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III Festival Internacional de Video Arte NodoCCS se exhibe en Cerquone Projects

Con un total de 26 propuestas de más de 20 países, se llevará a cabo la tercera edición del Festival Internacional de Video Arte nodoCCS, este sábado 21 de octubre de 4 a 10 p.m., en los espacios de Cerquone Projects, en La Castellana, con entrada libre.

Organizado por la plataforma nodoCCS, conjuntamente con Cerquone Projects, este festival reúne una selección de piezas de artistas emergentes de distintas partes del mundo, seleccionados por un jurado internacional a partir de una convocatoria abierta realizada a través de la página web www.nodoccs.com , una plataforma multidisciplinar dedicada a la investigación, presentación y formación en las prácticas artísticas contemporáneas que dirige Maria Bilbao•Herrera.

Kiari Bastardo (Venezuela), Julien Mondon (Francia), Mauricio Sanhueza (Perú), Abraham Araujo Díaz (Venezuela), Andrés Rodríguez Decena (Venezuela), Carol Costa (Brasil), Rick Niebe (Italia), Jack Williams (UK), Rachel Cosic and Zlatko Cosic (USA/Yugoslavia), Thomas Kyhn Rovsing Hjørnet (Dinamarca), Jamie Walters Kessler (USA), Naomi Moser (USA), Karou Calamy (Irán), Benna G. Maris (Bélgica), Zuza Banasinska (Polonia), Melissa Little (Australia), Valerio Figuccio (Italia), Monika Czyzyk (Polonia), Marcantonio Lunardi (Italia), Andrew J Burford (Sur Africa), Natalia Magdaleno López y Luis Gutiérrez Arias (México/Cuba), Shivkumar K V (India), Eleonora Manca (Italia), claRa apaRicio yoldi (España), Avdi Hajdari -KAME (Kosovo) y Mohammad Heikal (Indonesia), son los artistas que participan en la tercera edición de este encuentro, uno de los eventos que nodoCCS ofrece como una alternativa orientada a profundizar de manera colectiva el quehacer artístico.

El público podrá asistir a esta cita de video arte internacional de artistas emergentes, libre de temática, en la que se ofrecerá una mirada plural de las diversas e interesantes propuestas del video-artista contemporáneo, dentro y fuera de nuestras fronteras. La presente edición estará musicalizada por Federico Blank aka Orden Zerep (Kremadelik) y Bernardo Risquez.

La cita es para el sábado 21 de octubre de 4 a 10 p.m., en la sede de Cerquone Projects, ubicada en el final de la avenida San Felipe, Quinta 117, La Castellana, Caracas. La entrada es gratis.

Para más información: | www.nodoccs.com | hello@nodoccs.com | @nodoccs | nodoccs

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Muestra Colectiva Apóstrofe exhibe obra
de seis jóvenes artistas en la galería ABRA

Este domingo 22 de octubre de 2017 a las 11 a.m., la galería ABRA inaugurará la muestra colectiva APÓSTROFE, en su sede ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, donde se mostrarán pinturas y esculturas de los jóvenes artistas Jhonathan de Aguiar, Hecdwin Carreño, María Niño, Álvaro Paz,  Fabio Rincones y Matías Toro.

Como apunta Thelma Carvallo en el texto de sala de la exposición, en el caso de los creadores que forman parte de APÓSTROFE, la elaboración de temas e ideas contundentes erosiona conscientemente la prevalencia de lo estético —puesto en práctica mediante técnicas y procedimientos virtuosos, por no decir académicos— sin abandonarlo por completo. Los jóvenes artistas, todos nacidos a finales de la década de los ochenta en distintos puntos de la geografía nacional, se valen de un repertorio técnico extenso para implosionarlo y trascenderlo mediante la ironía y la descontextualización. 

Jhonathan de Aguiar parte de un repertorio íntimo, emocional, visceral y hedonista para representar —con la resonancia vibrante de Francis Bacon—, la vida cotidiana contemporánea en su acepción dramática y escatológica.

Hecdwin Carreño ha elaborado una propuesta sobre el viejo tema del retrato a partir de lo digital. En la acción pictórica, el artista oculta, descompone o modifica facciones, para reescribir mínimas narrativas visuales del sujeto retratado.

María Niño, hurga en el ámbito privado a través de representaciones propicias a la sanción y la censura, inmersas en la doble moral que la sociedad occidental ha promulgado a lo largo de la historia. La ejecución de sus obras nos recuerda a Lucien Freud (y a Sigmund, en las profundidades) e introduce un elemento voyeur, describiendo rasgos que pudieran resultar parafílicos en el campo de la psiquiatría, pero que en la percepción final cuando la artista incorpora una frase sutil, suscita un desenlace lúdico y amoroso.

Álvaro Paz con su manejo pictorialista del dibujo viste de resonancias del Courbet más afrancesado una serie de aves de un gallinero. En su representación, el trabajo de la línea y el color aunque con destellos de la pintura europea del XIX, nos retrotrae al contexto político local, incluyendo solapadamente las ideologías que lo sustentan, mediante las frases o vocablos que acompañan estos dibujos.

Fabio Rincones se adentra en la entropía, que según su origen griego significa transformación, giro, vuelta o evolución. Esta idea vinculada al estudio de la física permite a Rincones integrar el cuerpo humano fragmentado a construcciones aparentemente primarias como el muro, suscitando la tensión orden-caos.

Matías Toro incursiona en el ámbito de la imagen fotográfica captando escenas urbanas en movimiento. Sobre los procesos y mecanismos de reproducción, interpreta, reelabora y finalmente distorsiona el registro automático mediante el proceso manual de la pintura.  Existe al final el espacio de la duda sobre un proceso técnico ya puesto en entredicho, como una forma de darle valor a lo fraudulento y deslegitimizar sutilmente el carácter académico de la práctica pictórica.

La exposición colectiva “Apóstrofe” se estará presentando del 22 de octubre al   , en la galería ABRA , ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, aveneida Ávila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas. El horario es de   . La entrada es libre.

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OBRAS DE MAGALY OTAOLA
PROTAGONIZAN EXPOSICIÓN
EN LOS GALPONES



Una muestra individual de Magaly Otaola, se inaugurará bajo el título “Contrast Emotion”, el sábado 14 de octubre a las 11 a.m. en el galpón G17 del Centro de Arte Los Galpones, donde la artista busca apropiarse de los espacios más íntimos del ser humano con una serie de fotografías, collages y dibujos que llegan a la abstracción, sirviéndose de costuras que se tejen sobre el papel y el lienzo para comunicar lo oculto y lo visible.

La apropiación del espacio y la comunicación de las ideas que forman parte de su psique son el punto de partida de Otaola en esta exposición, donde convierte su obsesión por el estímulo permanente de los espacios cerrados, en el recurso fundamental de su investigación, según se desprende del texto de presentación del curador, historiador de arte y museólogo, Gabriel Guevara Jurado.
Cuatro líneas de investigación le permiten a la artista desarrollar una obra sobre fotografías en? pliegos completos de papel, grabados collages, telas intervenidas y una video instalación para mostrar las vulnerabilidades de los vestidores, ese espacio íntimo y solitario.

En “Contrast Emotion”, la idea del espacio fotografiado dibuja la intención de Magaly Otaola? hacia la pertenencia, así como su manera de observar a su alrededor. Los vestidores son mecanismos de interacción con lo íntimo, y en tal sentido la artista analiza estos espacios, los fotografía y los fragmenta, proyectando la sensación que arroja el estar solo en un reflejo total del cuerpo y su desnudez tanto física como cerebral, tal y como expresa en su texto Guevara Jurado.

“Esos estímulos los convierte en su concepto interviniendo sus imágenes y generando de igual forma grabados, collages y dibujos que llegan a la abstracción pura minimalista por medio de costuras que en el papel y la tela comunican las emociones más profundas o permeables”.

Entre las obras que conforman la muestra se incluyen un registro visual en blanco y negro intervenidas; una serie de pliegos de papel que presentan costuras creando perspectivas secuenciales; además de? grabados y collages; y una video instalación de escultura en madera y cuerdas de nylon extensibles, que crean un ?recorrido en el espectador por medio de tensiones espaciales e ideas de monitoreo científico del cuerpo descontextualizado, según explica el curador.

Nacida en Caracas, Magaly Otaola posee estudios de dibujo y color, diseño gráfico, fotografía, pintura, escultura y grabado. A lo largo de más de dos décadas ha exhibido su trabajo en diversas galerías, espacios y ferias de arte del país, además de exponer en España, Estados Unidos, China? y Alemania. La presente muestra es su cuarta individual que la ha llevado a exponer en importantes galerías de otros países, como la Galería Gaudí, en Madrid, y próximamente asistirá a una feria de arte en Bruselas, con este proyecto.

La exposición “Contrast Emotion” de Magaly Otaola se estará presentando desde el 14 de octubre hasta mediados de noviembre, en la Galpón G17 del Centro de Arte Los Galpones, que se encuentra ubicado en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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Este martes 10 de octubre a las 4:00pm se realizará la 2da sesión de #CicloDeEncuentros con los artistas de la exposición "El pasado y el Futuro en el Presente" en la Sala de Exposiciones del #CCBOD. ¡Entrada libre!

Para esta 2da sesión contaremos con la presencia de: Pedro Fermín, Carlos Zerpa y Jorge Pizzani, acompañados por Edgar Sánchez como moderadora: Bélgica Rodríguez.

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40 obras se presentarán en la 36 Edición del Salón de Pintura de Girardot.

Tras un largo y arduo día de trabajo, finalmente el jurado de admisión de la 36 edición del Salón Municipal de Pintura de la Alcaldía de Girardot, escogió el grupo de obras que serán presentadas en la exposición final donde darán a conocer los ganadores de tan importante evento en la entidad aragüeña.

El grupo final se redujo a 40 obras, de entre más de 250 piezas que fueron enviadas por artistas de todo el país, quienes conscientes de la importancia de este salón, que es uno de los pocos que se ha mantenido de manera ininterrumpida sirviendo como una ventana para el arte en Venezuela, enviaron sus obras.

El jurado integrado por los licenciados en Artes e Investigadores, Ana María Soghbi y Luis Miguel Rodríguez y la licenciada en Letras, Maricanchi Jaimes, de forma muy rigurosa y evaluando los diversos lenguajes artísticos, técnicos y reglamentarios establecidos para la participación, se decantaron por estas 4 decenas de obras, las cuales a su juicio reúnen todos los requisitos para formar parte de esta importante confrontación de las artes de carácter nacional.

En el proceso que se realizó el pasado domingo primero de octubre, se contó con la presencia del artista homenajeado, Eduardo Barcenas, quien compartió unos minutos con el jurado antes de que estos hicieran la selección, también estuvo presente el licenciado José Marcano, director del Despacho de la Alcaldía, el Informador de la Galería, Ángel Félix y el Ingeniero, Andrés Álvarez, coordinador de la Galería Municipal de Arte, quien fue el encargado de organizar esta actividad.

El Salón Municipal de Pintura de Girardot, sigue siendo uno de los principales espacios donde el arte en Maracay tiene representación, y es por ello que el Alcalde, Pedro Bastidas, decidió incrementar el monto de los premios en metálico, como un incentivo a todo el conglomerado de artistas, jóvenes, noveles, y con trayectoria que están participando en esta trigésima sexta edición.

En este sentido, el Gran Premio Municipal de Pintura se estableció en UN MILLÓN de bolívares, el Premio Arte Joven, ascendió a 750 mil bolívares, Premio Aquiles Nazoa será de 500 mil bolívares y el Premio Ciudad de Maracay quedó en 350 mil bolívares. Las piezas ganadoras son de carácter adquisitivo y pasan a formar parte de la colección de la Galería Municipal de Arte.

El grupo de artistas de todo el territorio nacional que se disputarán las premiaciones en estas cuatro categorías son los siguientes: Juan Andara (Prepona), Ramón Belisario (Helps), Benito Betancourt (Umbrales de Aurora), Douglas David Blanco (Cerebros lavados), Cándido Borges (Mundo perdido), Rodrimar Carapaica (Flores para mi maestro), Miguel Ángel Castro (Silencio y lectura), Alberto Salvador Colantoni (Cerezas), Bárbara Colmenares (Reencuentro de Juanes en nuestras playas), Eduit Colmenares (De la Serie Un bosque para duendes), Fernando Correa (Hombres de la sal),Giovanni Escala Cardozo (Ojo de lagarto), Félix Saúl Fernández (Que comience el juego), Asdrúbal Figueroa (Triádica II), Luis Alberto Galindez López (Abalú), Alonso Antonio Galué (AF-ARI),Víctor García Avellaneda (Melodía de las tripas), José Guacache (Sin Título. De la Serie Huella Urbana), Orlando Guerra (Serie Fósile Memoria del Caribe), Heller Darío Hernández (De los proscritos caprichos), Pedro Hernández (Canis maior), Raúl Herrera (Sin título. De la serie Aglomerados urbanos), Hendrik Hidalgo (De la Serie Divinidades el crepúsculo de los dioses), Jonhatan López (Blanco y negro), Hugo Mariño (Pared III), José Argelio Martínez (Peregrino),Leonel Alberto Medina (Génesis del homo sapiens), José Moret (Deseo urgente), Judith Parra (Sin título), Eduardo Pinto (Sondria), Francisco Pinto (Black & White: raza y racismo), Piedad Rangel (Negras cumbá-cumbá), Franklin Rodríguez (Guerra en Base Aragua), Luis Ramón Romero (Carrera de bicicletas), Miguel Sangrona (Crecen mis alas), Shuster & Zajac (Bájenlo), Alejandro Miguel Torrealba (Disputa y debate), Arvillache Villafranca (El destino de verse en su propio olvido, fragmentado con su conflicto), Luisetta Vozza (Refugio verde) e Ignacio Zambrano (Sobreviviendo ante las amenazas de existencia).

Finalmente, les invitamos a la inauguración de esta gran fiesta de las artes que se realizará el domingo 29 de octubre a las once de la mañana en la Galería Municipal de Arte, ubicada en la planta baja de la Alcaldía de Girardot.

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Sara Valero Zelwer inaugura Los Espacios Cálidos



El jueves 05 de octubre, Sara Valero Zelwer inaugurará “Los Espacios Cálidos” en Oficina Proyectista, lugar que se dedica a la experimentación, producción y difusión de proyectos en Buenos Aires, Argentina.

Valero Zelwer desde los 15 años estuvo esperando el material de archivo de su padre Armando Valero, fotógrafo y cineasta, quien además trabajó por mucho tiempo junto a personajes de gran resonancia como Haydee Ascanio, Marilda Vera y Eduardo Barberena.

Armando Valero fallece en el año 1993, cuando Sara apenas tenía 7 años; dejando atrás una cantidad de negativos de todo tipo dado que trabajó por muchos años en El Diario de Caracas. El archivo también incluye fotos personales, donde la artista es la protagonista.

Ahora, Sara como artista contemporánea nos deleitará con un ensayo sobre la orfandad, término que ella describe “como la falta de padre y patria”; sentimiento que mantiene muy presente y describe como la sensación de no tener cobijo o falta de tierra propia. Ella vive hace 6 años en Buenos Aires y junto a la fotógrafa argentina Liliana Contrera, decidió aprender sobre el revelado analógico para generar nuevas imágenes.

En este ensayo, Sara se une a muchos profesionales reconocidos que decidieron aportar una parte de su talento para hacer de esta obra artística un espacio que los lleve a viajar en el tiempo. Personalidades como Joel Martínez, músico de larga trayectoria acompañará estas imágenes con una pieza sonora que posee el mismo nombre de la muestra, intensificando las emociones que evoca la producción. Por su parte, Gustavo Valle, laureado escritor venezolano el cual está a cargo del escrito que acompaña el proyecto.

La muestra estará disponible hasta el viernes 27 de octubre en la Oficina Proyectista. En palabras de Gustavo Valle, sobre la muestra: Los Espacios Cálidos, la que fuera una de las salas de arte más emblemáticas de la ciudad de Caracas debe su nombre al gran poema de Vicente Gerbasi. La niña rubia que deambulaba por esos lugares y que hoy nos regala estos cálidos fotogramas parece decirnos como Gerbasi:

…Veo mi infancia avanzar
hacia una distancia malva donde vuelan los cuervos.

Si desean información adicional, pueden seguir a Sara en @saravalerozelwer.

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Fundación Espacio promueve 'CCScity450'
para conmemorar los 450 años de Caracas

Concursos de intervenciones urbanas, recorridos peatonales por Caracas y eventos de activación del espacio público, conforman la agenda de actividades orientadas a exaltar la historia de la ciudad y sus tradiciones arquitectónicas.
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Fundación Espacio en alianza con la Universidad Simón Bolívar y la Universidad Central de Venezuela, llevará a cabo una amplia programación para conmemorar los 450 años de Caracas, entre el 3 de octubre y el 09 de diciembre de 2017, que bajo el título CCScity450, tiene el propósito de plantear una reflexión sobre el espacio público a partir de una selección de importantes obras diseñadas por arquitectos o artistas norteamericanos en colaboración con profesionales venezolanos, que provocaron notables transformaciones en la arquitectura y el urbanismo de la ciudad.

El proyecto CCScity450, ideado por Fundación Espacio en su 10° aniversario con la colaboración de diferentes alcaldías del área metropolitana, así como de una serie de instituciones públicas y privadas, es producto de un trabajo de investigación dirigido por Aliz Mena y Franco Micucci, miembros fundadores de Fundación Espacio, profesores de la Universidad Simón Bolívar; junto a María Isabel Peña, miembro asociado y profesora de la Universidad Central de Venezuela.

La programación arrancará el 3 de octubre con la convocatoria para la inscripción, a través de a página www.CCScity450.com.ve, de una serie de concursos de proyectos participativos en el espacio público en diez sectores de la ciudad, con premios en efectivo (40 millones de bolívares) a las diez mejores propuestas y el financiamiento para la ejecución de tres obras (de aproximadamente 200 millones de bolívares cada una).

El proyecto CcsCity450 incluye dentro de su agenda de actividades una serie de siete recorridos urbanos, tres de reconocimiento paisajístico y dos eventos de activación del espacio público, del 14 de octubre al 11 de diciembre, todo ello en el entorno de edificaciones con valor patrimonial, conjuntos urbanos, obras de arte y proyectos, desarrollados en Caracas desde 1925 hasta la actualidad.

Cabe destacar que la página web, www.CCScity450.com.ve, además de funcionar como una biblioteca virtual de acceso público a toda la información documental e histórica de las obras seleccionadas, permitirá consultar información sobre las actividades, recorridos, eventos y concursos.

Las inscripciones para los concursos, eventos y recorridos son gratuitas y deberán realizarse a través de su registro en la página web www.CCScity450.com.ve.

Convocatoria a los concursos de intervención en el espacio público

Uno de los principales ejes de CCScity450 es la convocatoria a concurso para presentar propuestas de intervenciones de urbanismo táctico, temporales y/o efímeras en diez lugares emblemáticos de la ciudad, dirigida a grupos organizados representativos de distintas disciplinas, profesiones u oficios, y estudiantes capaces de abordar planteamientos de ciudad referidos al tema del espacio público en Caracas, en los que debe existir al menos un profesional responsable en el país, entre los miembros del equipo.

Los lugares de intervención están conformados a partir de la construcción de un imaginario de diez sectores de ciudad que permiten caracterizarlos de manera reconocible: S01 Ciudad Histórica (Plaza O'Leary / Avenida Urdaneta), S02 Ciudad Montaña (San Bernardino), S03 Ciudad Hospitalaria (Avenida Andrés Bello), S04 Ciudad Universitaria (Ciudad Universitaria / Los Chaguaramos), S05 Ciudad Recreativa (Bello Monte / Sabana Grande), S06 Ciudad Río (Las Mercedes / Chuao), S07 Ciudad Jardín (Altamira / La Floresta), S08 Ciudad Industrial (Los Cortijos), S09 Ciudad Deportiva (La Rinconada / Las Mayas) y S10 Ciudad Verde (Chacaíto / Caracas Country Club).

Cada equipo de participantes puede inscribirse hasta en tres (3) de estos sectores de la ciudad, los cuales han sido agrupados de acuerdo a una serie de atributos o características diferenciadas tanto de localización, como de actividades y condición urbana, con el objetivo de debatir ideas sobre la ciudad, su condición actual y su proyección hacia el futuro cercano.

Evaluadas a partir de cuatro dimensiones -arquitectónica y urbanística, artística o de diseño industrial, ambiental y paisajística, y socio-cultural- las ideas o propuestas ganadoras serán seleccionadas de acuerdo a su relevancia y factibilidad para su implementación, por un jurado integrado por 7 miembros principales y sus respectivos suplentes, en el que se incluye la presencia de un representante de la Alcaldía del Municipio correspondiente y un representante de la Asociación de Vecinos o Comunidad de cada lugar de intervención.

Por cada sector o lugar propuesto se escogerá un semifinalista según lo indique el jurado calificador, pudiendo dejar desierto lugares o categorías de premiación. A cada semifinalista se le otorgará un premio de 40.000.000,00 Bs (Cuarenta millones de bolívares) como reconocimiento al valor intelectual de las ideas propuestas. Asimismo, el jurado seleccionará tres propuestas de los diez trabajos semifinalistas, como ganadores del financiamiento para su ejecución por un monto de hasta 200 millones de bolívares (Doscientos millones de bolívares).

El período de inscripciones para estos concursos será del 03 de octubre al 19 de noviembre de 2017, y se realizará a través de la página web www.CCScity450.com.ve, mientras que la entrega de propuestas será hasta el día martes 21 de noviembre (incluido).

Recorriendo el valor urbano y arquitectónico de la ciudad

Además de los concursos participativos de intervenciones urbanas, CCScity450 incluye en su agenda de actividades una serie de recorridos y eventos gratuitos, entre el 14 de octubre y el 09 de diciembre de 2017, abiertos a todo público a través de un registro por la página web, que ofrecerán la oportunidad de descubrir lugares emblemáticos de Caracas a partir del reconocimiento del valor urbano, arquitectónico y temporal de sectores, edificaciones y espacios públicos de la ciudad, entendiendo la transformación urbana y social de la ciudad y sus condiciones actuales.

De igual forma, los participantes podrán realizar un registro fotográfico a través de sus cuentas de Instagram para su divulgación utilizando la etiqueta #CCScity450. Una selección de esas imágenes serán publicadas tanto en la cuenta de Instagram del proyecto @CCScity450, como en una sección de la página web diseñada especialmente para publicar las mejores imágenes que serán destacadas y que participarán en un concurso de fotografías.

Para mayor información sobre el proyecto, visitar la página web www.CCScity450.com.ve, seguir la cuenta @CCScity450 en las redes sociales (Instagram, Twitter y Facebook), o escribir al correo electrónico CCScity450@gmail.com


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Rafael Arteaga recrea objetos cotidianos desde la memoria en la Galería Espacios de El Rosal



El tema de la memoria es abordado una vez más en la nueva propuesta artística de Rafael Arteaga, que bajo el título “Memorabilis” será exhibida desde el próximo sábado 7 de octubre a las 11 a.m., en la sede de la Galería Espacios ubicada en The Hotel (El Rosal), donde podrá ser visitada hasta el 26 de noviembre.

Rafael Arteaga es un creador ubicado entre temporalidades encontradas. “Un artista joven que parte de la imaginación y del Divino oficio de la pintura, propiciando procesos dialógicos entre el pasado y el presente, sin ningún viso de nostalgia, relativizando el tiempo, convocando la memoria involuntaria, la de Proust y por extensión la de Bergson”, según expresa la curadora e investigadora de artes visuales, Marianella Guevara, en el texto que acompaña la muestra.

El artista “revisa, reelabora, se reapropia y transforma un objeto cotidiano incorporado en los tuétanos de la cultura mediática y la tradición contemporánea. Arqueología contemporánea en el que Arteaga resemantiza algunos alimentos de la cesta básica y los pone a dialogar con objetos que son cotidianos, pero que también se han mutado en extraordinarios en la actualidad nacional, como es el caso de un simple litro de aceite comestible, una caja de Zucaritas o un paquete de Harina Pan”.

Con una clara influencia dentro de la investigación de su pintura, al hecho de haber ejercido labores de restauración en frescos y murales del siglo XIX y de la colonia venezolana, las telas de Arteaga llevan capas de colores superpuestas, que en la gran mayoría de los casos simulan la condición de obras inconclusas, con un chorreado hecho ex profeso, en el que deja constancia de un recurso lúdico que refleja el goteo del tiempo, mostrando la imagen en su proceso de desdibujamiento, según explica la curadora.

Bolsas que trastocan su funcionalidad y adquieren un valor pictórico por sí mismas, un objeto artístico que lleva por título Pasaporte, discos de vinil,cartones de huevos y una imagen de Francisco de Miranda, son algunas de las obras que se pueden observar en la muestra “Memorabilis” de Rafael Arteaga (Caracas, 1986), artista emergente caracterizado por su discurso lleno de humor e ironía, quien inició su carrera expositiva en 2012 y desde entonces ha exhibido su obra en Venezuela, Estados Unidos, Alemania e Italia.

La exposición “Memorabilis” de Rafael Arteaga se estará exhibiendo del 7 de octubre al 26 de noviembre, en la Galería Espacios, ubicada en The Hotel, en la calle Mohedano de El Rosal, en horario de 10 a.m. a 1 p.m. y de 2 a 7 p.m., sábados de 9 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.

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UN IMAGINARIO A PARTIR DE LAS TELAS
TRAE ABRAHAM ROSALES A CERQUONE PROJECTS



Retazos y acumulaciones de telas le permiten crear un universo de imágenes y formas abstractas al joven artista Abraham Rosales en su primera muestra individual en Caracas, que bajo el título de Imaginario se exhibe a partir de este sábado 7 de octubre a las 2:00 p.m., en los espacios de Cerquone Projects en La Castellana.

Vinculado desde pequeño con fábricas y talleres de costura, acumulaciones de rollos de telas y multiplicidad de texturas y colores que lo llevaron a manejar una impronta que hoy convierte en obra artística, Abraham Rosales presenta una exposición bastante nostálgica, según el mismo afirma. "Se trata de ir al pasado buscando recuperar sensaciones. Realzando los elementos que me marcaron. Tomando de ellos ciertos atributos e incluyéndolos a mi obra más reciente”.

Conformada por constelaciones, universos de puntos desplegados en círculos de telas, formas orgánicas y la simetría de los bastidores, la muestra consta de 4 instalaciones y 12 obras que abordan todas estas investigaciones e inquietudes acerca de lo vivido por años en la fábrica de ropa familiar. La primera instalación consta de 250 kilos de telas apiladas

“Estas acumulaciones eran lo más llamativo para mí al entrar en una fábrica, debido a mi estatura, parecían montañas que podía escalar. Eran épocas muy buenas para la producción textil, se generaba muchísimo material de retazos que se iban apilando para luego ser botados. La manera en que se apilaban y su forma iba mutando a través de los días y convirtiéndose cada vez en un cuerpo más volumétrico, me llevó a descubrir formas imaginarias orgánicas que se van dando de manera espontánea y con el tiempo introduje esto a mi obra”, expresa el artista.

La segunda instalación son los DOTS, una constelación hecha con 1500 puntos de tela cuyos colores se unen por las formas, especies de espirales que van desplegando sus tonalidades, acumulándose muchas de ellas en paredes y otros con escasez de ellos en el espacio. Es una recreación de su imaginario infantil donde “lo real de las telas y las líneas, lo transformaba en mi cabeza en espirales infinitas de colores contrastantes. Cada pieza flotando busca generar movimientos espontáneos e invitan a crear imágenes uniendo los puntos”.

En la Sala 2 de Cerquone Projects, en La Castellana, el artista Abraham Rosales exhibe una serie de listones con telas tensadas, muchas de ellas coleccionadas en el tiempo, donde el color, la textura y el estampado generan un contraste visual, además de bastidores serigraficos manipulados por la producción textil.

“El contraste que se genera entre ellas, permite realizar composiciones si se quiere muy pictóricas y con mucho contenido visual. Usar la línea como soporte es fundamental, su forma repetitiva genera ritmos a través de la conformación necesaria de un binomio como la línea y el color”, expresa el joven artista.

Abraham Rosales (Caracas, 1993), profesional del diseño y la serigrafía, ha exhibido su obra desde el 2009 en una serie de muestras individuales y colectivas en Venezuela y Madrid.

La muestra Imaginario podrá verse desde el 7de octubre hasta el 18 de noviembre en Cerquone Projects, final Av., San Felipe quinta 117, La Castellana. La entrada es libre

Imaginario - Abraham Rosales
12 obras
4 instalaciones
Museografia: Cerquone Projects

Emile Massieu
+58 4141560932
@emilemassieu

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La geometría sagrada
de Sandra Betancort
toma los espacios
de Siete al cubo
en Los Galpones



Las imágenes y los colores producidos por el fenómeno de la reflexión de la luz sobre los espejos, son el punto de partida de la propuesta artística que presentará Sandra Betancort en su muestra individual "Un punto, un mundo", la cual será inaugurada el sábado 30 de septiembre con un evento de 11 a.m. a 6 p.m., en la galería del espacio Siete al cubo del Centro de Arte Los Galpones, y permanecerá abierta al público hasta el 5 de noviembre.

Caracterizada por la búsqueda incesante de trasladar al lienzo la luz y la alteración que ejerce la intensidad luminosa en los colores, la obra de Sandra Betancort, según sus propias palabras, expresa un concepto hecho con un fuerte sentido de espiritualidad y sensibilidad, tratando de crear un contexto visual en armonía y equilibrio con el espacio.

Como en una suerte de caleidoscopio, las formas en repetición de la Geometría Sagrada son plasmadas por la artista en cada una de sus obras, donde éstas suelen partir de un punto focal, rayo o haz de luz, que se va dispersando o descomponiendo como si pasara por un prisma.

Betancort descompone la luz blanca en los colores que refleja, mostrando un trabajo completamente abstracto que se distingue por su constante movimiento, energía, colores resplandecientes que generan ritmo y la sucesión de imágenes creadas por los rayos de luz.

Según expresan las curadoras que dirigen el Despacho Museogáfico, Rose Marie Aguilar y Pamela Meraz, esta creadora "se sirve de las formas básicas existentes para representar plásticamente la luz y la alteración que ésta ejerce sobre cada color en el que se desdobla, logrando construir una diversidad de planos coloridos y armónicos que conviven y resuenan en el espacio en el que se desarrollan (...) una propuesta plástica contemplativa que se vale de su efecto vibratorio para desdoblarse en formas infinitas, en una multiplicidad degeometrías propias que se dispersan y se transforman en otras tantas miles capaces de modificar".

Con una trayectoria de un poco más de una década, Sandra Betancort ha exhibido su trabajo en museos y galerías de Caracas, así como en ciudades de otros países como Estados Unidos, Francia, Canadá, Inglaterra y España, entre otros.

La muestra "Un punto, un mundo" de Sandra Betancort se estará presentando del 30 de septiembre al 5 de noviembre en la galería del espacio Siete al cubo, ubicado en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado de 11:00 a.m a 6:00 p.m y domingos de 11:00 a.m a 4:00 p.m.

Cabe destacar que el evento de inauguración contará con la musicalización de Pata Medina y la música en vivo de la banda La Pequeña Revancha. La entrada es libre.

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Lourdes Peñaranda muestra su visión cromática de Venezuela
en la Galería D’Museo
de Los Galpones


Una propuesta creativa que hace referencia a la obra colorista de Donald Judd para evidenciar la realidad venezolana, presenta la artista Lourdes Peñaranda a través de su nueva exposición “Venezuela Cromática”, que será inaugurada el domingo 1 de octubre a las 11 a.m. en la Galería D’Museo del Centro de Arte Los Galpones, donde permanecerá en exhibición hasta el 5 de noviembre.

Constituida por 4 horizontes con los principales colores que han dominado el panorama electoral del país, la muestra plantea interpretar a Venezuela desde una singular visión de sus aspectos simbólicos, políticos, espaciales, pero especial y singularmente: cromáticos, según expresa el curador Gerardo Zavarce en el texto que acompaña la muestra. “Se trata de una narración alternativa, que hace del color el eje esencial para imaginar una comunidad que se teje sobre un territorio llamado: Venezuela”.

En palabras de Zavarce, Lourdes Peñaranda plantea un método para propiciar una reflexión crítica sobre el contexto político venezolano, su pasado reciente y su presente como pasado inmediato. “El ejercicio de configurar una interpretación cromática de la nación o una mínima historia del color en Venezuela se modela, por una parte, sobre la lógica de la reconstrucción del devenir político a través de la sistematización cromática y su correlato espacial de la data electoral, a partir del primer evento que introdujo el ejercicio del voto universal y secreto para elegir al presidente en Venezuela ocurrido en el año 1947; hasta el último proceso de votación ocurrido en el año 2013”, señala el curador.

La artista, por su parte, afirma que intenta constituir un imaginario que incorpora elementos y colores alusivos a complejidades inscritas dentro nuestro entorno político, económico y social, actualmente atiborrado de prácticas que paradójicamente han aumentado la segregación a través del color, el cual es utilizado “como material y acontecimiento para generar espacio como una totalidad a la manera de Judd, pero también como símbolo y expresión emotiva de una identidad particular”.

Es así como dentro de la muestra se incluyen, una serie de estanterías de 3 colores alusivos a los partidos que han mantenido el poder durante la democracia venezolana, cuyas dimensiones sólo sirven para la constitución; 14 stacks que corresponden a los años electorales, conformados por un soporte especular donde las distancias entre los horizontes pertenecen a los porcentajes obtenidos por los diferentes partidos políticos; y una instalación con 350 papeles que hacen alusión a los 350 artículos de la constitución, para que el visitante escriba por detrás sus opiniones y lo coloque en el lugar que éste decida dentro de la sala con la posibilidad de escoger el color amarillo, azul o rojo del adhesivo; entre otras obras.

Con una importante trayectoria nacional e internacional, Lourdes Peñaranda (Maracaibo, 1964) ha exhibido su trabajo desde 1985 en museos y galerías de Venezuela, España, Argentina, y Portugal, además participó en el programa del Global Institute en la 7th Gwangju Biennale en Korea (2008). Su obra forma parte de colecciones en Venezuela, Europa y los Estados Unidos, entre las que se encuentra ESCALA, Essex Colección de Arte Latinoamericano en Inglaterra, y entre los reconocimientos que ha recibido figuran: el segundo lugar en la II Bienal de Arte de Maracaibo, la Orden al Mérito Artístico por La Universidad del Zulia, Premio del Público Picglaze Photo Contest 2013 (Madrid), entre otros. Asimismo fue artista internacional en residencia en el Art Incubator en Singapore en 2014 y en RUDAIR en Suecia en 2017. Desde el 2014 dirige el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.

La exposición “Venezuela Cromática” podrá ser visitada del 1 de octubre al 5 de noviembre en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre
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Ana Moreno exhibe
sus Collages en la Galería del Centro de Arte
El Hatillo

Como parte del proyecto de la Fundación Fenice Larralde y Vive El Hatillo destinado a promover y apoyar las artes visuales contemporáneas y sus nuevas propuestas.
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Una muestra titulada White Noise, de la artista Ana Moreno, será inaugurada este domingo 1 de octubre a las 11 a.m. en la Galería del Centro de Arte El Hatillo, producto de la primera convocatoria abierta realizada por Vive El Hatillo y la Fundación Fenice Larralde con el fin de fomentar la exhibición de nuevas propuestas artísticas en este espacio expositivo.

Un conjunto de piezas realizadas a partir del collage conforman el cuerpo de trabajo de esta artista, seleccionada por un comité conformado por María Luz Cárdenas, investigadora, curadora y crítico de arte; Ana Vass promotora cultural, y por Benjamín Villares curador de arte contemporáneo, especialista en fotografía, medios audiovisuales y artes electrónicas.

Con imágenes de diferentes libros, Ana Moreno va tejiendo alternativas de mirada ante las dificultades del ojo para identificar una imagen dentro del universo de fragmentos que componen cada pieza, con el collage como punto de partida, entendido, no como técnica, sino como manera de pensar y entender lo real, según explica la curadora María Luz Cárdenas en el texto que acompaña la muestra.

“Cada fragmento activa una lectura diferente que, a su vez, permite a cada quien construir su propia unidad de interpretación. Cada fragmento es un texto, una narración; pero también es la textura y la intertextualidad de un relato visual mucho más amplio, capaz de contener en sí a todos aquellos pequeños relatos” afirma Cárdenas.

La artista realiza una operación de deconstrucción en pequeños desgarres que, de acuerdo a la curadora, conservan el gesto y la expresión de la rasgadura, así como también el ademán de la mano, las gradaciones de tonos, los colores, las texturas, los contenidos, los gramajes de papel o las calidades de impresión.

“El resultado es una especie de poema visual que canta las aventuras y trayectos de los libros de procedencia: afuera y adentro de París, el cuerpo-los cuerpos, la ciudad de Caracas, las copas de los árboles, las fronteras de Venezuela, la arquitectura y el paisaje… Moreno nos acerca al collage como un lenguaje donde cada fragmento es un mundo y a la vez el mundo. No hay acá una lectura única y no existe un ángulo unitario de visión porque los puntos de vista se multiplican. En esto consiste el valor de la exposición”.

La exposición White Noise se estará exhibiendo del 1 de octubre al 12 de noviembre, en la Galería del Centro de Arte El Hatillo, ubicado en la calle Bella Vista de El Hatillo. El horario de visita es de martes a viernes de 11 a.m. a 5 p.m., sábados y domingos de 2 a 8 p.m. La entrada es libre.

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Exposición de Juan Toro Diez ya está abierta
al público en la GAUBA

*** Se estarán realizando visitas guiadas de lunes a viernes***


La Galería de Arte, GAUBA, de la Universidad Bicentenaria de Aragua, sigue consolidándose como una de los pocos espacios que le sigue dando cabida al arte en la entidad, por lo que desde el jueves 21 de septiembre abrió sus puertas a la muestra fotográfica, "Expediente" de Juan Toro Diez.

El acto inaugural se realizó a las seis de la tarde y contó con la presencia del autor de la muestra, Juan Toro, el curador, Alberto Aspirino, y un nutrido grupo de artistas invitados donde destacaron, Ricardo Arispe, Katy Rodríguez, Samuel Cortez, además de las autoridades universitarias, encabezado por la licenciada, Idelisa Rincón, Directora de Cultura, Prensa y Relaciones Institucionales.

Rincón, dio la bienvenida a los asistentes y agradeció la presencia de esta importante obra en los espacios de la GAUBA, la cual constituye una especie de memoria visual de acontecimientos vividos en Venezuela. Durante sus palabras, la directora aseguró que el arte es el mejor camino para poder reconciliar esas diferencias que tenemos como hermanos, apostando a los nuevos proyectos que traen los jóvenes creadores, siendo el trabajo de Toro un vivo ejemplo de esto.

Juan Toro, el creador de esta maravillosa muestra expositiva, indicó que en cada espacio donde ha montado sus piezas, se crea un impacto distinto y la GAUBA no fue la excepción, "todo el conjunto crea un impacto visual importante, la obra habla por sí misma", puntualizó.

Por su parte, el curador de la muestra, Alberto Aspirino, mostró su agradecimiento al trabajo realizado por el equipo de la Galería, integrado por la Licenciada Julia Villasmil, coordinadora de la Galería y Franklin Rodríguez, asistente de la GAUBA, al manifestar que el trabajo que en tan corto tiempo se realizó daba muestra de su profesionalismo y entrega.

De igual forma catalogó la muestra como un regalo para los estudiantes al asegurar que la comunidad ubista se sentirá identificada con cada una de las más de 130 fotografías que se exhiben. "Vinimos aquí a contar una historia, y esta para los estudiantes, tendrá un sentido libertario".

La exposición, en la que se exhiben seis series fotográficas, estará abierta al público aragüeño hasta el venidero 25 de octubre, en un horario establecido de lunes a viernes de 8 a 12 del mediodía y de 2 a 5 de la tarde. Las escuelas, instituciones y organismo que deseen las visitas guiadas de la muestra, pueden acercarse al espacio Giraluna, detrás de la Facultad de Ingeniería y allí obtener la información necesaria o comunicarse al 0243 2693892.
Prensa UBA

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“Little Metropolis”
es la muestra que se presenta en Objetos DAC
La Ciudad Sostenedora de Dulena Pulgar.

Su obra es intuitiva, visceral, dibujando la ciudad y sus altos edificios, como bocetos. Impregnada de multiplicidad e intensidad de color y movimiento. Lienzos de pintura acrílica, en pequeño formato, que hacen un homenaje a las grandes urbes, fantasiosas, brillantes y llenas de textura.

Las ciudades imaginarias vuelven a estar presentes, como referencia a dónde ha estado. La técnica es acrílico con crayones de oleo, sólo pintura y dibujo, once obras, que se presentan desde el 23 de septiembre en los espacios de Objetos DAC. Dulena Pulgar exhibe una “Little Metropolis” (pequeña metrópolis), que está llena de caos, ruidos, de secuencias, de mucho color y sobre todo de un espacio donde nos obliga a convivir juntos. Se trata de una ciudad que se alterna entre la multiplicidad de colores que podrían interpretarse como la diversidad de pensamientos, razas y credos que pueden convivir en un edificio. Todo depende del espectador.

Esta muestra de expresionismo abstracto, en pequeño formato, es una pequeña visión de las muchas ciudades que la artista conoció y en algunas vivió, como la Barcelona de Gaudí, la antigua Roma, la Florencia de Da Vinci, Venecia y más. Es un proceso que viene presentando desde el 2000. Y desde su balcón, por medio del pincel, dibujó y pintó, ciudades grandes, coloridas, bordadas, brillantes, pero ésta “Little Metropolis”, es la que nunca han visto.

--Despertarme en una caja, confortable o así tratamos de hacerla... cálida, al salir de la caja, ésta se transforma en una torre que contiene muchas cajas. La ciudad sostenedora, la ciudad como un agarrador, una maceta donde florece una “Little Metropolis”. Esta manera en que vivimos los humanos... en cuatro paredes, cargadas de lo que nos hace feliz o no, y que nos da privacidad eso sí... ¿Que hay dentro de esas cajas? Muchas cosas o no tantas, pero sí muchos sentires. ¿Y afuera? Concreto, color, estructura, texturas, deterioro o no, y una cabeza que desde abajo se obliga a subir la mirada para verla.--relata la artista.

La utopía de sus urbes

Dulena Pulgar, nace en Caracas, en los setenta y tiene varias décadas como artista. Realizó estudios de diseño gráfico en el Instituto IZA y luego, obtiene la licenciatura en Artes Plásticas en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón. En el 2007, se le reconoció por la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos con el premio Joven AVAP. Participa en salones como Pirelli, Arturo Michelena, Caroní y CANTV Jóvenes con FIA, por mencionar algunos. La rutina es la base para que su obra se transforme y establezca un diálogo con el espectador. Ha expuesto en Caracas, Maracaibo, Valencia, Puerto la Cruz, Maracay y en el exterior, en Bogotá, (Colombia), Matanza (Cuba), Barcelona (España), Miami y New York (USA).

Dulena Pulgar recuerda que siempre estaba pintando. Desde muy niña, le rodeó la creación: “éste mundo del arte, lleno de tanto, olores a oleo, trementina, colores, crayones y lápices de dibujo”. Su padre, Juvencio Pulgar, diputado y político, influyó mucho con su vocación artística. Cuando tenía cuatro años se fue con sus padres a vivir a Maracaibo. Los artistas visitaban su casa. Ella visito sus estudios y desde pequeña se impregnó del mundo del arte. Su madre, Yibis Pulgar, quien era directora de la Galería de Arte Durbán, fue también un nexo cercano al entorno artístico. Luego, vendrían los viajes y las mudanzas. Un rasgo que marcó su infancia, fue que creció rodeada de adultos. Tan pronto logró vender 12 telas, compró un pasaje y se fue a vivir a Barcelona. Allí, siguió su proceso dibujando las urbes y experimentando con el collage, uniendo hilos con retazos para crear edificios.

--La muestra que se presenta en Objetos DAC, en Paseo Las Mercedes, es dibujando a la ciudad, con intenso colorido, como bocetos. Es totalmente intuitiva, visceral. La ciudad es mi entorno, es lo que veo desde que abro los ojos, es muy fácil hacer homenaje a nuestra cuna. Ahora estoy haciendo un zoom a esas ciudades, es un trabajo que aún descubro y todavía no he mostrado, ando trabajando en ello, -- explica.

Dulena Pulgar vive actualmente en Florida. “En estos momentos que atraviesa el país, para mí ha sido imposible tratar de inspirarme, sólo padezco, lamento desde la distancia la difícil situación, como inmigrante sé que cada vez estoy menos sola, cada día hay más venezolanos alrededor mío, pensando y añorando que algún día todo estará como antes…”

Pulgar seguirá trabajando con hilos y la pintura, además de enseñar a niños desde temprana edad a hacer arte. Su curiosidad de seguir explorando al mundo y plasmar las ciudades en los lienzos, sigue intacta y el espectador tendrá el privilegio de disfrutarla hasta principios de diciembre.

“Little Metropolis” estará abierta al público de lunes a sábado, en horario de 2 a 6 p.m.

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LA PIEL INTEMPORAL CREADA POR ROLAND RAMIREZ SE MUESTRA EN OKYO



La naturaleza en la que conviven la comunidad indígena ye´kwana y la cordillera montañosa que rodea Caracas, es el paisaje de fondo que cubre, revela y se trasparenta a través de los tejidos de cestería presentes en la obra pictórica de Roland Ramírez, quien inaugura su muestra individual La piel intemporal, este domingo 24 de septiembre a partir de las 11:00 a.m., en la Galería Okyo de Las Mercedes.

Este creador con casi tres décadas de experiencia y proyección en las artes, la docencia y la investigación, estableció una conexión con los pobladores que bordean el rio Caura, en el Amazonas, donde registró los procesos artesanales de esta cultura indígena, permitiéndole nutrirse y reinterpretar esos volúmenes hechos con fibra vegetal que están presentes como una capa, un entramado en su obra artística.

“Partiendo de su gran familiaridad con estas tradiciones que transforman las tiras de fibra vegetal, o sea simples líneas, en planos y volúmenes, donde la cuadrícula es a la vez estructura tridimensional y la base binaria de un lenguaje gráfico, Ramírez utiliza su conocimiento de las ecuaciones espaciales para expresar y acentuar el volumen de las cestas, explorando con asombro sus misterios geométricos, curvas y velocidades. Los detalles casi microscópicos del ‘pixelado’ del tejido, ampliados al gran formato, se vuelven una suerte de matriz híper tecnológica, futurista, con fines rítmicos de un mundo que oscila entre el mosaico y la matemática”, según expresa Paul Desenne en el texto que acompaña la muestra.

La piel intemporal de Roland Ramírez se proyecta en 10 pinturas en mediano formato, en los que se observa una estructura revelada de fibras tejidas, cuyo fondo o planos inferiores exploran un paisaje de naturaleza sobre cielos, montañas o las aguas del río Nichare, afluente mágico del Caura, y que a juicio de Paul Desenne constituyen un mundo simbólico.

“De las tiras de fibra, bidimensionales, nace la tridimensionalidad de la cesta que constituye el mundo; nace el vacío interior del objeto, que como dice sabiamente el Tao-te-King es lo que permite el adentro y el afuera: que la casa sea habitable, que el cuenco se pueda llenar, que el centro de la rueda pueda recibir el eje que le permite rodar. La sensación inevitable ante estos cuadros de Roland Ramírez es la dualidad entre el espacio interior y el mundo externo, el cual en algunos casos solamente vislumbramos a través de la boca de la gran cesta que nos envuelve (…) El tema de estos cuadros es la piel que está entre ese adentro y el afuera”, acota Desenne.

Roland Ramírez (Caracas, 1956) estudió dibujo con Pedro Centeno Vallenilla y en una de las escuelas de arte más prestigiosas del mundo, l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, en París, Francia. Además de ser un investigador incansable de las metodologías de diseño y producción de obras monumentales de todo tipo; murales, dioramas, escenografías, instalaciones, escultura, bajo relieve, etc., es matemático, profesor de diseño geométrico y explorador de los ríos y selvas del Estado Bolívar.

Su actividad artística la inició en 1985 con importantes muestras individuales y colectivas en Venezuela y Francia, desarrollando murales en edificaciones de la ciudad, además de crear una pieza mural en el Pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Hannover, Alemania, en el año 2000. Actualmente trabaja en el diseño y redacción del libro “Geometría descriptiva aplicada al diseño y a las artes”.

La exposición La piel intemporal se estará presentando del 24 de septiembre al XX de noviembre en la Galería OKYO, ubicada en la calle Veracruz, Edificio La Hacienda, PB, Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.galeriaokyo.com o seguir las cuentas de Twitter @okyoart e Instagram @okyogaleria

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EL NARCOLIBRO
DE DIANORA PEREZ
GANA EL XX SALÓN JÓVENES CON FIA
EN EL MACZUL

La artista caraqueña Dianora Pérez resultó ser la ganadora del primer lugar del XX Salón Jóvenes con FIA, que recientemente se inauguró en el Maczul por su obra artística de El Narcolibro.

El jurado, integrado por Idelisa Rincón, Humberto Valdivieso y Jimmy Yánez, decidió por unanimidad otorgarle el principal galardón a esta joven, que consiste en una exposición colectiva con el segundo y el tercer premio del presente Salón la Galería D'Museo de Caracas, un premio en metálico y un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua.

El Narcolibro proyecto en lectura Braille e impresiones tipográficos, compuesto por 14 cuadernillos dispuestos en una caja, que recogen la memoria de algunos hechos violentos ocurridos en Venezuela durante las últimas décadas y que de ninguna manera se han presentado como data a la opinión publica venezolana.

La obra es producto de la investigación sobre el tráfico ilícito de estupefacientes y sustancias psicotrópicas, así como del lavado de dinero en Venezuela, desde el 2007 al 2015, y promueve la lectura entre videntes e invidentes." Hace visible como se ejerce el poder para corromper los organismos gubernamentales", comenta la artista Dianora Pérez.

Esta propuesta artística presenta los 13 casos más conocidos, del narcotráfico venezolano, y en cada uno se describe la participación de cada funcionario del gobierno Bolivariano (civil o militar), desde su cargo y su aporte para la corrupción. Según expresa la artista Dianora Pérez "El Narcolibro pone en evidencia el poder del rojo gubernamental para hacer de la corrupción una legalidad incuestionable"
Nacida en Caracas, 1981, Dianora Pérez es profesora de Artes Plásticas en la UPEL - IPC, entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres en la ONG con Nelson Garrido y Juan Toro. Inicia su carrera expositiva en el 2002 con muestras colectivas, siendo sus actividades más recientes su participación en la Edición Premio Mendoza ediciones 2016 y 2017; Salón Octubre Joven, Museo de Valencia, en 2016; 3ra Bienal de gráfica Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez y el 40° Nacional de Arte Aragua., años 2015 y 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en el Premio Mendoza #14.
El segundo y tercer premio del XX Salón Jóvenes con FIA correspondieron a dos artistas del interior del país, María Fabiana Zapata (Porlamar, 1979) y Ricardo Arispe (Barquisimeto 1981), quienes participarán en una muestra colectiva en la Galería D'Museo y tendrán igualmente un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua, respectivamente.

Sobre la Diáspora y otras acciones de irse o volver, realizada en 2017 por María Fabiana Zapata, es una instalación-collage con hojas de pasaporte, libros, estampillas y encajes en la que la artista se permite explorar el fenómeno migratorio venezolano de una manera multidimensional, vinculando los procesos migratorios pasados y que en la actualidad se revierte la acción. Por su parte Ricardo Arispe con su obra fotográfica y de collage digital titulada La Ultima Guarimba registra con humor y sátira visual la realidad más cercana y sufrida por los venezolanos donde la opinión, las promesas, las acciones colectivas e individuales retratan un país lleno de contradicciones y necesidades.

Cabe destacar que el jurado del XX Salón Jóvenes con Fia otorgó tres menciones de honor a los artistas Ernesto Dávila, Aureliano Parra y Aymara Monsalve.

El Salón Jóvenes con FIA se está presentando en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) bajo el título El Poder y diálogos visuales; además de realizar una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este encuentro para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.
Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

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Juan Toro Diez mostrará la violencia desde otra perspectiva en la UBA
*** Estará mostrando su exposición en la Galería de Arte de la Universidad***

Mostrar otro enfoque a los hechos violentos y hacer un llamado de atención y a la reflexión, es lo que impulsó al fotógrafo venezolano, Juan Toro Diez, a comenzar desde el 2009 un registro fotográfico de esta situación, denominado Expedientes.

Este proyecto busca abordar desde el silencio hechos que forman parte del día a día y que deben llamar a la reflexión a los venezolanos. "Estuve trabajando un tiempo con periodistas y fotógrafos de sucesos, quienes me abrieron las puertas de esta fuente tan delicada y me permitieron conocer la realidad, abordando los hechos, no desde la perspectiva periodística sino desde otro ámbito", expresó Juan Toro Diez.

Es por ello que en la muestra que desde este jueves 21 de septiembre se estará exponiendo en la Galería de Arte de la Universidad Bicentenaria de Aragua, GAUBA, los asistentes podrán disfrutar de tres seriados fotográficos presentados en un fondo blanco, en los que se muestran objetos que representan manifestaciones y protesta recogidos durante el 2014, balas percutidas involucradas en hechos de violencia y una última serie de sillas vacías, que representan a personas que han perdido sus puestos de trabajo, entre otros aspectos.

"Eso muestra una idea general que nace de los problemas que tenemos como sociedad, retratos de ausencia, de alguna manera con estos objetos, empiezas a entender diversas situaciones desde su silencio", manifestó el creador de la exposición, quien añadió que consciente de la importancia del tema, buscó una manera de aproximarse a los hechos desde otro enfoque, "no algo tan evidente, como un cuerpo bañado en sangre".

Explicó que desde que inició la exposición, Expediente, la cual ya ha sido mostrada en importantes espacios expositivos como el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (Maczul), la Galería de arte de la Alcaldía de Barquisimeto, en la Galería Universitaria Braulio Salazar, también en Nueva York, Holanda, Medellín y España, los objetos que presentaban eran desconocidos, <los miguelitos>, <las bombas molotov>, <los cartuchos de bala>, <las bombas lacrimógenas>, "y ahora, ya la gente los nombra como algo cotidiano, se están incorporando en su vida, y eso debemos detenerlo".

La licenciada Idelisa Rincón, Directora de Cultura, Prensa y Relaciones Institucionales de la Universidad Bicentenaria de Aragua, se siente complacida de traer a los espacios de la GAUBA, esta exposición, que muestra, según sus palabras que las diferencias no se combaten con violencia sino con arte, con educación y reflexión, "eso es lo que está haciendo Juan Toro Diez de una manera distinta". Aseguró que a través del arte también se generan cambios con los cuales puede crecer el país. Reiteró la invitación a la ciudadanía aragüeña a participar de la inauguración de Expedientes, este jueves 21 a partir de las cinco de la tarde, muestra que permanecerá en estos espacios más de un mes.

Por su parte, el fotógrafo, Juan Toro Diez, invitó a la ciudadanía a asistir a la muestra con una mente abierta, "aquí verán una aproximación diferente al tema país y los invito a tratar de reflexionar sobre la sociedad que estamos viviendo".

Glorianny González.
Prensa UBA


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Salón Jóvenes con FIA 2017 llega al MACZUL
con la exposición
de su 20° edición
y una muestra retrospectiva


El Salón Jóvenes con FIA tomará las salas 1 y 5 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) a partir del sábado 16 de septiembre a las 5:00 p.m., con la exposición y premiación de la vigésima edición de este importante certamen de arte, que este año lleva por título El Poder y diálogos visuales; y una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este Salón para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.

A través de propuestas diversas como instalaciones, collages, acrílicos, fotografía digital, obra sobre papel, vídeo, audio y bordados sobre liencillos, el Salón Jóvenes con FIA en esta edición refleja la visión y reflexión de sus participantes acerca de la actual situación política, social y económica que vive el país, abordando el poder desde el deseo, la creatividad y la perseverancia de los creadores visuales, junto a la lucha de los organizadores por mantener en pie este encuentro reflexivo como una mirada esperanzadora en medio de las circunstancias, según afirma el curador Yuri Liscano en el texto que acompaña la muestra.

“Paralelamente a esta noción, se suman otras formas en las que el poder se manifiesta: la fuerza devastadora de la naturaleza, el carácter del ser humano para enfrentarse a distintas adversidades, el silencio o la palabra como dictamen; la decisión de formar, o no, parte de la diáspora; la ciudad como ente centralizado de mando, la hegemonía del Estado sobre la población y las ramificaciones que genera, influyentes en todos los ámbitos de la vida social”, escribe Liscano.

El XX Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales narra las angustias y devela una vorágine de acontecimientos íntimos y, a la vez, de todos, según palabras del curador. “Se alza como denuncia a la política entendida como mera ideología, esa que no atiende al colectivo. Aspira plantear interrogantes e inquietudes, compartir desasosiegos y ansias, siempre valiéndose del escenario circundante. Una especie de intercambio de vivencias, visiones y relaciones con el poder”.

Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

Una mirada referencial

Por su parte, la muestra retrospectiva que acompaña esta XX edición del Salón Jóvenes con FIA, da cuenta de 20 años de recorridos plurales, marcados por la diversidad, cruzados por múltiples conceptos, en un rango que incluye las más radicales disciplinas, tendencias y técnicas, según afirman los curadores María Luz Cárdenas y Alberto Asprino.

La selección que conforma la retrospectiva permitirá apreciar los cambios sociales y tecnológicos, diferentes medios y soportes visuales, así como la enorme potencia conceptual que caracteriza a la producción artística joven, a través de un conjunto de obras de los artistas que han ganado las diferentes ediciones del Salón Jóvenes con FIA, entre los que se incluyen Alfredo Sosa, Eduardo Molina, Alexander Apóstol, Gustavo Artigas, Juan Araujo, Ángel Marcano, Nayari Castillo, Federico Ovalles, Reymond Romero, Jaime Gili, Flix, Juan Pablo Garza, Camilo Barboza, Armando Ruiz, Manuel Eduardo González, Luis Mata, Beto Gutiérrez y Jonathan Lara.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

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Pinturas abstracto - geométricas de Javier Vivas conforman nueva exposición de GBG Arts

Una exposición del artista venezolano Javier Vivas, será inaugurada bajo el título “Pintura concreta” el domingo 10 de septiembre a las 11:30 a.m., en la Galería GBG Arts, con un conjunto de obras de tradición abstracto-geométrica realizadas recientemente por el joven creador, que podrán ser apreciadas hasta el 29 de octubre.

A partir de la valoración de la pintura como medio y su inserción en la postmodernidad, el artista plantea en esta su primera individual, “apropiarse de formas (o estilos) de reconocidos maestros del geometrismo para trastocarlas y redefinirlas en su obra personal”, según afirma la curadora e investigadora de arte Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra.

Para la curadora, las pinturas de Vivas son resultado del diálogo visual que él establece con las obras de Alejandro Otero, Jesús Soto, Max Bill, Blinky Palermo, Sol Lewitt, entre otros, de manera que cada una de las series que integran el proyecto expositivo presenta características diversas, que dependen de la lectura de la obra realizada de los maestros del abstraccionismo que le han servido como referente.

En “Pintura concreta”, el joven creador también se plantea la revisión del concepto de modernidad y su relación con la posmodernidad para la realización de sus pinturas, cuando al profundizar en los procesos creativos de otros artistas, extrae de sus obras los elementos para él necesarios y los lleva a su contexto: el de su contemporaneidad, tal y como lo señala Benko.

“Javier Vivas pasa de la formalidad moderna a una condición posmoderna al representar estructuras en un contexto inestable. Lo logra mediante la reorganización de imágenes y signos que le sirven como referentes, para reinterpretarlos y generar otras nuevas, acordes a su visión. Visto de este modo, sus pinturas se insertan tanto en el espíritu de la modernidad como de la posmodernidad, por lo que tanto sus consideraciones formales como su contenido semántico –o tejido de significaciones– presentes en ellas mantienen igual importancia”.

Nacido en 1991 en Mérida, donde reside actualmente, Javier Vivas ha participado desde 2011 en varias exposiciones colectivas en Mérida y otras ciudades del país tales como Caracas, Ciudad Bolívar, Valencia, Maracaibo, además estuvo presente en el Aruba Art Fair en San Nicolas, Aruba. En 2015 obtuvo importantes reconocimientos, entre los cuales figuran el Primer Premio en la IX Bienal de Artes Visuales de la ULA, en la Galería La Otra Banda; el reconocimiento como Artista Destacado otorgado por el Rector de la Universidad de Los Andes, ambos en Mérida, y la distinción Artista en residencia “Este espacio no es mío”, otorgado por el Salón Nacional Octubre Joven en Valencia, edo. Carabobo. Su obra ha sido reseñada en varias publicaciones internacionales.

La exposición “Pintura concreta” de Javier Vivas podrá ser visitada del 10 de septiembre al 29 de octubre, en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS

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Obras tridimensionales
de Alessandro
Del Vecchio
combinan arte
y arquitectura
en la Galería GSiete

Un conjunto de piezas tridimensionales concebidas a partir del diseño paramétrico, conforman la exposición "Patrones de división", del arquitecto y artista plástico italo-venezolano Alessandro Del Vecchio, que será inaugurada el domingo 3 de septiembre a las 11 a.m. en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones.

Según explica Del Vecchio, el diseño paramétrico es una técnica que permite crear nuevos lenguajes de programación, aplicables a las estrategias de diseño y producción digital para el diseño arquitectónico e industrial, permitiendo crear modelos paramétricos tridimensionales a partir de información geométrica y no geométrica.

Es así como en esta su primera individual, presenta 9 piezas que según sus propias palabras "muestran los efectos de los patrones de división sobre los prismas los cuales generan infinidad de formas y efectos artístico-arquitectónicos que al aplicarlos en sobre posición de tramas o como efecto de operaciones matemáticas básicas (como sustracción, suma, división y multiplicación) aplicadas a un volumen pueden generar distintos tipos de espacialidad".

Concebidas como un proyecto arquitectónico, las obras de Alesaandro hacen gala de una composición que dialoga armoniosamente con cada uno de sus elementos, donde la elección de colores "parte del principio de generar una vista lo más minimalista y pura posible, tomando los blancos y transparencias como métodos para acentuar las sombras; el uso del color negro para acentuar las siluetas y por último el uso del rojo para potenciar las figuras", apunta el artista.

La muestra "Patrones de división", de Alessandro Del Vecchio, podrá ser visitada del 3 de septiembre al 29 de octubre, en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, ubicada en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.


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Proyecto expositivo
de la venezolana
Annette Turrillo
protagoniza individual
en el Coral Gables Museum

Un reconocimiento a la mujer y sus logros a pesar de los obstáculos que ha enfrentado a lo largo de la historia, es el punto de partida de la nueva propuesta artística de la venezolana Annette Turrillo, que bajo el título "Sublimations" tomará una sala del museo estadounidense Coral Gables Museum, del 1 de septiembre al 19 de noviembre, con una serie de instalaciones a gran formato, cuya puesta en escena dentro del espacio expositivo ejerce una influencia directa sobre la estética.

"El objetivo de estas instalaciones es llevar el concepto plástico más allá de lo bidimensional, en una experiencia sensorial de espacio y de volumen, estableciendo un diálogo entre el consciente e inconsciente, lo espiritual y lo tangible, que permita transportar al espectador a un estado reflexivo", afirma Turrillo.

Es así como a través de un recorrido en diferentes etapas por las diversas instalaciones y sus mensajes, la muestra presenta un enfoque positivo y de proyección hacia un futuro donde el trabajo y la superación continua del género femenino alcance igualdad y pleno reconocimiento, e interpela al espectador incitándolo o motivándolo a tomar unos minutos de reflexión, para llevarlo a una coparticipación de la obra y por ende de la exposición, según explica la artista.

"Con mi propuesta Sublimaciones, Mujeres en la Historia, quiero dar el reconocimiento a todas esas mujeres, que con su valentía, trabajo y empeño, labraron lo que hoy es La Mujer Contemporánea (…) la lucha por el derecho al estudio, al trabajo, al voto, el divorcio, entre otros logros, fueron cambiando el curso, la percepción, el avance y la participación de la mujer en el mundo".

Por su parte, la curadora y crítico de arte Carol Damian, considera que para la exposición "Sublimations" (Sublimaciones), Annette Turrillo "aborda su proceso creativo a través de la lente de la espiritualidad e invita al espectador a participar con sus propios métodos de autorreflexión, inspirados por su arte".

Artista conceptual que utiliza instalaciones y patrones repetitivos para entregar sus mensajes, "Turrillo trabaja con objetos (acumulaciones de zapatos en una de las obras de esta exposición, Patterns and Divergences); Dibujo y pintura, y los efectos técnicos. Aportando un estilo de dibujo matizado a sus pinturas, las imágenes están dominadas por caras monumentales representadas en diferentes formatos y siempre apenas apareciendo desde el fondo, ya que las mujeres también han sido forzadas al fondo, animadas a emerger silenciosamente y sutilmente para hacerse oír", apunta la curadora.

Para Carol Damian, las sublimaciones de Annette exploran la fortaleza interior y la profundidad de espíritu de las mujeres. A su juicio, "cada instalación en la exposición se refiere a un yo interior de la mujer revelado a través de su rostro. Casi holográfico en su aspecto hipnotizante, el rostro es inspirador. Se puede fragmentar, recortar e incluso desaparecer, pero mantiene rasgos reconocibles y su propia presencia inspira reflexión. El espectador está invitado a completar el cuadro, tal vez se imagina como una cara monumental, y aspirar a nuevas alturas de logro y reconocimiento".

Residenciada en Francia desde 1995, Annette Turrillo ha desarrollado una amplia y reconocida trayectoria artística a lo largo de más de dos décadas, durante las cuales ha exhibido su trabajo en diversas ferias internacionales de arte, museos, salas y galerías, en Venezuela, Francia, Estados Unidos, Puerto Rico, Finlandia, Holanda, Perú, Lituania, Rusia, y Turquía, entre otros países.


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El movimiento virtual
en la obra de Corina Höher
protagoniza muestra
en el MACZUL



Con el título “Cuantificable”, será inaugurada una exposición individual de la artista venezolana Corina Höher, el sábado 19 de agosto a las 11:00 a.m. en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, la cual podrá ser visitada por el público hasta el 22 de octubre, con la curaduría y museografía de Cerquone Projects.

Residenciada en Miami (Estados Unidos), Corina Höher presenta por primera vez un proyecto expositivo en nuestro país, con un conjunto de obras de reciente creación, donde investiga el color como fenómeno científico a través de una intensa repetición de arreglos geométricos, con exploraciones que surgen de las teorías del color del artista Carlos Cruz-Diez.

Según el texto de presentación de la artista, “Sus piezas activadas por el espectador resaltan las interacciones entre colores y formas en frecuencias precisas, generando así el movimiento necesario para crear una serie de ondas y transmitir la relación entre el color y su respectiva intensidad, es decir, el color como energía”.

Para Höher, su objetivo es generar eventos inesperados que modifiquen la percepción del espacio-tiempo del espectador. En sus propias palabras, “el planteamiento creativo deviene en una investigación sobre la manifestación del movimiento virtual a través de la forma y el espacio en el tiempo, con la intención de forjar un evento en constante mutación que propicie una concordancia en el diálogo para la concepción del espacio, la forma y las tecnologías que utilizamos para crear experiencias dinámicas”.

Nacida en Caracas en 1987, Corina Höher comenzó sus estudios de diseño gráfico en su ciudad natal, y se graduó con honores de la Universidad de Miami Internacional de Arte y Diseño, con una Licenciatura en Artes Visuales. Desde entonces ha desarrollado una importante trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en diversos espacios de Estados Unidos, España, Francia y México.

En Venezuela el público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de Corina Höher a través de la exposición “Cuantificable”, que se estará presentando del 19 de agosto al 22 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. El horario es de martes a domingo de 10 a.m. a 5 p.m. La entrada es libre.

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Eduardo Azuaje representa su poética
de la muerte
con una exposición
en el MAC



La muerte como consecuencia directa de la violencia en las sociedades contemporáneas, es el eje central de la obra reciente del artista venezolano Eduardo Azuaje, que será exhibida desde el domingo 13 de agosto a las 11 a.m. en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, a través de una exposición titulada Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte.

A partir de la búsqueda de huesos de animales muertos en Pariaguán –su tierra natal– Azuaje realiza una gran instalación, compuesta por registros audiovisuales y un conjunto escultórico de piezas, “que revelan el lado destructivo de la naturaleza humana y sugieren sentimientos violentos de gran intensidad dramática: la pierna se erige en un aparato capaz de aplanar todo a su paso; el brazo extraviado parece tantear un camino más allá del mal; mientras las cabezas nos acusan con sus ‘miradas’, oscuras y profundas, que brotan de las extrañas concavidades oculares”, según afirma el curador Luis Velázquez en el texto que acompaña la muestra.

Hueso a hueso el artista concibe una figura colosal, fragmentada e incompleta, en este proyecto expositivo en el que de acuerdo al curador, Eduardo Azuaje demuestra las habilidades del recolector-coleccionista, pero también las del creador-escultor capaz de transformar un cúmulo de desechos orgánicos en obra de arte. “Construye una anatomía humana, provista de una aparente ‘musculatura desollada’, con un tejido de huesos engranados dentro de un sistema que, aunque internamente puede resultar aleatorio, describe un orden estructural que lo transfigura en una experiencia estética”.

En esta suerte de arqueología artística –como la describe Velázquez– el artista asume una actitud crítica para rechazar la inhumanidad del hombre hacia sus semejantes, e intenta representar el problema de las numerosas muertes, absurdas e inesperadas, producto de una violencia que tiene en el hampa común su vertiente más poderosa.

“Sin cordero de Dios es el resultado de una investigación compleja, inteligente y profunda donde el cuerpo es objeto y referencia del discurso visual, pero al mismo tiempo símbolo de la violencia, de la destrucción, de la muerte. Aquí las imágenes de un sujeto fragmentado, bajo el signo de la osamenta, son una metáfora de la imposibilidad de salvación frente al mal; el memento mori como representación del inevitable final de todas las cosas terrenales”, señala Luis Velázquez.

Nacido en 1968 en Pariaguán, estado Anzoátegui, Eduardo Azuaje ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en más de treinta exposiciones colectivas organizadas por museos y galerías nacionales e internacionales de Venezuela, Estados Unidos, Francia, Brasil, Cuba y España; además de siete exposiciones individuales en Venezuela. Asimismo ha recibido varios premios y reconocimientos entre los que se cuentan: Mención Especial, Salón Municipal de Caracas, Caracas, 1994; Premio Especial Armando Reverón para Artista Joven de la ONU AVAP, Caracas, 1995; Segundo Premio Bienal Internacional de Bolivia (SIART), La Paz (Bolivia), 2001. Entre sus iniciativas personales de gestión y proyección cultural, destaca la creación del Museo de Escultura Contemporánea de Pariaguán (2004).

La exposición Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte, de Eduardo Azuaje permanecerá abierta al público del 13 de agosto al 29 de octubre, en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ubicado en avenida Bolívar, Zona Cultural de Parque Central, Nivel Lecuna. El horario es de martes a domingo de 10:00 a.m. a 4:30 p.m. La entrada es libre.

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Alex Siniscalchi lleva su protesta pacífica a través del arte gráfico

El creador de CCSTENCIL se solidariza con Venezuela con mensajes de unión, justicia, fuerza y esperanza. Una de sus muestras se exhibe actualmente en EEUU
Prensa Cresta Metalica

El artista gráfico venezolano Alex Siniscalchi no deja de lamentar la situación de confrontación que vive su país, así como la fuerte crisis que afecta a todos sus coterráneos, por lo que quiso dar su aporte a través de su marca CCSTENCIL, con la cual realizó el diseño de la icónica valla ubicada al final de la avenida principal de Las Mercedes, Caracas, como un reconocimiento y obsequio a toda Venezuela, llevando además un mensaje de fuerza y esperanza. Vale resaltar que CCSTENCIL no cobró honorarios por la obra.

"Una vez más CCSTENCIL nos deja un mensaje gráfico y contundente en una de las vallas más importante de la ciudad de Caracas. En medio de la oscuridad, en una guerra desigual, le dejamos a la capital y a toda Venezuela un reconocimiento más por estos tres meses de protestas continuas. Siempre nos hemos pronunciado de la forma en que lo sabemos hacer. Si hay algo que necesitan las calles de la ciudad son mensajes de paz. Que sea el arte y la cultura siempre el primer y milésimo paso que dé oxígeno a nuestra golpeada sociedad para que avance hacia el desarrollo, sin dejar atrás los valores, la justicia, la paz y el amor por el prójimo", expresó Alex Siniscalchi.

La valla denota en sus colores de splash un lado de tonos azules, del otro lado tonos rojos y en el medio una chica con pose de Libertad, respiro y paz, porque para el artista "Venezuela es una mujer, humilde, soñadora, regia pero noble a la vez, su mente sueña en infinitos colores, idiomas y sabores, ella resiste lo que le tocó vivir, porque sabe que se levantará más fuerte".

Alex Siniscalchi cuenta con una amplia trayectoria como artista gráfico. Comenzó como "Artista Activista" en el año 2004 y cuando apenas tenía 17 años de edad pintaba murales. Dirigió varias obras importantes con el municipio de Chacao, haciendo la consigna utilizada por el ex -alcalde Emilio Graterón: "Paz, Respeto y Tolerancia" uniendo a todos los artistas urbanos de Caracas en un sólo mural. Participó tres veces en el renombrado festival "Por el medio de la calle", así como en grandes campañas como la de ACNUR "Ponte en sus zapatos" de La Organización de las Naciones Unidas.

Actualmente CCSTENCIL está llevando a cabo su segunda exposición en Miami, EEUU, titulada "La Peste de Caracas", conformada por doce cuadros realizados con pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo impreso de 135 x 105cm. Se exhibe en la galería Nomad Tribe ubicada en la zona de Wynwood y estará abierta al público hasta el 8 de julio. "Le coloqué ese nombre a la exposición porque yo le llamo así al presente de mi país, porque la miseria, el hambre y la muerte reinan en el lugar. Esta nueva serie de cuadros representa la desidia, el dolor, la farsa, la descomposición y el deterioro de una sociedad enferma", explicó el artista.

"No es la música, no es el grafiti, no es teatro, no es la literatura, no es la escultura, no es el poema, no es uno, ni el otro, es el arte cómo ente viviente el que comunica todos los mensajes que los artistas queremos gritar, en idiomas cifrados que cada quien interpreta a su manera. No hay manual para entender el arte, pero mágicamente hay obras que nos llegan a todos juntos", añadió el creador de CCSTENCIL quien además ha realizado diseños para organizaciones como Amnistía Internacional, Un Mundo Sin Mordaza y PROVEA.

Sigue a Alex Siniscalchi (Ccstencil) en sus redes sociales:
https://twitter.com/ccstencil
https://www.instagram.com/ccstencil
https://www.facebook.com/ccstencil

Para canalizar entrevistas:
Roberto Palmitesta +58 04129620981
Alejandro Adrián +58 414-1515638 / +58 416-7060220


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DaliaFerreira

Vivo fuera de mi cuerpo, aún en Venezuela. Mezcla de angustia, amarga impotencia, tristeza, temor... pero al mismo tiempo... Esperanza, orgullo indescriptible de ver a mi bravo pueblo jugándose la vida para salir de esta demencial situación.

Nuestros guerreros de luz: los guapos de la resistencia, las mujeres, las abuelitos, el señor del papagayo, los estudiantes, los enfermos, los dirigentes, los presos políticos, las legiones espirituales de otros planos y todos los civiles caídos, que ahora guían nuestros pasos: Un verdadero Ejército de Paz que obra sobre nuestra Venezuela

Dedico esta obra llamada La Marcha a la poderosa Fe con que nos protegen y fortalecen cada Día las Madres en sus oraciones. Amén.

@DaliaFerreira

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Fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo sigue cosechando premios
La venezolana
fue premiada
por la International Society of Professional Wedding ISPWP

Caracas; 16 de mayo de 2017.- El trabajo de la fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo es nuevamente premiado, en esta oportunidad ganó la mejor fotografía en la categoría Bride and Groom Portraits (retratos de novios) en la International Society of Professional Wedding ISPWP (Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda). Además logró el noveno lugar en la categoría "Movement un Motion" (Movimiento sin movimiento), el décimo octavo lugar en la categoría "Bride Portrait" (Retrato de novias).

La Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda es una organización que reúne a los mejores fotógrafos de bodas del mundo. Fue creado por los fotógrafos profesionales para elevar los estándares de la profesión de la fotografía de la boda.

Por otra parte, García-Gallo también quedó entre las finalistas al Premio UnionWep 2017 en las categorías "Blanco y negro" y "Sesión de pareja", donde el año pasado fue reconocida como fotógrafa revelación del año UnionWep 2016.

La fotógrafa García Gallo no solo se ha dedicado en la fotografía de bodas, una especialidad que cada año cobra más fuerza y requiere mucho más talento y creatividad de lo que uno podría imaginar, comparte su tiempo con su trabajo artístico personal. En el 2015, fue seleccionada en PHE2015, uno de los festivales de fotografía más importantes del mundo, así como en Slideluck Caracas, y Slideluck Madrid donde ha expuesto sus obras en exposiciones tanto individuales y colectivas.

García-Gallo realizó estudios en el Taller de Fotografía Roberto Mata, en la actualidad vive en Madrid junto a su esposo el director y productor Daniel Ruíz Hueck, donde maneja la exitosa empresa Emotion & Motionque se ha dedicado no solo a hacer bodas en el país donde viven sus integrantes: España y Venezuela, han realizado bodas en Miami, Nueva York, Suiza, Panamá, Dubái, República Dominicana, España y por supuesto Venezuela... este año tienen una apretada agenda en Nueva York, Miami, Paris, Bruselas, Panamá, Barcelona, Madrid y por supuesto Caracas.
Para conocer y ver el trabajo de Marienna García-Gallo puede visitar:

http://www.emotionandmotion.es/
http://www.mariennagarciagallo.com/
https://www.ispwp.com/contests/result/NDI=/ispwp-wedding-photography-contest-results-winter-2017


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Artistas venezolanos
Toña Vegas y Tony Vázquez-Figueroa
exponen en Nueva York

Los artistas venezolanos Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa se encuentran exhibiendo actualmente en la ciudad de Nueva York (USA), un trabajo en conjunto que bajo el título “Inventory /Takes” ocupa los espacios del centro cultural The Clemente, con sendas propuestas artísticas en torno al concepto de “Inventario”, cada una desde una perspectiva diferente.

En esta muestra, de acuerdo a la curadora Lorena González, los artistas han unido sus investigaciones y “han construido a lo largo de sus procesos creativos una obra comprometida con el establecimiento de diálogos y relecturas que surgen como contrapunto visual frente a las problemáticas de la efervescente materia cotidiana que nos rodea”.

Toña Vegas presenta, según ella misma explica, una propuesta conformada por dos series –Transmigración, obras en mixed media impresas sobre papel, y Ser dignos del olor del pan, obras en óleo y cera sobre tela.

Para Vegas, cada uno de los seres humanos crea un tejido propio, orgánico y sutil, que a su vez se relaciona con el tejido de los otros. “Podría decir que mi propuesta es una de esas formas de ‘precipitación’ de tejido sutil en obra. Considero mi trabajo como una obra poética que conjuga forma y contenido. Es contundente visualmente y a la vez está formado por capas de contenidos (tejidos) que se entrelazan entre espacios móviles generados por la magia del color”.

En la serie Transmigración, construye espacios a través del color y la asociación sensible de las imágenes fotográficas, que provienen de su observación, del contacto con obras de otros artistas, siempre en forma oblicua, y de la mirada atenta de lo que le rodea; mientras que en la serie de óleos Ser dignos del olor del pan, expone su vivencia de la situación actual venezolana en relación a la gran escasez, “no sólo desde el punto de vista de la alimentación física, sino de la dignidad humana esencial que significa la acción de percibir el olor del pan (hecho cultural y espiritual fundacional de lo humano)”, expresa la artista.

“Visualmente, la serie de los óleos se desprende de la serie Transmigración: así como las imágenes fotográficas en esa serie han sido tomadas en forma oblicua, las imágenes de esta serie de óleos son extractos frontales de las anteriores, logrando un macro de zonas significativas, pero siempre interceptadas por una especie de veladura que contiene símbolos del paquete de harina PAN, nuestro pan”.

Por su parte, Tony Vázquez–Figueroa presenta, según explica la curadora Lorena González, una serie titulada Des-abasto, conformada por más de cien objetos hechos de resinas que representan los alimentos y medicinas que escasean en Venezuela, pequeñas esculturas de la memoria selladas por la impronta química, que desaparecerán con la acción del tiempo dentro del espacio expositivo.

Asimismo, exhibe en paralelo un conjunto de doce fotografías que registran la acción performática de los componentes como metáfora viva de lo real. A juicio de la curadora, “en sus otras series la apuesta se extiende hacia la permanencia de estos mismos objetos, encapsulándolos en museográficas cajas de acrílico o consolidándolos a través del trabajo en concreto, gesto escultórico donde ese archivo vital salta de su categoría de deseado objeto de uso a petrificado objeto museable”.

En “Inventory/Takes” Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa “transitan al borde de paradojas que se acentúan gracias a la oscura veta de los últimos acontecimientos vividos en la insondable crisis política, económica, social y humana de la Venezuela reciente. Es así como desde la pintura, la fotografía, la instalación y la escultura, sus líneas de trabajo se engranan en el espacio expositivo, levantando ante al espectador un inventario de cercanías y distancias, tachaduras y reveses, encuentros y desencuentros, olvidos y apariciones de un paradigma social que aún no ha podido encontrar respuestas frente a los vibrantes vacíos de este contradictorio nuevo siglo”, afirma Lorena González.

Esta exposición en la ciudad de Nueva York, que por la calidad y por el número de obras es una individual en tándem, constituye la primera de una serie de exposiciones que paralelamente estará realizando Toña Vegas por las ciudades de Miami y Los Ángeles durante el 2016 y el 2017.

tonyavegasofficial.com
T +1 929208 8844

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