjunto y la museografía de Matilde Sánchez, "Canito ¡Hasta mañana!" es una exposición interactiva que se propone “aproximar a los niños a la lectura y a trasmitir mensajes sobre lo que estamos viviendo a través del arte", según expresa la artista.

Dentro de la muestra se incluye al personaje Canito en físico –un lobo blanco y divertido que podrá ser intervenido– además de su casita de madera, construida por la artista y llena de cojines y luces, a la que los niños podrán entrar y jugar; así como también ilustraciones, libros ilustrados y cuadros de pinturas de Canito.

También como parte de la agenda de actividades de la exposición, se mostrarán los libros de Canito: "Un día de verano. Soneto 18. William Shakespeare" y "Canito, ¿dónde estás?", publicados por Editorial Planeta; y se ofrecerá el taller de arte "Dibujando ando con Canito" para niños y jóvenes, el sábado 8 de julio a las 11:30 am. y el miércoles 12 de julio de 2 a 4 p.m.

Con una licenciatura en Artes, Mención Artes Plásticas, de la Universidad Central de Venezuela, y estudios de comic e ilustración en la Escuela de Historietas López y Allaco, Vanessa Balleza ha desarrollado una amplia carrera creativa en la que ha transitado entre las ilustraciones y la plástica desde diversos medios, soportes y técnicas, desarrollando paralelamente publicaciones infantiles, muestras expositivas y talleres de arte para niñas, niños, jóvenes y adultos.

En el campo de la ilustración editorial, ha trabajado para importantes medios impresos y publicaciones nacionales e internacionales como la argentina “Solo Chicos”; mientras que en el ámbito editorial dirigido al público infantil ha trabajado con reconocidas firmas como Santillana, Girasol, Romor, Monte Ávila y Biosfera. En cuanto a las artes plásticas, ha materializado sus propuestas empleando el óleo como vehículo, y desde el año 2004 inicia junto a otros artistas el grupo “Artistas en conjunto”, dedicado a la producción de proyectos artísticos y expositivos independientes, con el diseño y montaje de proyectos en Venezuela y otros países como España, China y Corea del Sur.

El público podrá apreciar el trabajo de esta artista en la exposición interactiva "Canito ¡Hasta mañana!", que se estará presentando del 8 de julio al 19 de agosto, en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, ubicada en la 3era avenida de Los Palos Grandes, entre 2da y 3era transversal. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 3:30 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada por la página web cultura.chacao.gob.ve, o a través de las cuentas de Twitter @culturachacao y @BibiotlecaLPG Facebook culturachacao.org e Instagram culturachacao

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ALEJANDRO BORGES
Galería TAG

“¿How will the ground pale inside the necessary lark?”

Alejandro Borges, arquitecto, es actualmente miembro de la Facultad de Arquitectura en A&M Texas University (EEUU) y ha sido escogido para participar en una colectiva de arte en un salón que expone obras de arte contemporáneo y moderno de artistas emergentes en una prestigiosa galería de arte de Los Ángeles, California (EEUU) a partir de este 08 de agosto y hasta el 26 del mismo mes.

El trabajo de Borges, realizado en grafito y tinta sobre mylar denominado “¿How will the ground pale inside the necessary lark?”, es parte de un grupo de 79 piezas escogidas y se exhibirá en la inauguración del California Open 2017 de la Galería TAG en el Boulevard Wilshire en Los Ángeles, California USA. La pieza es una de las 1.400 que fueron presentadas a la exposición multimedia y fue seleccionada por un jurado presidido por Scott Canty, un artista que ha organizado exhibiciones en el Sur de California por más de 30 años.

El trabajo artístico de Borges, dentro de lo que se encuentran pinturas, esculturas, instalaciones, dibujos y collages, representa una búsqueda que explora conceptos del diseño tales como la luz, sombra, proyección y transformación en una serie de dicotomías tales como orden y caos, estados de consciencia y subconsciente.

Alejandro Borges en el ámbito artístico, posee un importante número de publicaciones a nivel nacional e internacional y ha sido parte de numerosas colectivas y exposiciones individuales. Dentro de su trabajo profesional y académico destacan diseños industriales y urbanos.

Nacido en Caracas, Venezuela, es egresado de la Universidad Central de Venezuela como Arquitecto en 1989 y posee una maestría en Arquitectura en la Universidad de Cornell (EEUU) en 1994. Fue profesor de la Universidad Simón Bolívar y posee una importante obra dentro de la práctica profesional de la arquitectura en el país.

http://one.arch.tamu.edu/news/2017/7/27/arch-profs-drawing-selected-gallery/

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Eduardo Azuaje representa su poética
de la muerte
con una exposición
en el MAC



La muerte como consecuencia directa de la violencia en las sociedades contemporáneas, es el eje central de la obra reciente del artista venezolano Eduardo Azuaje, que será exhibida desde el domingo 13 de agosto a las 11 a.m. en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, a través de una exposición titulada Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte.

A partir de la búsqueda de huesos de animales muertos en Pariaguán –su tierra natal– Azuaje realiza una gran instalación, compuesta por registros audiovisuales y un conjunto escultórico de piezas, “que revelan el lado destructivo de la naturaleza humana y sugieren sentimientos violentos de gran intensidad dramática: la pierna se erige en un aparato capaz de aplanar todo a su paso; el brazo extraviado parece tantear un camino más allá del mal; mientras las cabezas nos acusan con sus ‘miradas’, oscuras y profundas, que brotan de las extrañas concavidades oculares”, según afirma el curador Luis Velázquez en el texto que acompaña la muestra.

Hueso a hueso el artista concibe una figura colosal, fragmentada e incompleta, en este proyecto expositivo en el que de acuerdo al curador, Eduardo Azuaje demuestra las habilidades del recolector-coleccionista, pero también las del creador-escultor capaz de transformar un cúmulo de desechos orgánicos en obra de arte. “Construye una anatomía humana, provista de una aparente ‘musculatura desollada’, con un tejido de huesos engranados dentro de un sistema que, aunque internamente puede resultar aleatorio, describe un orden estructural que lo transfigura en una experiencia estética”.

En esta suerte de arqueología artística –como la describe Velázquez– el artista asume una actitud crítica para rechazar la inhumanidad del hombre hacia sus semejantes, e intenta representar el problema de las numerosas muertes, absurdas e inesperadas, producto de una violencia que tiene en el hampa común su vertiente más poderosa.

“Sin cordero de Dios es el resultado de una investigación compleja, inteligente y profunda donde el cuerpo es objeto y referencia del discurso visual, pero al mismo tiempo símbolo de la violencia, de la destrucción, de la muerte. Aquí las imágenes de un sujeto fragmentado, bajo el signo de la osamenta, son una metáfora de la imposibilidad de salvación frente al mal; el memento mori como representación del inevitable final de todas las cosas terrenales”, señala Luis Velázquez.

Nacido en 1968 en Pariaguán, estado Anzoátegui, Eduardo Azuaje ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en más de treinta exposiciones colectivas organizadas por museos y galerías nacionales e internacionales de Venezuela, Estados Unidos, Francia, Brasil, Cuba y España; además de siete exposiciones individuales en Venezuela. Asimismo ha recibido varios premios y reconocimientos entre los que se cuentan: Mención Especial, Salón Municipal de Caracas, Caracas, 1994; Premio Especial Armando Reverón para Artista Joven de la ONU AVAP, Caracas, 1995; Segundo Premio Bienal Internacional de Bolivia (SIART), La Paz (Bolivia), 2001. Entre sus iniciativas personales de gestión y proyección cultural, destaca la creación del Museo de Escultura Contemporánea de Pariaguán (2004).

La exposición Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte, de Eduardo Azuaje permanecerá abierta al público del 13 de agosto al 29 de octubre, en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ubicado en avenida Bolívar, Zona Cultural de Parque Central, Nivel Lecuna. El horario es de martes a domingo de 10:00 a.m. a 4:30 p.m. La entrada es libre.

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En La Caja del CCCH
Obras de Jonathan Carvallo Salas
recrean tránsito
entre el mar y la ciudad.

Una suerte de paisaje metafórico y lúdico concebido desde la óptica del transitar y la cotidianidad espacial que transcurre entre el mar y la ciudad, presenta el artista venezolano Jonathan Carvallo Salas en la exposición que, bajo el título "Entre Caracas y La Guaira", será inaugurada el domingo 13 de agosto a las 11:00 a.m. en La Caja del CCCH-Centro Cultural Chacao, donde podrá ser visitada hasta el 17 de septiembre.

"Entre Caracas y La Guaira" representa el anhelo de abandono de la ciudad, la huida al espacio marino y la consecuente necesidad de retorno al espacio urbano. "Es una propuesta que permite, desde la investigación y mis técnicas experimentales, indagar sobre diversos temas a través de las relaciones entre el paisaje natural y el paisaje urbano, permeando de diversos modos, creaciones que articulan relaciones entre la sociedad, la política y la cultura", afirma el artista.

Según explican Pamela Meraz y Rose Marie Aguilar -curadoras de este proyecto expositivo- Carvallo puede medir lo que acontece, entre el extremo de la ironía lúdica y una revisión metafórica de conceptos entre la vida y sus costumbres, valiéndose de una multiplicidad de medios como la fotografía, el ensamblaje, la instalación y el video.

"Dentro de este amplio universo de posibilidades técnicas y plásticas, el artista asume la construcción simbólica del territorio donde se desplazan sus objetos, especialmente los elaborados a partir del foto-tirro, técnica propia y experimental empleada por Carvallo para sumergirse en la investigación de ciertos elementos formales de su obra, sobre todo hacia su efecto lumínico y reflectivo", afirman Meraz y Aguilar en el texto que acompaña la muestra.

Es así como el artista presenta "un recorrido introspectivo por las costas de La Guaira donde contempla con extrema sensibilidad la luminosidad de cada traslado emprendido desde la ciudad hacia el mar y en su retorno del mar a la ciudad, inmerso en un paisaje colmado de múltiples referencias y crónicas visuales en las que indaga con extrema ironía y excelsa creatividad la resignificación del objeto. Una cartografía reinventada de aquello que habita y parece ser desapercibido", escriben las curadoras.

Jonathan Carvallo Salas ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra de manera colectiva e individual en diferentes museos, galerías y centros culturales de Venezuela, Italia y España, además ha representado a Venezuela en varias ediciones del Premio Sulmona. Reseña Internacional de Arte Contemporáneo (Italia). Entre los reconocimientos que ha recibido figuran, el Tercer Premio del Salón Alejandro Otero, Premio Ciudadano Dycvensa del Salón de Artes Visuales Dycvensa, y Mención de Honor en el Salón Juan Lovera.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la más reciente producción creativa de este artista a través de la exposición "Entre Caracas y La Guaira", que se estará exhibiendo del 13 de agosto al 17 de septiembre, en La Caja del CCCH-Centro Cultural Chacao, en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 1:00 a 7:00 p.m., domingos de 11:00 a.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre.


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Artistas muestran
su visión creativa
sobre Caracas en 2017


Un total de 13 artistas contemporáneos mostrarán su visión creativa de la ciudad de Caracas, en una exposición que será inaugurada el domingo 23 de julio a las 11 a.m. en la Galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones.

“Caracas 2017” es el título de esta muestra con la que D’Museo da continuidad a su costumbre de realizar periódicamente una exposición relativa al tema de la capital venezolana, costumbre que comenzó a partir de una exposición en 1996 en la que se mostró la crisis de la representación de El Ávila dentro de la tradición pictórica del país, según afirma el curador del proyecto, Nicomedes Febres, en el texto de presentación.

En esta oportunidad son El Ávila, El Guaire y la situación actual política y social que se vive en el país, los aspectos que dominan en las propuestas de los artistas. “Sin duda, 2017 ha sido social y políticamente muy convulso, cuando la conflictividad domina la agenda cotidiana de los caraqueños, pero esta exposición trasciende a ese conflicto porque la ciudad y sus problemas, sin desmerecerlos, sobrepasan la dura realidad urbana que no se detiene. Ahora son esos problemas los que dominan la agenda creativa de nuestros artistas, y debe ser así porque, según Hegel, un artista se debe a su tiempo y a sus conciudadanos para que su obra quede sacralizada por la Historia del Arte”, escribe Nicomedes Febres.

Augusto Marcano participa en dicha muestra con una obra sobre la relación de los habitantes de Caracas con la arquitectura urbana y la ausencia de la presencia; Aureliano Parra, en este trabajo experimental aborda varios problemas mediante el manejo exquisito de la línea y de la vacuidad de la palabra, incluso cuando es expresada en documentos oficiales; Daniel Atilano participa con una intervención sonora con sonidos capturados en Semana Santa de 2017, en la que a diferencia de otros años, las procesiones fueron acompañadas de protestas, mítines políticos, represión policial, misas y procesiones nocturnas; y Francisco Acuña presenta un valioso trabajo de imaginación sobre futuras estampillas donde se representaría la nueva iconografía del Estado.

Francisco Pereira por su parte, aborda el tema de los migrantes y del exilio; Gabriel Pérez exhibe una obra donde habla sobre la cotidianidad de Caracas y sus problemas desde una óptica vinculada al Pop Art; José Bonilla representa mediante la fotografía la lucha de los venezolanos, en una propuesta en la que perturba la arquitectura real de la ciudad y coloca a esos íconos ensamblados y descontextualizados de su ubicación original; Juan Toro presenta un grupo de obras fotográficas de las viviendas de los indigentes al borde del río Guaire, y Ricardo Arispe utiliza la fotografía como medio de expresión para documentar los últimos acontecimientos sucedidos en Caracas en la lucha por la libertad y la democracia

El cartel de artistas lo completan los miembros del Proyecto LUCA (Laboratorio Urbano de Arte Contemporáneo): El Gaba (Guillermo Bermúdez) con un video sobre la incomunicación de la vida urbana, Julio Sánchez presenta un video dedicado al tema del desconocimiento del espacio urbano cuando se ha perdido el concepto de ciudad en las modernas megalópolis, Azalia Licón muestra en un video arte la profunda crisis económica de la ciudad, y Gladys Calzadilla se transmuta en una vídeo instalación en buhonera para mostrar la cotidianidad de los trabajadores informales en Chacaíto.

El público podrá apreciar la exposición “Caracas 2017” a partir del 23 de julio en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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Fabián Dagor expone
su Leitmotiv en la Alianza Francesa de Chacaíto



Bajo el título “Leitmotiv” será inaugurada una exposición del artista venezolano Fabián Dagor, el próximo lunes 10 de julio a las 5 p.m. en la sede de la Alianza Francesa de Venezuela, en Chacaíto, donde permanecerá abierta al público hasta el 14 de septiembre con un conjunto de obras de reciente creación, en las que el artista, influenciado por la abstracción geométrica, ofrece una nueva visión del graffiti fusionando su trabajo de calle con las técnicas de la pintura tradicional.

En ésta su primera individual, Fabián Dagor muestra su evolución y el carácter particular de sus invenciones y deconstrucciones tipográficas respecto a la abstracción geométrica, “con un enfoque reflexivo y antológico, haciendo extensivo el panorama de un artista particular que viniendo del aprendizaje autodidacta del graffiti tradicional, ha evolucionado para crear una estética abstracta contemporánea fresca y atrevida que nos aproxima al lenguaje del trópico y el caribe; caracterizada por el uso de colores planos vivos y la deconstrucción tipográfica callejera”, según afirma la curadora Carolina Sanz en el texto de presentación.

De acuerdo a la curadora, “sus obras no buscan crear argumentos presuntuosos en torno a la explotada tendencia, sino generar una nueva posibilidad donde su contenido pueda ser interpretado de manera distinta por cada quien, constituyendo una experiencia visual cautivadora que atrapa su visión del mundo para ofrecerla desenfadadamente y sin miramientos”.

Con una trayectoria de casi dos décadas, Dagor ha desarrollado una propuesta artística donde pinturas y ensamblajes se nutren de su investigación topográfica y colorista, alternando geometrías con imágenes figurativas. Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, Inglaterra, Ecuador, y ha recibido varios reconocimientos, entre los cuales se cuentan, el 1st Place Mixed Media Wynwood Juried Show Fall Edition 2016 y 1st Place Mixed Media Wynwood Juried Show Fall Edition 2017, entre otros.

La obra de este artista podrá ser apreciada a través de la exposición individual “Leitmotiv”, que se estará presentando del 10 de julio al 14 de septiembre en la sede de la Alianza Francesa de Venezuela ubicada en Chacaíto, en la avenida 3 de Las Delicias, en horario de lunes a viernes de 9 a.m. a 5 p.m., y sábados de 9 a.m. a 1 p.m. La entrada es libre.

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Obra de JJ Moros protagoniza exposición
en la galería Espacio 5
de Valencia



La propuesta artística del creador venezolano JJ Moros podrá ser apreciada en Valencia a través de la exposición individual “Espacio Semántico”, que será inaugurada el domingo 2 de julio a las 11 a.m. en la Galería Espacio 5, con una selección de piezas tridimensionales donde el espacio se convierte en una posibilidad de estructuración de la obra de arte y se incorpora en franco diálogo e interrelación a la misma.

Con la curaduría de María Luz Cárdenas, la muestra –que permanecerá en exhibición hasta el 2 de septiembre– está formada por tres áreas de problemas que generan tensiones entre sí y organizan sus propios campos visuales y juegos de relaciones, según escribe la curadora en texto que acompaña la exposición.

“En primer lugar se encuentran las diagonales colocadas en el ángulo de la pared, acentuando la fuerza del espacio. En segundo lugar están los círculos y cuadrados independientes o asociados en conjunciones círculo-cuadrado y; por último, los conjuntos seriales. El artista explora las tensiones que se derivan de la relación entre volúmenes, planos y líneas, tensiones reforzadas por el uso frecuente de ejes diagonales, originando piezas que expresan, en su formalidad y rigor, un discurso coherente y fluido en torno al espacio”, señala Cárdenas.

A juicio de la curadora, la obra de JJ Moros se levanta sobre la articulación geométrica y la organizada composición de piezas que han contribuido considerablemente al desarrollo contemporáneo de la escultura en Venezuela a partir del legado de maestros como Víctor Valera y Pedro Briceño, y bajo esos aspectos se encuentra el concepto clave que determina sus acciones y define la esencia filosófica de su trabajo, como es la construcción del espacio como fuerza primordial y ontológica.

El artista profundiza el dialogo entre el espacio y la materia, las formas y los vacíos en la escultura para establecer una búsqueda de nuevas fuentes para el espacio escultórico.

”La forma simple, la línea recta y las formas geométricas adquieren valores insospechados, especialmente en las conjunciones en las que activa esquineros, ángulos, pisos y paredes. Ello nos sugiere una continuidad entre el espacio físico, el espacio arquitectónico y el espacio añadido por las hendiduras y muescas labradas en las piezas, y también lleva a una reconfiguración de los datos visuales al permitir que el espectador tenga una experiencia más específica al integrar el espacio donde se sitúa, para introducirnos en un campo escultórico diferente y complejo”.

Artista de amplia trayectoria y heredero de la tradición moderna de nuestros grandes maestros, este creador con más de veinte galardones y distinciones, una trayectoria de importantes muestras individuales y colectivas se ha convertido en una referencia vital dentro de la escultura contemporánea en Venezuela. Médico veterinario, de formación autodidacta en las artes visuales, J J Moros se ha dedicado desde 1980 a la abstracción escultórica sirviéndose del hierro como material para desarrollar sus espacios geométricos-

El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este artista a través de la muestra “Espacio Semántico” que se estará presentando del 2 de julio al 2 de septiembre en la galería Espacio 5, ubicada en la casa No. 141-10 de la avenida Carabobo con cruce de la calle La Ceiba, urbanización La Viña, en Valencia, estado Carabobo. El horario es de martes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 11:00 a.m. a 4:00 p.m.

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Secciona2:
LOS PAISAJES ESCULTÓRICOS
DE IVÁN SALGRERO
SERÁN EXPUESTOS
EN LA GALERÍA G7

Una exclusiva selección de 9 obras forma parte de la exposición Secciona2, paisajes escultóricos de Iván Salgrero, que será inaugurada el domingo 2 de julio a las 11 am. en la Galería G7 del Centro de Arte Los Galpones.

Miguel Angel Becerra realiza la curaduría y la conceptualización de este montaje que según manifiesta: "exhibe piezas que me llamaron poderosamente la atención por la manera como el artista lleva a la abstracción paisajes emblemáticos venezolanos como El Avila o la Gran Sabana, los cuales presenta en hierro".

Considera Becerra que la trascendencia de esta exposición, que abre al público en estos momentos críticos para el país, es conducir a los espectadores a reconectarse con nuestras bellezas naturales, como son las montañas icónicas de Venezuela Waraira Repano para Caracas, o los tepuyes para la Gran Sabana. Asimismo se integra a esta serie paisajística un impresionante Salto Angel realizado en hierro trabajado de tal manera que luce agreste.

Secciona2 es el resultado de 30 años de trayectoria creativa de Iván Salgrero, quien es diseñador industrial egresado del Instituto de Diseño Caracas (IDC). En paralelo a sus estudios formales se adentró en la práctica artística trabajando en el taller de Carlos Cruz-Diez, luego, fue aprendiz de Pedro Centeno Vallenilla, y por último, de Secundino Rivera. En cada uno de estos espacios obtuvo innumerables secretos técnicos.

Si bien Salgrero se ha desenvuelto profesionalmente como diseñador tridimensional, su fortaleza han sido las artes plásticas. Decenas de veces pintó El Avila en estilo surrealista, hasta que a finales del año pasado lo plasmó en la reja de entrada de una quinta en el este caraqueño. Este proyecto lo llevó a investigar y desarrollar procesos creativos que derivaron en las obras que presentará el próximo 2 de julio en la Galería G7.
Novedoso camino

La Galería G7 abrió hace 9 años con el compromiso de mostrar lo mejor del arte venezolano, concentrándose principalmente en el estilo abstracto-geométrico. Durante este tiempo ha representado a varios maestros venezolanos a la vez que promueve talentos nuevos. En ese sentido señala Miguel Angel Becerra: "para mí un artista puede tener 60 años, pero si tiene alta calidad en su oficio y es nuevo en la escena pública, lo apoyamos".

Para el curador, Iván Salgrero posee un contundente recorrido artístico y es valioso que se presente a la palestra pública en este momento tan complejo para el país. En palabras del propio artista: "quiero que mi obra sirva como inspiración a millones de hermanos abrumados por los problemas han ido paulatinamente endureciendo sus corazones e impide sentir ese arte que está dentro y fuera a la vez".

Su trabajo conecta con las personas porque les recuerda la majestuosidad de nuestros paisajes en un lenguaje plástico que se manifiesta impecablemente a través del dremel y la soldadura que forjan formas selladas con lacas y ceras que lograr interesantes oxidaciones.

El trabajo de Iván Salgrero en Secciona2 está en la frontera entre la geometría y la abstracción, en el sentido de que las estructuras posee el orden de la geometría combinada con la libertad expresiva de la abstracción para configurar los perfiles de los paisajes que desea plasmar.
Inauguración: domingo 2 de julio 2017, 11 am.

Lugar: Galería G7, Centro de Arte Los Galpones. Calle Ávila con 8va Transversal, Los Chorros.

Puedes conocer más sobre Iván Salgrero en las redes sociales:
Facebook: Iván Salgrero SÓLO ARTE
Twitter: @ivansalgrero
Instagram: @ivansalgregocuriel


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Gregorio Siem exhibe
su Código Variable
en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural



La reciente obra del artista venezolano Gregorio Siem, podrá ser apreciada en la exposición “SIEM. Código Variable”, a inaugurarse el próximo domingo 2 de julio a las 11:30 a.m. en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, en alianza con Meraz-Aguilar. Despacho Museográfico, y que permanecerá en exhibición hasta el domingo 30 de julio del presente año.

Desafiando los propios límites de la creación en permanente descubrimiento y evolución, Gregorio Siem propone con esta muestra sensibilizar al espectador hacia los cambios sucedidos sobre todo lo existente en el universo, a través de una impecable producción de estructuras policromas “cuya poesía de los elementos que la conforman y transforman deben su vida en definitiva a la acción del otro que las encuentra y siente la necesidad de tocar, manipular, mover y jugar hasta convertirlas en otros códigos disímiles al inicial, dentro de una diversidad de superficies móviles capaces de variar”, según explican las curadoras del proyecto expositivo, Rose Marie Aguilar y Pamela Meraz.

A juicio de las curadoras, la mutación resultante del cambio en esta serie de conjuntos, matemática y obsesivamente ordenados por el artista dentro de un estructurado patrón de líneas y colores, es la razón por la cual “la obra en sí misma no puede sucederse ajena al contacto con el otro, que la transforma y convierte en una nueva forma, en una aparente y perpetua renovación, cuya permanencia relativa o temporal son valores fundamentales que la constituyen”.

Con una amplia trayectoria artística de más de tres décadas, Gregorio Siem ha exhibido su trabajo de manera colectiva e individual en diversas salas, galerías y museos de Venezuela y otros países como Colombia, Francia, Reino Unido e Italia. Su obra está representada en Caracas, entre otras, en las colecciones de la Universidad Central de Venezuela, Universidad Metropolitana, Universidad Simón Bolívar, Universidad Metropolitana y en Italia, en la colección Exma Centro D´Arte e Cultura, Cagliari. Asi mismo, en diferentes colecciones privadas en Caracas, México, Francia y Holanda.

El público podrá apreciar la obra de este artista en la exposición “SIEM Código Variable”, que se estará presentando del 2 al 30 de julio, en el Secadero 3 de la Hacienda La Trinidad, ubicada en la Urb. Sorocaima. Calle Rafel Rangel Sur, Hacienda La Trinidad . El horario es de martes a domingo de 12:00 m a 5:00 pm . La entrada es libre.

Cabe destacar que la inauguración contará con la participación del distinguido dúo de danza contemporánea Sarta de Cuentas, quienes abrirán la muestra con un performance alusivo a la temática trabajada por Siem en sus piezas.

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El creador de CCSTENCIL se solidariza con Venezuela con mensajes de unión, justicia, fuerza y esperanza. Una de sus muestras se exhibe actualmente en EEUU
Prensa Cresta Metalica

El artista gráfico venezolano Alex Siniscalchi no deja de lamentar la situación de confrontación que vive su país, así como la fuerte crisis que afecta a todos sus coterráneos, por lo que quiso dar su aporte a través de su marca CCSTENCIL, con la cual realizó el diseño de la icónica valla ubicada al final de la avenida principal de Las Mercedes, Caracas, como un reconocimiento y obsequio a toda Venezuela, llevando además un mensaje de fuerza y esperanza. Vale resaltar que CCSTENCIL no cobró honorarios por la obra.

"Una vez más CCSTENCIL nos deja un mensaje gráfico y contundente en una de las vallas más importante de la ciudad de Caracas. En medio de la oscuridad, en una guerra desigual, le dejamos a la capital y a toda Venezuela un reconocimiento más por estos tres meses de protestas continuas. Siempre nos hemos pronunciado de la forma en que lo sabemos hacer. Si hay algo que necesitan las calles de la ciudad son mensajes de paz. Que sea el arte y la cultura siempre el primer y milésimo paso que dé oxígeno a nuestra golpeada sociedad para que avance hacia el desarrollo, sin dejar atrás los valores, la justicia, la paz y el amor por el prójimo", expresó Alex Siniscalchi.

La valla denota en sus colores de splash un lado de tonos azules, del otro lado tonos rojos y en el medio una chica con pose de Libertad, respiro y paz, porque para el artista "Venezuela es una mujer, humilde, soñadora, regia pero noble a la vez, su mente sueña en infinitos colores, idiomas y sabores, ella resiste lo que le tocó vivir, porque sabe que se levantará más fuerte".

Alex Siniscalchi cuenta con una amplia trayectoria como artista gráfico. Comenzó como "Artista Activista" en el año 2004 y cuando apenas tenía 17 años de edad pintaba murales. Dirigió varias obras importantes con el municipio de Chacao, haciendo la consigna utilizada por el ex -alcalde Emilio Graterón: "Paz, Respeto y Tolerancia" uniendo a todos los artistas urbanos de Caracas en un sólo mural. Participó tres veces en el renombrado festival "Por el medio de la calle", así como en grandes campañas como la de ACNUR "Ponte en sus zapatos" de La Organización de las Naciones Unidas.

Actualmente CCSTENCIL está llevando a cabo su segunda exposición en Miami, EEUU, titulada "La Peste de Caracas", conformada por doce cuadros realizados con pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo impreso de 135 x 105cm. Se exhibe en la galería Nomad Tribe ubicada en la zona de Wynwood y estará abierta al público hasta el 8 de julio. "Le coloqué ese nombre a la exposición porque yo le llamo así al presente de mi país, porque la miseria, el hambre y la muerte reinan en el lugar. Esta nueva serie de cuadros representa la desidia, el dolor, la farsa, la descomposición y el deterioro de una sociedad enferma", explicó el artista.

"No es la música, no es el grafiti, no es teatro, no es la literatura, no es la escultura, no es el poema, no es uno, ni el otro, es el arte cómo ente viviente el que comunica todos los mensajes que los artistas queremos gritar, en idiomas cifrados que cada quien interpreta a su manera. No hay manual para entender el arte, pero mágicamente hay obras que nos llegan a todos juntos", añadió el creador de CCSTENCIL quien además ha realizado diseños para organizaciones como Amnistía Internacional, Un Mundo Sin Mordaza y PROVEA.

Sigue a Alex Siniscalchi (Ccstencil) en sus redes sociales:
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Para canalizar entrevistas:
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Del 18 de junio al 30 de julio de 2017 en The Hotel
Nadia Benatar, Isabel Cisneros y Leonardo Nieves muestran sus cartografías en la Galería Espacios



“Huellas/Dibujos/Rastros” es el título de la próxima exposición que exhibirá a partir del domingo 18 de junio a las 11:00 a.m. la Galería Espacios, que se encuentra dentro de The Hotel, en El Rosal, donde los artistas Nadia Benatar, Isabel Cisneros y Leonardo Nieves presentan sus respectivas propuestas creativas, concebidas a partir de la ciudad de Caracas como símbolo e imagen de una nación en crisis.

En dicha muestra las empatías, coincidencias y afinidades de la historia urbana y sus orígenes parten “desde los hilos, expresados bajo diferentes coloraturas y voces, agregándole el sentido, único y particular de donde parten y donde se maneja la noción de dibujo; desde el andar y el desandar, de las tramas y urdimbres. Tejido también que nace de lo urbano, transcurrir donde se teje y se desteje. Discursividad emparentada al inmanente y profundo universo de lo femenino. Desde la costura, pero también desde el bordado; así como de la noción esencial y primaria del punto y la línea. El trazado, la cuadrícula o el punto de cruz”, según expresa la curadora e investigadora de artes visuales, Marianella Guevara.

Con el dibujo como eje central de sus trabajos, Nadia Benatar presenta una serie de dibujos sobre papel de algodón en blanco, en los que elabora una suerte de cartografías contemporáneas, del ahora y sus circunstancias desde una ciudad en medio de la turbulencia; y una obra tridimensional de bordados espaciales, donde experimenta con tubos de acrílicos e hilos metálicos suspendidos, ratificando la impermanencia de su lenguaje, tal y como explica la curadora en el texto que acompaña la muestra.

“Benatar tiende puentes, abre caminos e incorpora incluso el gesto a través de la desgarradura en el soporte mutado en la línea; hurgando en el universo de lo lúdico, dejándose llevar y abandonar por el material (…) Dibujos sobre dibujos que en esta y en otras ocasiones se expresan y se ensamblan incluso de sus propias sombras refractadas y reflejadas, gracias a la suspensión del material: de los alambres, canutillos y en algunos casos hasta de los mismos plomos…”

Isabel Cisneros, por su parte, se acerca a la página en blanco para tratar el tema de las migraciones y el exilio que viven muchos venezolanos en la actualidad, “y cómo desde la historia personal y familiar tiende conexiones con la memoria profunda y al mismo tiempo con la memoria histórica, desde territorios lejanos transformados en abstracción gráfica, geografía, atlas, mapa y cartografía”–señala Guevara– A partir de la línea de la cartografía, la artista elabora sus propios itinerarios, de modo “que va tocando territorios desde los hilos por donde va bordando y tejiendo, creando una suerte de circuito donde probablemente va reestableciendo la ruta de sus afectos”.

Para completar el cuerpo de trabajo que conforma la muestra, Leonardo Nieves presenta sus cartografías urbanas en un libro objeto, donde sus obras se someten a modificaciones constantes de juegos sobre los papeles, de los patrones que encuentra por azar en algunos puntos de la ciudad o el grabado, formas o accidentes que reconoce en el camino urbano.

Según afirma el propio Nieves, “son patrones, formas geométricas, desechos de la urbe. Que una vez recogidas y seleccionadas pasan a ser dibujos sobre el papel, una vez que comienzo en el proceso de coser, pespuntear y bordar (…) voy descubriendo que en esas tramas que se van armando, quedan las tramas de la ciudad. Y es que esa tejido termina transformándose en cartografía, que finalmente es mi propia cartografía”.

El público podrá apreciar la propuesta de estos tres artistas a través de la exposición “Huellas/Dibujos/Rastros”, que se estará exhibiendo del 18 de junio al 30 de julio en la Galería Espacios, ubicada en The Hotel, en la calle Mohedano de El Rosal, en horario de 10 a.m. a 1 p.m. y de 2 a 7 p.m., sábados de 9 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.

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Lecciones Políticas
de Alexander Apóstol
se exhiben en Beatriz Gil Galería



Una reflexión sobre la historia del período democrático en Venezuela desde 1941 hasta la actualidad, presenta el artista venezolano Alexander Apóstol en la exposición “Lecciones Políticas”, que será inaugurada el domingo 18 de junio a las 11 a.m. en Beatriz Gil Galería, donde podrá ser visitada hasta el 10 de septiembre.

Considerado uno de los exponentes del arte contemporáneo de mayor proyección internacional, Alexander Apóstol –actualmente residenciado en España- regresa a Caracas para exponer desde una cierta estructura conceptual y estética del relato político, un ensayo visual donde plantea “una consciente reflexión a partir de las estrechas relaciones, correspondencias y negociaciones que operan entre las nociones de cultura, poder, política e historia para articular, desde la experiencia artística, el complejo rol que juegan estos principios en la construcción de identidades individuales o nacionales”, según afirma la curadora e investigadora de artes visuales, Ruth Auerbach, en el texto que acompaña la muestra.

“Lecciones Políticas” reúne un conjunto de obras que, en palabras de Auerbach, presentan la conceptualización de una abstracción geométrica, cinética o minimalista con contenido narrativo, entre las que se incluyen, una videoinstalación titulada Contrato Colectivo Cromosaturado; la serie fotográfica Color is my Business; y Color is my Business/Lecciones políticas, una extensión de la serie inicial.

La obra Contrato Colectivo Cromosaturado introduce en seis capítulos las identidades sociales y políticas utilizando los códigos sensoriales del arte cinético. “Su planteamiento refleja la inestable historia política moderna, transcrita en la vibrante y transitoria naturaleza cromática e ilusoria del arte cinético que, como tendencia artística dominante, se constituyó en la imagen especular de un país civilizado que dejaba atrás su precaria condición agraria”, escribe la curadora

Por otra parte, Color is my Business explora el registro cromático representativo de los partidos políticos en Venezuela registrados en el tarjetón electoral a lo largo del período democrático comprendido entre 1958 y 1998; y Color is my Business/Lecciones políticas, expone la historia política del periodo democrático venezolano desde 1941 hasta la fecha, pero a diferencia de la serie preliminar, utiliza colores planos contrastados, sin matices ni variaciones tonales.

A juicio de Ruth Auerbach, Apóstol atraviesa sin prejuicios los fundamentos del arte con las estructuras de poder. “Su última producción visual traduce la escena sociopolítica moderna y postmoderna a partir de códigos estéticos concretos que nos interpelan en relación a cómo estas realidades se inscriben en nuestra historia; concibe así una perspectiva diversa para la comprensión individual de estos períodos, la mayoría de las veces modelados por los canónicos axiomas del discurso dominante. En esta operación, cada una de sus propuestas reencuadra nuestro pasado cercano en una tentativa por proponer nuevas formas de percepción del mundo y la historia que conocemos, desafiando así no solo las restricciones formales, sino también un abordaje poderoso y efectivo de los asuntos sociales esenciales con los cuales se confronta la cultura contemporánea”.

Nacido en Barquisimeto en 1969, Alexander Apóstol ha desarrollado una importante trayectoria artística que le ha llevado a exhibir su obra de manera colectiva e individual en museos y galerías de Venezuela, España, Estados Unidos, Francia, Alemania, Suiza, Italia, Argentina, Colombia, Costa Rica, entre otros países. Está representado en la Tate Modern, Reino Unido; Guggenheim Museum, Museo del Barrio, Perez Art Museum, CIFO y Getty Research Institute, USA; Fundación ARCO, MUSAC, IVAM y CA2M, España: Centre Pompidou, Francia; Daros-Latinoamérica; Fundación Cisneros y Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela; Banco de la República, Colombia; MADC, Costa Rica; y, MUAC, México, entre otras.

El público tendrá la oportunidad de apreciar el trabajo de este destacado artista a través de la exposición “Lecciones Políticas”, que se estará presentando del 18 de junio al el 10 de septiembre, en la sede de Beatriz Gil Galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco, Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser consultada a través de la página www.beatrizgilgaleria.com o a través de Facebook: Beatriz Gil Galeria Twitter: @beatrizgilgal Instagram: @beatrizgilgaleria y Youtube: Beatriz Gil Galeria.

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Artistas venezolanos registrados en Imago Mundi Project toman
los espacios de la Galería de Arte Florida

Junio 2017. 100 Artistas registrados en Imago Mundi Project de Luciano Benetton para Venezuela, tomarán los espacios de la Galería de Arte Florida a partir del domingo 11 de junio a las 11:00 a.m., con la exposición “A Shining Constant in the Artistic Sky / Un Resplandor Constante en el Cielo del Arte”, bajo la coordinación de la curadora internacional Andrea de Carvalho y los curadores Linda Morales y Raul Felipe Peñalver, respaldados por la Fondazione Benetton Studi Ricerche de Italia, creada por el mecenas internacional Luciano Benetton.

Manuela Armand, Enrico Armas, Pavel Bastidas, Donaldo Barros, Francisco Bugallo, José Campos Biscardi, José Catamo, Jesús Caviglia, José Coronel, Ananta Dagnino, Perán Erminy, Marcos Ettedgui, Onofre Frías, Jason Galarraga, Wiston García, Ricardo Goldman, María Govea-Meoz, María Fernanda Lairet, Pedro León Carrillo, Egleé Manzo, Francisco Martínez, Karina Matheus, Silvio Mignano, Federica Morales, Abilio Padrón, Juvenal Ravelo, Julio Pacheco Rivas, Mirla Soto y Daniel Suárez, son sólo algunos de los creadores que participan en esta muestra que permanecerá en exhibición hasta el 1° de julio, son parte de los 140 artistas venezolanos que se integran a Imago Mundi Project de Luciano Benetton para Venezuela.

Los artistas expuestos en la presente muestra, son apenas un fragmento del inmenso espectro de Imago Mundi Project de Luciano Benetton Collection, el cual tendrá registrados para fin del 2017, alrededor de 26.000 artistas contemporáneos vivos a nivel mundial. Esta gigantesca colección de arte, reúne desde jóvenes emergentes, artistas consolidados y maestros. Los artistas son promocionados internacionalmente con exposiciones de arte y la participación en los catálogos y en la plataforma imagomundiart.com y Google Arts &Culture.

La catalogación va “Desde países estables, hasta países en guerra; países históricamente opuestos y divididos; compactos y minorías, son invitados a dialogar en nombre del arte. Nace un caleidoscopio -vehemente, creativo, imaginativo- de técnicas, colores, estilos, inspiraciones. Un mosaico lleno de historias, pasiones, sueños, acciones, y contradicciones, donde cada obra brilla con luz propia, y al mismo tiempo, se convierte en espiga de un imaginario globalizado”, según afirman los organizadores.

Cabe destacar que Imago Mundi Project es el catálogo mundial de arte más importante realizado hasta la fecha, 130 naciones, regiones y grupos nativos son incluidos. Contiene gran cantidad de obras en un único formato de 10x12 cms. encargadas y recopiladas por Luciano Benetton. El mismo formato de obra, será presentado en la muestra de arte en Caracas.

El público podrá visitar la exposición de los artistas venezolanos integrados a Imago Mundi Project, del 11 de junio al 1° de julio en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.

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Del jueves 8 al jueves 15 de junio
PABLO GARCÍA GÁMEZ
Y LA DRAMATURGIA
DEL ACUYÁ
EN LA GALERÍA DE ARTE NACIONAL

Pablo García Gámez, dramaturgo, investigador y profesor adjunto en Brooklyn College y City College, con estudios doctorales en el Departamento de Lenguas y Literaturas Hispana y Luso-Brasileña en The Graduate Center, CUNY, Nueva York, brindará un taller, en seis sesiones, desde el jueves 8 al jueves 15 de junio, sobre la Dramaturgia del Acuyá (el sentido de la liminalidad); en la sala expositiva 1, nivel I; actividad en el marco del 40 aniversario de la Galería de Arte Nacional, ubicada en la Avenida México, entre las Estaciones Bellas Artes y Parque Carabobo del Metro de Caracas, frente a Puente Brión, en el circuito cultural de Caracas.

LA DRAMATURGIA DEL ACUYÁ
Pablo García Gámez, además de su desempeño como profesor en el City College, Brooklyn College, de la Universidad de la Ciudad de Nueva York –CUNY; comparte su tiempo entre la escritura teatral y la dedicación a la investigación y elaboración de un proyecto de docencia teatral universitaria, sobre el teatro hispano en Nueva York.

Al igual que su interés en la denominada Dramaturgia del Acuyá, como una manera de reconfigurar contextos sociales, interpretar códigos cruzados y entender la situación de los hispanos en los Estados Unidos de Norteamérica. Esa especie de limbo del aquí, el allá y el acuyá teatral, que no es otra cosa que la vida misma en una ciudad como Nueva York.

García Gámez se interesa especialmente por la manera en que se construyen las relaciones con la vida, con el entorno, con los otros, con la memoria, la cultura e inclusive con lo establecido artísticamente en esa gran metrópolis; y para ello acude a la noción de liminalidad, desarrollada por la antropología social y ritual de Victor Turner.

Para García Gámez, reflexionar sobre las teatralidades liminales implica considerar las articulaciones con el tejido social en el cual se insertan.
Oportuno citar a la profesora, investigadora y actriz puertorriqueña, Eva Cristina Vásquez, quien nos trae a colación las palabras de García Gámez: “Entre el aquí y el allá está el acuyá. Acuyá: espacios que se sobreponen, identidades en tensión. Acuyá: ruptura, espejo que refleja imágenes distorsionadas; visiones replegadas, periféricas, marginadas, escondidas, ocultas.” (En: “Dramaturgias en el Acuyá: Entre el desdén y la autogestión”, en Literatura con acento, Paquita Suárez Coalla, ed. New York: Editorial Campana, 2014).

El taller, dirigido a participantes con nociones básicas de dramaturgia, se realizará, en seis sesiones, desde el jueves 8 hasta el jueves 15 de junio, en el siguiente horario: jueves 8 al miércoles 14 de 10:00 am a 2:00 pm (receso de media hora) y el jueves 15 de 10:00 am a 4:00 pm Se entregará certificado de asistencia. Inscripciones a través del correo electrónico educaciongan@yahoo.com Teléfono (+58) 212 578 2072.

LOS PASOS DE PABLO GARCÍA GÁMEZ
Pablo García Gámez, quien recientemente finalizó sus estudios doctorales en el Departamento de Lenguas y Literaturas Hispana y Luso-Brasileña en The Graduate Center, CUNY, Nueva York; es dramaturgo, investigador y profesor adjunto en Brooklyn College y City College.

En su curtida y excelente formación teatral cuenta con cursos y talleres de dramaturgia, en Venezuela, con Juan Carlos Gené, Oswaldo Dragún, Abilio Estévez, Rodolfo Santana, Luis Dorrego, Hugo Salcedo, y recientemente con Antonio César Morón, dramaturgo, poeta y ensayista español, creador del concepto de dramaturgia cuántica, de gran aceptación en el ámbito académico y escénico de Nueva York. Sin dejar de mencionar su paso, en los años ochenta, por el Círculo de Críticos de Teatro de Venezuela (Critven), junto a Sonia Murillo, Rubén Monasterios, Leonardo Azparren Giménez, Eduardo Robles Piquer, /RAS); José Antonio Rial, Helena Sassone, Carlos Herrera y Edgard Antonio Moreno Uribe.

Entre sus piezas producidas están “Oasis Pub” –junto con el reconocido venezolano Elio Palencia-; “Cariaquito Morao”. Autor de obras de teatro para niños: “La luna me está mirando” (2000), A contar cuentos: el legado de José Martí (2001), En barco de papel: Hostos (2003).

En 2007, el Centro Cultural de la Librería Barco de Papel, en colaboración con el Renaissance Charter School, en el programa La Hora del Cuento en Queens, invitó a García Gámez, a dirigir su obra de teatro “El retablo de Juana Inés, niña de palabras”, basada en la infancia de Sor Juana Inés de la Cruz la primera poeta de América, nacida a mediados del siglo XVII.

Su pieza “Blanco” ganó el concurso Proyecto Asunción 2004 de Teatro Pregones; y los premios HOLA y ACE del año 2006, convirtiéndose en el primer autor en ganar, simultáneamente, los dos últimos reconocimientos.

En 2008 editorial Campana publicó “Se vende, se alquila o se regala”, antología de dramaturgos hispanos de Nueva York en la que aparecen sus obras “Las damas de Atenea” y “Rematado”; en 2014 se publica “Palabras acentuadas”, antología en la que aparece su pieza “Oscuro, de noche”. En 2013, “Noche tan linda” ganó el concurso Proyecto Asunción y en el 2014 el premio HOLA. Ha participado en diversos congresos de literatura.

El año 2015, le deparó a Pablo García Gámez, el estreno en Nueva York, de su deliciosa comedia “Las damas de Atenea”, una obra de referencias cabrujianas que cuestiona el rol del artista como ser marginal en la sociedad actual. Ganadora del premio de dramaturgia que otorga la Hispanic Organization of Latin Actors (HOLA); presentada en la temporada invernal de Teatro TEBA, en el Broadway Blackbox Theater. Nominada a los premios ACE 2016.

En octubre de 2015, Casa las Américas de Cuba lo invitó para que en La Habana, en un coloquio llamado “Más allá de los bordes y las fronteras: trasnacionalismo y creación,” hablara sobre el teatro hispano, específicamente sobre la dramaturgia y como desde el escenario los latinoamericanos crean la memoria de la comunidad en la cosmopolita Nueva York; oportunidad en la que disertó sobre el significado y los aportes a la literatura teatral de “Noche tan linda”. Obra que fue publicada por la revista Conjunto (No. 175), Casa de las Américas. Una versión libre de “Noche tan linda” , producida por LugarOtro Estudio Teatral, fue representada a finales de 2015 en la sala de Teatro del Abasto y luego en 2016 y 2017, en la sala Delborde Teatro, en Buenos Aires.

En 2016, presenta la conferencia “Familia, inmigración y escena: teatro hispano de Nueva York” en SUNY New Paltz, NY. Recientemente, en mayo de 2016, su obra Olvidadas es galardonada con el Premio Abniel Marat a la Mejor Obra en FUERZAFest, LGBTQ Latino Festival en Nueva York.
En los actuales momentos, Prepara un proyecto de docencia teatral universitaria, sobre el teatro hispano en Nueva York.

Paralelamente, junto al investigador español, de la Universidad de Granada, Antonio César Morón, elabora un proyecto internacional de estudios universitarios, sobre el teatro hispano. Además, se desempeña como profesor en el City College, Brooklyn College, de la Universidad de la Ciudad de Nueva York –CUNY.

LA GALERÍA DE ARTE NACIONAL
A la GAN se le considera el museo de mayor dimensión construido en Venezuela y uno de los mayores de Latinoamérica. Creada en 1974, la Galería de Arte Nacional abrió sus puertas el 6 de abril de 1976. Su sede definitiva fue diseñada por el arquitecto Carlos Gómez de Llarena. En los espacios de la GAN se salvaguarda el patrimonio plástico nacional, a través de la investigación, conservación, difusión y promoción de las artes visuales de Venezuela.

Desde 2009, en su nueva edificación, se atesora una colección cercana a diez mil doscientas mil obras de diversos autores, géneros y tendencias que incluyen pintura, dibujo, estampa, fotografía, escultura, instalación, video-instalación, cerámica y textil, hitos representativos de nuestra producción artística de más de cuatro siglos.

La labor educativa de la GAN promueve y apoya el contacto del visitante con la obra de arte. Dentro de sus instalaciones funciona el Centro Nacional de Conservación y Restauración Patrimonial (CENCREP) y el Centro de Información y Documentación Nacional de las Artes Plásticas (CINAP).

LAS COORDENADAS
La invitación es para compartir con Pablo García Gámez, dramaturgo, poeta e investigador venezolano, residenciado en Nueva York, quien brindará un taller, desde el jueves 8 al jueves 15 de junio, sobre la Dramaturgia del Acuyá (el sentido de la liminalidad); en la sala expositiva 1, nivel I; ubicada en la Avenida México, entre las estaciones Metro Bellas Artes y Parque Carabobo del Metro de Caracas, frente a Puente Brión, en el llamado circuito cultural de Caracas.

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EXPOSICIÓN "DISIO. NOSTALGIA
DEL FUTURO" | Sala TAC

La Embajada de Italia en Venezuela y el Instituto Italiano de Cultura, en colaboración con la Sala TAC del Trasnocho Cultural y La Caja del Centro Cultural Chacao, tienen el placer de invitarles a la inauguración de la exposición intergeneracional, trasmedia y multicultural Disio. Nostalgia del futuro. La muestra, bajo la curaduría de Antonello Tolve, desea ofrecer un hermanamiento constructivo entre Italia y Venezuela, dos países que presentan algunas confluencias visivas, para dar lugar a una serie de intercambios artísticos que sean la base de una reflexión sobre la fraternidad, sobre las ideas aún por concebir, sobre los dominios de libertad.

La exhibición inaugurará simultáneamente el domingo 4 de junio en los espacios de la Sala TAC (11.00 am) y La Caja (4.00 pm); estará complementada con una muestra de documentación fotográfica que podrá verse en el Instituto Italiano de Cultura (inauguración 05/06 - 5.00 pm).

Disio. Nostalgia del futuro cuenta con el Patrocinio de Cavenit, Vinccler, Trevi, Fundavag – Bagnoni, Ghella, Bulkguasare, Astaldi y Solera, así como con la difusión de Artribune, Arshake, Alfabeta e Insula Europea. Igualmente, prestaron su apoyo las siguientes instituciones: Fundación Museos Nacionales, Galería de Arte Nacional, Museo de Bellas Artes, Fundación, Telefónica de Venezuela, Carmen Araujo Arte, Prometeo Gallery di Ida Pisani (Lucca-Milano), Art In Gallery (Milano).

Félix Suazo
Gerencia Sala TAC
Trasnocho Cultural
T. 9937859

Esta es la concreción de un proyecto que se inició hace un año. Estamos conscientes de la situación que vive nuestro país. En la muestra, Magdalena participa con la pieza 1i017 Megaptera novaeangliae.

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Hasta el 30 de junio
Testimonios fotográficos y visuales
de manifestaciones
conforman exposición
en Galería del Centro
de Arte El Hatillo



Una exposición que refleja la situación vivida en Venezuela durante más de 60 días de acciones de resistencia frente a la política del gobierno, presenta actualmente la Fundación Fenice Larralde en alianza con Vive El Hatillo bajo el título “Manifiesta calle”, con una selección de expresiones en fotografía, pintura, escultura, multimedia, arte sonoro, performance, dibujo y video-arte, que podrán ser apreciadas en la Galería del Centro de Arte El Hatillo hasta el 30 de junio.

Con la curaduría de Carmela Fenice y Larissa Hernández, la muestra reúne un nutrido conjunto de testimonios fotográficos y visuales de 45 fotógrafos, diseñadores, artistas plásticos, reporteros gráficos y creadores espontáneos, como un pequeño homenaje a estos recorridos artísticos forjados desde distintos grupos y en diversos momentos de ese amplio itinerario, según escribe la curadora e investigadora de artes visuales, Lorena González, en el texto de Sala.

“En este tenso caleidoscopio trazan no sólo un breve recuento de lo sucedido desde hace más de dos meses en muchas de las sostenidas manifestaciones que han marcado las calles y el espíritu de todo un país; también nos colocan con entereza, dolor y ahínco frente a la visualización de todo lo que todavía nos falta por recorrer, de todo aquello que hay que sanar, revisar y más aún hacer, por la justicia, la verdad, la democracia y la libertad en Venezuela”, afirma Lorena González.

La muestra cuenta con la participación como invitada especial de la escultora Diana Carvallo, con 3 piezas de su serie Los Guardianes; así como también con la participación especial de Max Provenzano con el performance Lluvia de escombros; del cineasta Hernán Jabes con los cortometrajes Somos Más y Somos Todo. Somos Todos; de los artistas plásticos Carlos Márquez y Alejandro Torrealba; de las artistas visuales Marianela Pérez y Carmela Fenice; de la realizadora multimedia Corina Lipavshky; y del ilustrador y fotógrafo Yonel Hernández, cuya ilustración junto con una fotografía de Naty Lashly conforman la imagen de la muestra.

Completan el cartel de participantes Donaldo Barros, Horacio Siciliano, Angel DeJesús, Fabian Solymar, Guillermo Suárez, Andrea Hernández, Jordi Contreras, Vladimir Marcano, Abraham Tovar, Alberto Velásquez, Alejandro Puro, Andrea Sandoval, Andrés Vásquez, Cristian Sever, Cristóbal Ochoa, Diego González, Eduardo Olivar, Erika Ordos, Esther Contreras, Fabiana Rondón Salas, Gabo Cárdenas, GuettoPhoto, Henry Casalta, Isaac Ruiz, Kevin Villamizar, Leyser Oliveros, Luis Daza, Manifiesta. Comunicación creativa para el cambio, Marisa Iturriza Erminy, Mauricio Dumont, Meraz-Aguilar. Despacho Museográfico, Resistenciaartistica.info, Schwartz Haderach, Skateboardingsound (duo), y Zirumo.

La exposición “Manifiesta calle” se estará exhibiendo hasta el 30 de junio en la Galería del Centro de Arte El Hatillo, ubicado en la calle Bella Vista de El Hatillo. El horario de visita es de martes a viernes de 11 a.m. a 5 p.m., sábados y domingos de 2 a 8 p.m. La entrada es libre.

Cabe destacar que todos los fines de semana se ofrecerán ponencias, performances y actividades especiales que nutrirán la agenda de esta muestra.

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Infancia y deterioro
son la premisa
de la nueva exposición
de Fausto Amundarain
en el MACZUL

Una propuesta sobre los estratos de desgaste en la sociedad desde los iconos infantiles, el arte moderno y contemporáneo, presenta el artista venezolano Fausto Amundarain en la exposición "Desgaste sobreestimulado", que será inaugurada el sábado 24 de junio a las 11 a.m. en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, y permanecerá hasta el 28 de agosto, con la producción de Cerquone Projects y la curaduría del profesor, historiador del arte y museólogo, Gabriel Guevara Jurado.

Bajo la premisa de redimensionar tanto en la escala como en su propia deformación y detalle sus propios dibujos infantiles, Amundarain realiza el trabajo de Liechtenstein en la feminidad y proceso del comic erótico de los años 60, y lo refuerza con la sobre posición de planos desde el papel periódico y fragmentos de aluminio reciclado, "que permiten generar la tendencia sobre la relación de influencia y consumo de la sociedad contemporánea, desgaste cuidadoso y sin ningún ápice de casualidad constituyen composiciones estructuradas de detalles de sus fantasías infantiles y adultas interpuestas", tal y como afirma el curador Gabriel Guevara en el texto que acompaña la muestra.

"Desgaste sobreestimulado" incluye también, entre otras piezas, un remake intelectual sobre la obra Oteriana, de referente directo, que genera una sutileza de interpretación sobre la idea propia del envejecimiento; además de otros iconos infantiles de reflexión psicológica significativa, como un Peter Pan al vuelo en silueta transparencia y desgaste, "como consideración en la importancia de la sociedad contemporánea, desde la angustia sobre la búsqueda en una carrera hacia la eterna juventud", según escribe el curador.

Nacido en Caracas, Fausto Amundarain tuvo desde temprana edad un gran interés por la pintura y el dibujo, que lo llevo a realizar talleres en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y el Museo de Bellas Artes. En 2010 inicia estudios en Administración de Empresas de Diseño en la Universidad Nueva Esparta y en 2011 comienza a trabajar en el taller de arte "Platabanda" en la ciudad de Caracas. En 2014, realiza estudios en The School of Visual Arts, en Nueva York (Estados Unidos), y en 2015 participa en distintas en exposiciones colectivas en Caracas, así como en una individual en la sala alterna Maczul/Kristof, en la ciudad de Maracaibo. En 2016 participa en la colectiva "caos sustentable" en la galería de la UCV, y ese mismo año tiene su primera individual en Caracas en los espacios de Cerquone Projects.

El público podrá apreciar la nueva propuesta artística de Fausto Amundarain, del 24 de junio al 28 de agosto, en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. El horario es de martes a domingo de 10 a.m. a 5 p.m. La entrada es libre.


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En las casas Sotheby's y Christie's
Subastadas obras
de Oswaldo Vigas
en Nueva York

Dos obras del pintor venezolano Oswaldo Vigas alcanzaron la suma de 225.000 dólares en las subastas arte latinoamericano de las casas Sotheby's y Christie's el pasado 25 de mayo en Nueva York.

Objeto blanco, pintura del período constructivista del maestro Vigas, realizada en 1955, fue vendida por 137.500 dólares durante la celebración de la subasta Latin America: Contemporary Art Evening Sale de Sotheby's.

Durante este período de su creación artística, Vigas juega magistralmente con la forma y el color y logra composiciones abstractas estructuradas donde se acentúa la relación entre la línea y el plano, estudio plástico muy bien representado en Objeto blanco.

La otra pieza pictórica puesta a la venta pública fue Personagreste XVII, fechada en 1961, alcanzó los 87.500 dólares en la subasta de Christie's Latin American Art. Esta composición, en formato de 80,5 x 65,5 cm., corresponde a su etapa informal, cuando Vigas transformaba la materia en elemento expresivo y protagónico de la obra, donde la necesidad afectiva del maestro por su tierra, al apego de sus orígenes, se traduce en una pincelada gestual, con fuerte carga expresiva y a la vez violenta.

La presencia de la producción artística de Oswaldo Vigas en las subastas más importantes de Latinoamérica ha sido constante durante los últimos años y sus piezas, en opinión de los más afamados críticos, destacan, al mismo tiempo que obtienen notable reconocimiento por parte de los coleccionistas, lo que se traduce en una indiscutible valorización.

Las subastas anuales de arte latinoamericano celebradas en las reconocidas casas Christie´s y Sotheby's, se han convertido en una importante referencia a la hora de tasar económicamente la producción artística del continente. Los más reconocidos creadores de la escena latina como Diego Rivera, Frida Kahlo, Wilfredo Lam, Rufino Tamayo, Joaquín Torres-García, Fernando Botero, Gego y a ellos se suma Oswaldo Vigas, han modelado el mercado del arte de la región.

Contacto de medios:
Yajaira Núñez Gamboa
(0414) 901.1521 / (0212) 682.7373
Yajairanunez2003@yahoo.com
Yajairanunez2003@gmail.com

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DaliaFerreira

Vivo fuera de mi cuerpo, aún en Venezuela. Mezcla de angustia, amarga impotencia, tristeza, temor... pero al mismo tiempo... Esperanza, orgullo indescriptible de ver a mi bravo pueblo jugándose la vida para salir de esta demencial situación.

Nuestros guerreros de luz: los guapos de la resistencia, las mujeres, las abuelitos, el señor del papagayo, los estudiantes, los enfermos, los dirigentes, los presos políticos, las legiones espirituales de otros planos y todos los civiles caídos, que ahora guían nuestros pasos: Un verdadero Ejército de Paz que obra sobre nuestra Venezuela

Dedico esta obra llamada La Marcha a la poderosa Fe con que nos protegen y fortalecen cada Día las Madres en sus oraciones. Amén.

@DaliaFerreira

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Arte y tiempo en 26 visiones llegan al CCBOD

El pasado y el futuro en el presente es el nombre de la muestra que abre sus puertas en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural BOD. Bajo la temática arte y tiempo, 26 reconocidos artistas plásticos nacionales presentan sus propuestas en esta exhibición concebida hace dos años para celebrar el 25 aniversario del Centro Cultural BOD y celebrar, este año, el 450 aniversario de Caracas. El objetivo principal: recocer la labor de 26 creadores, en favor del patrimonio cultural del país

El Centro Cultural BOD abre las puertas de El pasado y el futuro en el presente, un proyecto que surge, en 2015, como parte de las actividades enmarcadas en el 25 aniversario de la institución, y que este año conmemora los 450 años de la fundación de la capital del país.

Se trata de 26 lenguajes y estéticas distintos, unificados, esencialmente, por una misma temática: arte y tiempo. Dicho punto de partida fue el sugerido por el profesor y asesor gerencial Víctor Guédez, miembro del comité organizador de este proyecto que tuvo como curadora a la doctora en historia del arte Bélgica Rodríguez, quien supervisó el diálogo entre esas propuestas dentro de los 650 metros cuadrados de la Sala de Exposiciones del CCBOD. Tres espacios albergan -además de las 26 propuestas- las reflexiones de cada uno de estos creadores en torno a las mismas, registrados por la lente de Ricardo Gómez Pérez y Ricardo Jiménez (ricar2).

26 miradas
Las piezas tridimensionales de El pasado y el futuro en el presente son: las Mujeres inquietas, de Abigaíl Valera, propuesta basada en la figura arquetípica de la mujer que ha caracterizado la obra del artista; Las montañas blancas, del merideño Franco Contreras, pieza inspirada, como es ya usual, en el entorno natural que signó la estética del autor; Prêt-à-porter, parte del "universo molecular" desarrollado por Nela Ochoa; Pectorales en arcos, punto de encuentro entre el cosmos y la naturaleza, de Víctor Hugo Irazábal; In memoriam, una denuncia sobre el peligro ambiental concebida por Ana María Mazzei; 19ee017, de Magdalena Fernández que tuvo como punto de partida los fenómenos naturales y algunos íconos de las artes modernas que han influenciado su trabajo; Kid at Honorem, la búsqueda de Luis Poleo en el expresionismo alemán; Habitando la sabiduría y la tolerancia, el trabajo de Humberto Cazorla signado por lo divino; Catch as Catch Can, las memorias de la lucha libre en la mente de Carlos Zerpa y sus héroes eternos; Chorrerón, de Isabel Cisneros inspirada en una paradoja del filósofo griego Heráclito que reza que "ningún hombre puede cruzar el mismo río dos veces"; los Multiversos XXV, de Sydia Reyes simbolizan la esperanza de convertir lo imposible en posible; y el Salar de Fuego III, es la recreación que hace Samuel Baroni de su andar por las calles del barrio El Amparo.

Entre los trabajos bidimensionales están: Bailando con Theo y Piet, pieza de Hernán Alvarado dedicada a los maestros del Fox-Trot; Sonora 50. Polarísima, de María Elena Álvarez, una alusión al cúmulo de tiempos que representa la obra de arte, tanto para el que la concibe como para quien la percibe; Estructura a color, de Vicente Antonorsi, un reflejo de su imaginario en la geometría de los volúmenes, la escultura y el diseño industrial, lleno de referencias de diversos maestros en esos oficios; Paul Sérusier como pretexto, El Talismán, de Francisco Bugallo, en el que el artista plasma su reinterpretación de una imagen emblemática de la historia del arte empleando la pintura digital como herramienta tecnológica; Continuo Inmanente, de Pedro Fermín, trabajo inspirado en la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco, de Kazimir Malévich, que busca reflejar el valor del intervalo como símbolo de temporalidad entre dos opuestos; Inexorable, de Felipe Herrera, quien hurga en su memoria los recomienzos de la existencia; Sin título, de Luis Lizardo, expresa el espacio de tiempo entre una creación artística y la otra, Espacial en tres tiempos, de Carlos Medina, la representación de los neutrinos, esencia minúscula de la materia; La niña más mala de la playa, de Miguelángel Meza, un viaje a su propio subconsciente que lo sorprende, frente a un mundo real que define como predecible; Flexonometría, de Luis Millé, inspirado en los halcones peregrinos y la libertad del vacío; No todo el mundo vive en el mismo ahora, de Lourdes Peñaranda, obra compuesta por el dominio objetual y el visual, en 60 relojes y 60 imágenes disímiles; La profilaxia del Guaire, de Jorge Pizzani, que el autor presenta como un epítome del silencio para concebir su obra; y Anacoretas y misántropos, de Adrián Pujol, que representa lo que define como la desconexión del tiempo propia de las imágenes en movimiento.

En palabras de Víctor Guédez, la muestra implicó para estos 26 creadores el desafío de revisar lo que son a partir de su obra en el presente, el conflicto de romper o no con su línea de trabajo vista en perspectiva y la aspiración de la evolución de su discurso desde una visión prospectiva.

Coordenadas:
El pasado y el futuro en el presente abre sus puertas en la Sala de Exposiciones, ubicada en el sótano 1 del Centro Cultural BOD. Su horario es de martes a domingo, entre 11:00am y 5:00pm.


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Fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo sigue cosechando premios
La venezolana
fue premiada
por la International Society of Professional Wedding ISPWP

Caracas; 16 de mayo de 2017.- El trabajo de la fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo es nuevamente premiado, en esta oportunidad ganó la mejor fotografía en la categoría Bride and Groom Portraits (retratos de novios) en la International Society of Professional Wedding ISPWP (Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda). Además logró el noveno lugar en la categoría "Movement un Motion" (Movimiento sin movimiento), el décimo octavo lugar en la categoría "Bride Portrait" (Retrato de novias).

La Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda es una organización que reúne a los mejores fotógrafos de bodas del mundo. Fue creado por los fotógrafos profesionales para elevar los estándares de la profesión de la fotografía de la boda.

Por otra parte, García-Gallo también quedó entre las finalistas al Premio UnionWep 2017 en las categorías "Blanco y negro" y "Sesión de pareja", donde el año pasado fue reconocida como fotógrafa revelación del año UnionWep 2016.

La fotógrafa García Gallo no solo se ha dedicado en la fotografía de bodas, una especialidad que cada año cobra más fuerza y requiere mucho más talento y creatividad de lo que uno podría imaginar, comparte su tiempo con su trabajo artístico personal. En el 2015, fue seleccionada en PHE2015, uno de los festivales de fotografía más importantes del mundo, así como en Slideluck Caracas, y Slideluck Madrid donde ha expuesto sus obras en exposiciones tanto individuales y colectivas.

García-Gallo realizó estudios en el Taller de Fotografía Roberto Mata, en la actualidad vive en Madrid junto a su esposo el director y productor Daniel Ruíz Hueck, donde maneja la exitosa empresa Emotion & Motionque se ha dedicado no solo a hacer bodas en el país donde viven sus integrantes: España y Venezuela, han realizado bodas en Miami, Nueva York, Suiza, Panamá, Dubái, República Dominicana, España y por supuesto Venezuela... este año tienen una apretada agenda en Nueva York, Miami, Paris, Bruselas, Panamá, Barcelona, Madrid y por supuesto Caracas.
Para conocer y ver el trabajo de Marienna García-Gallo puede visitar:

http://www.emotionandmotion.es/
http://www.mariennagarciagallo.com/
https://www.ispwp.com/contests/result/NDI=/ispwp-wedding-photography-contest-results-winter-2017


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Reciente obra de Samuel Baroni llega a Maracay
con muestra ‘Inconcluyente’
en La GAUBA



Luego de 18 años de su última exposición individual, el artista venezolano Samuel Baroni vuelve al ruedo para presentar su reciente propuesta creativa en una muestra titulada “Inconcluyente”, que será inaugurada el miércoles 17 de mayo a las 11 a.m., en la Galería de Arte La GAUBA de la Universidad Bicentenaria de Aragua (UBA), bajo la curaduría de la Directora de Cultura de la UBA Idelisa Rincón y Julia Villasmil.

Considerado como uno de los creadores más prolíferos de nuestro país, Baroni se ha destacado por desarrollar una obra densa, comprometida, diversa y coherente a la vez, que se inscribe en la contemporaneidad a través de su temática o mensaje y sus procesos constructivos, según escribe en el texto de presentación Idelisa Rincón, Directora de Cultura de la UBA y una de las curadoras de la muestra.

“La obra de Baroni se desmarca de los aspectos técnicos del arte tradicional, para indagar de manera atrevida, innovadora, versátil y profundamente honesta en un camino donde se funde la experimentación en el uso de materiales extrapictóricos, con una estética propia muchas veces basadas en la naturaleza y otras tantas en el ser humano y sus relaciones con su entorno
”, señala Rincón.

En esta su nueva exposición, el maestro Samuel Baroni parte de una inquietud que lo acompaña desde sus inicios en las artes, cuando apreció una obra inconclusa de Arturo Michelena y se sintió fascinado por la posibilidad de intervenir esas piezas, y de terminarlas pintándolas, según afirmó en una entrevista realizada por Ana María Zoghbi.

Es así como en esta oportunidad Baroni, además de exhibir piezas de diversos períodos, muestra un conjunto de obras intencionalmente inconclusas, ofreciendo al espectador la posibilidad de participar en la conclusión de las mismas, mediante las experiencias de cada quien.

En un gesto de denuncia, el artista realiza una exposición sobre lo inacabado, lo descarnado, lo desnudo, porque, según sus propias palabras, “el país también está así, destrozado terriblemente, algo nunca visto en la Venezuela contemporánea (…) No quiero ser panfletario, yo no quiero pintar a un policía dándole rolazo a un muchacho. ¡No!. Quiero más bien decirlo de otra manera y esa otra manera es precisamente el drama de lo inacabado”, puntualiza.

Nacido en 1945 en Cúa, estado Miranda, Samuel Baroni posee una amplia trayectoria artística de casi cinco décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Ecuador, y Brasil, además ha realizado ilustraciones para varias publicaciones y escenografías para teatro. Su obra Primera y última carreta (pintura, arena, cemento y fardo acrílico sobre madera, 1987).forma parte de la colección de la GAN.

El público podrá apreciar la obra de este importante exponente de las artes plásticas venezolanas a través de la exposición “Inconcluyente”, que se estará presentando del 17 de mayo al 30 de junio, en la Galería de Arte La GAUBA de la Universidad Bicentenaria de Aragua (UBA), ubicada en la Avenida Universidad, Sector Providencia, Municipio Santiago Mariño, Universidad Bicentenaria de Aragua, Maracay, estado Aragua. El horario es de lunes a viernes de 8:00 am a 12:00 pm y de 1:00 pm hasta las 5:00 p.m. La entrada es libre.

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Patinetas itinerantes llegan al Museo Cruz-Diez
con la muestra 'Trestablas' de Pigmento Criollo

Unas 70 tablas de patinetas intervenidas por artistas y estudiantes de distintas regiones del país, tres murales y una instalación con elementos reciclados urbanos, integran la exposición itinerante "Trestablas", que será inaugurada el sábado 6 de mayo a las 2 p.m. en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, MEDI, donde permanecerá abierta al público durante tres meses.

Con el concepto curatorial del colectivo juvenil Pigmento Criollo, la muestra "Trestablas" abrió su primera edición en abril de 2015 en la sede de la UNEY en Guama, y desde entonces ha recorrido diversos museos en Yaracuy, Lara, Falcón, Mérida y Zulia, donde estudiantes de diseño y artes visuales, artistas consolidados y emergentes se sirven de las técnicas propias de la pintura y el fanzine como elemento esencial en la transformación y embellecimiento de patinetas en desuso.

Ahora se presenta en Caracas, con un montaje enfocado en representar y hacer referencia a la calle, donde elementos urbanos reciclados se conjugan evidenciando rastros de metrópolis.

Pintores, ilustradores, diseñadores y artistas urbanos participan en este proyecto plasmando sus obras sobre la superficie de tablas de patineta, entre ellos Santiago Pol, Marc Flallo, Gregorio Siem, Ricardo Benaim, Ángel Milla, Mariana Sellanes, Andreína Acero, Fausto Amundaraín, Johann Avendaño, Abraham Rosales, y muchos más.

"De las calles a la basura y de ahí a los museos. En un mundo donde los objetos sobran y son descartados sin piedad, Pigmento Criollo asume el diseño sostenible como una alternativa para la creación de un proyecto cultural que vincula el arte, la ocupación de espacios y la transformación. El contexto obsequia los materiales para llenar el mundo de nuevas formas y cambiar la realidad", afirma Oscar Zambrano en el texto que acompaña la muestra.

La exposición itinerante "Trestablas" podrá ser apreciada durante tres meses a partir del 6 de mayo, en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, ubicado en la avenida. Bolívar, entre calle Sur 11 y avenida Este 8, Paseo Vargas, Caracas. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados, domingos y feriados de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre.


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Artistas venezolanos
Toña Vegas y Tony Vázquez-Figueroa
exponen en Nueva York

Los artistas venezolanos Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa se encuentran exhibiendo actualmente en la ciudad de Nueva York (USA), un trabajo en conjunto que bajo el título “Inventory /Takes” ocupa los espacios del centro cultural The Clemente, con sendas propuestas artísticas en torno al concepto de “Inventario”, cada una desde una perspectiva diferente.

En esta muestra, de acuerdo a la curadora Lorena González, los artistas han unido sus investigaciones y “han construido a lo largo de sus procesos creativos una obra comprometida con el establecimiento de diálogos y relecturas que surgen como contrapunto visual frente a las problemáticas de la efervescente materia cotidiana que nos rodea”.

Toña Vegas presenta, según ella misma explica, una propuesta conformada por dos series –Transmigración, obras en mixed media impresas sobre papel, y Ser dignos del olor del pan, obras en óleo y cera sobre tela.

Para Vegas, cada uno de los seres humanos crea un tejido propio, orgánico y sutil, que a su vez se relaciona con el tejido de los otros. “Podría decir que mi propuesta es una de esas formas de ‘precipitación’ de tejido sutil en obra. Considero mi trabajo como una obra poética que conjuga forma y contenido. Es contundente visualmente y a la vez está formado por capas de contenidos (tejidos) que se entrelazan entre espacios móviles generados por la magia del color”.

En la serie Transmigración, construye espacios a través del color y la asociación sensible de las imágenes fotográficas, que provienen de su observación, del contacto con obras de otros artistas, siempre en forma oblicua, y de la mirada atenta de lo que le rodea; mientras que en la serie de óleos Ser dignos del olor del pan, expone su vivencia de la situación actual venezolana en relación a la gran escasez, “no sólo desde el punto de vista de la alimentación física, sino de la dignidad humana esencial que significa la acción de percibir el olor del pan (hecho cultural y espiritual fundacional de lo humano)”, expresa la artista.

“Visualmente, la serie de los óleos se desprende de la serie Transmigración: así como las imágenes fotográficas en esa serie han sido tomadas en forma oblicua, las imágenes de esta serie de óleos son extractos frontales de las anteriores, logrando un macro de zonas significativas, pero siempre interceptadas por una especie de veladura que contiene símbolos del paquete de harina PAN, nuestro pan”.

Por su parte, Tony Vázquez–Figueroa presenta, según explica la curadora Lorena González, una serie titulada Des-abasto, conformada por más de cien objetos hechos de resinas que representan los alimentos y medicinas que escasean en Venezuela, pequeñas esculturas de la memoria selladas por la impronta química, que desaparecerán con la acción del tiempo dentro del espacio expositivo.

Asimismo, exhibe en paralelo un conjunto de doce fotografías que registran la acción performática de los componentes como metáfora viva de lo real. A juicio de la curadora, “en sus otras series la apuesta se extiende hacia la permanencia de estos mismos objetos, encapsulándolos en museográficas cajas de acrílico o consolidándolos a través del trabajo en concreto, gesto escultórico donde ese archivo vital salta de su categoría de deseado objeto de uso a petrificado objeto museable”.

En “Inventory/Takes” Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa “transitan al borde de paradojas que se acentúan gracias a la oscura veta de los últimos acontecimientos vividos en la insondable crisis política, económica, social y humana de la Venezuela reciente. Es así como desde la pintura, la fotografía, la instalación y la escultura, sus líneas de trabajo se engranan en el espacio expositivo, levantando ante al espectador un inventario de cercanías y distancias, tachaduras y reveses, encuentros y desencuentros, olvidos y apariciones de un paradigma social que aún no ha podido encontrar respuestas frente a los vibrantes vacíos de este contradictorio nuevo siglo”, afirma Lorena González.

Esta exposición en la ciudad de Nueva York, que por la calidad y por el número de obras es una individual en tándem, constituye la primera de una serie de exposiciones que paralelamente estará realizando Toña Vegas por las ciudades de Miami y Los Ángeles durante el 2016 y el 2017.

tonyavegasofficial.com
T +1 929208 8844

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